Ludwig (Louis) Spohr |

louis spohr

Spohr trådte ind i musikkens historie som en fremragende violinist og storkomponist, der skrev operaer, symfonier, koncerter, kammer- og instrumentalværker. Særligt populære var hans violinkoncerter, som fungerede i udviklingen af ​​genren som bindeled mellem klassisk og romantisk kunst. I operagenren udviklede Spohr sammen med Weber, Marschner og Lortzing nationale tyske traditioner.

Retningen af ​​Spohrs arbejde var romantisk, sentimentalistisk. Ganske vist var hans første violinkoncerter stadig tæt på de klassiske koncerter af Viotti og Rode, men de efterfølgende, begyndende med den sjette, blev mere og mere romantiseret. Det samme skete i operaer. I de bedste af dem – "Faust" (om en folkelegendes plot) og "Jessonde" - forudså han på nogle måder endda "Lohengrin" af R. Wagner og F. Liszts romantiske digte.

Men netop "noget". Spohrs talent som komponist var hverken stærkt, originalt eller solidt. I musikken støder hans sentimentaliserede romantik sammen med pedantisk, rent tysk eftertænksomhed, der bevarer den klassiske stils normativitet og intellektualisme. Schillers "følelseskamp" var fremmed for Spohr. Stendhal skrev, at hans romantik udtrykker "ikke Werthers lidenskabelige sjæl, men en tysk borgers rene sjæl".

R. Wagner genlyder Stendhal. Wagner kalder Weber og Spohr fremragende tyske operakomponister og nægter dem evnen til at håndtere den menneskelige stemme og anser deres talent for ikke at være for dybt til at erobre dramaets rige. Efter hans mening er arten af ​​Webers talent rent lyrisk, mens Spohrs er elegisk. Men deres største ulempe er at lære: "Åh, denne vores forbandede lærdom er kilden til alle tyske onder!" Det var lærdom, pedanteri og borgerlig respektabilitet, der engang fik M. Glinka til ironisk nok at kalde Spohr "en diligence af stærkt tysk arbejde."

Men uanset hvor stærke kendetegnene hos borgerne var i Spohr, ville det være forkert at betragte ham som en slags søjle for filistinisme og filistinisme i musikken. I personligheden af ​​Spohr og hans værker var der noget, der modsatte filistinisme. Spur kan ikke nægtes adel, åndelig renhed og ophøjethed, især attraktiv i en tid med uhæmmet lidenskab for virtuositet. Spohr vanhelligede ikke den kunst, han elskede, og gjorde lidenskabeligt oprør mod, hvad der forekom ham småligt og vulgært, og serverede en basal smag. Samtidige værdsatte hans position. Weber skriver sympatiske artikler om Spohrs operaer; Spohrs symfoni "The Blessing of Sounds" blev kaldt bemærkelsesværdig af VF Odoevsky; Liszt dirigerer Spohrs Faust i Weimar den 24. oktober 1852. "Ifølge G. Moser afslører sangene af den unge Schumann Spohrs indflydelse." Spohr havde et langt venskabeligt forhold til Schumann.

Spohr blev født den 5. april 1784. Hans far var læge og elskede passioneret musik; han spillede godt på fløjte, hans mor spillede cembalo.

Sønnens musikalske evner viste sig tidligt. "Begavet med en klar sopranstemme," skriver Spohr i sin selvbiografi, "begyndte jeg først at synge, og i fire-fem år fik jeg lov til at synge en duet med min mor til vores familiefester. På dette tidspunkt købte min far mig en violin på messen, som gav efter for mit brændende ønske, hvorpå jeg begyndte at spille uophørligt.

Da han lagde mærke til drengens begavelse, sendte hans forældre ham for at studere hos en fransk emigrant, en amatørviolinist Dufour, men overførte hurtigt til en professionel lærer Mokur, koncertmester for hertugen af ​​Brunswicks orkester.

Den unge violinists spil var så lyst, at forældrene og læreren besluttede at prøve lykken og finde en mulighed for ham til at optræde i Hamborg. Koncerten i Hamborg fandt dog ikke sted, da den 13-årige violinist, uden støtte og protektion fra de "mægtige", ikke formåede at tiltrække sig den behørige opmærksomhed. Da han vendte tilbage til Braunschweig, sluttede han sig til hertugens orkester, og da han var 15 år gammel, havde han allerede stillingen som hofkammermusiker.

Spohrs musikalske talent tiltrak hertugens opmærksomhed, og han foreslog, at violinisten fortsatte sin uddannelse. Vyboo faldt på to lærere – Viotti og den berømte violinist Friedrich Eck. En anmodning blev sendt til begge, og begge afviste. Viotti henviste til, at han havde trukket sig tilbage fra musikalsk aktivitet og var engageret i vinhandelen; Eck pegede på den kontinuerlige koncertvirksomhed som en hindring for systematiske undersøgelser. Men i stedet for sig selv foreslog Eck sin bror Franz, også en koncertvirtuos. Spohr arbejdede med ham i to år (1802-1804).

Sammen med sin lærer rejste Spohr til Rusland. Dengang kørte de langsomt, med lange stop, som de brugte til undervisningen. Spur fik en streng og krævende lærer, som begyndte med at ændre højre hånds position fuldstændig. "I morges," skriver Spohr i sin dagbog, "den 30. april (1802—LR) begyndte hr. Eck at studere med mig. Men ak, hvor mange ydmygelser! Jeg, der troede mig selv som en af ​​de første virtuoser i Tyskland, kunne ikke spille ham en eneste takt, der ville vække hans bifald. Tværtimod var jeg nødt til at gentage hver takt mindst ti gange for endelig at tilfredsstille ham på nogen måde. Han kunne især ikke lide min bue, hvis omlægning jeg nu selv anser for nødvendig. Selvfølgelig vil det i starten være svært for mig, men jeg håber at kunne klare dette, da jeg er overbevist om, at omarbejdet vil give mig stor fordel.

Man mente, at spillets teknik kan udvikles gennem intensive timers træning. Spohr trænede 10 timer om dagen. "Så det lykkedes mig på kort tid at opnå en sådan dygtighed og selvtillid i teknikken, at der for mig ikke var noget svært i den dengang kendte koncertmusik." Senere blev Spohr lærer og lagde stor vægt på elevernes sundhed og udholdenhed.

I Rusland blev Eck alvorligt syg, og Spohr, tvunget til at stoppe sine lektioner, vendte tilbage til Tyskland. Studieårene er forbi. I 1805 slog Spohr sig ned i Gotha, hvor han blev tilbudt en stilling som koncertmester for et operaorkester. Han giftede sig snart med Dorothy Scheidler, en teatersangerinde og datter af en musiker, der arbejdede i et gotisk orkester. Hans kone ejede harpen fremragende og blev betragtet som den bedste harpespiller i Tyskland. Ægteskabet viste sig at være meget lykkeligt.

I 1812 optrådte Spohr i Wien med fænomenal succes og blev tilbudt stillingen som kapelmester ved Theater An der Wien. I Wien skrev Spohr en af ​​sine mest berømte operaer, Faust. Det blev første gang opført i Frankfurt i 1818. Spohr boede i Wien indtil 1816, og flyttede derefter til Frankfurt, hvor han arbejdede som kapelmester i to år (1816-1817). Han tilbragte 1821 i Dresden, og fra 1822 slog han sig ned i Kassel, hvor han havde posten som generaldirektør for musikken.

I løbet af sit liv foretog Spohr en række lange koncertturnéer. Østrig (1813), Italien (1816-1817), London, Paris (1820), Holland (1835), igen London, Paris, kun som dirigent (1843) – her er en liste over hans koncertrejser – dette er derudover at turnere i Tyskland.

I 1847 blev der holdt en gallaaften tilegnet 25 års jubilæet for hans virke i Kassel Orkester; i 1852 gik han på pension og helligede sig helt pædagogikken. I 1857 skete der en ulykke for ham: han brækkede armen; dette tvang ham til at stoppe undervisningsaktiviteterne. Den sorg, der ramte ham, brød Spohrs vilje og helbred, som var uendeligt hengiven til sin kunst, og tilsyneladende fremskyndede hans død. Han døde den 22. oktober 1859.

Spohr var en stolt mand; han var især ked af det, hvis hans værdighed som kunstner blev krænket på en eller anden måde. Engang blev han inviteret til en koncert ved hoffet til kongen af ​​Württemberg. Sådanne koncerter fandt ofte sted under kortspil eller hoffester. "Whist" og "I go with trumf cards", klapren fra knive og gafler fungerede som en slags "akkompagnement" til en eller anden stor musikers spil. Musik blev betragtet som et behageligt tidsfordriv, der hjalp de adeliges fordøjelse. Spohr nægtede kategorisk at spille, medmindre det rigtige miljø blev skabt.

Spohr kunne ikke fordrage adelens nedladende og nedladende holdning til kunstfolk. Han fortæller bittert i sin selvbiografi, hvor ofte selv førsteklasses kunstnere måtte opleve en følelse af ydmygelse, når de taler til den "aristokratiske pøbel." Han var en stor patriot og ønskede lidenskabeligt sit hjemlands velstand. I 1848, på højden af ​​de revolutionære begivenheder, skabte han en sekstet med en dedikation: "skrevet … for at genoprette Tysklands enhed og frihed."

Spohrs udtalelser vidner om hans tilslutning til principper, men også om æstetiske idealers subjektivitet. Da han er modstander af virtuositet, accepterer han ikke Paganini og hans tendenser, men han hylder den store genuesers violinkunst. I sin selvbiografi skriver han: ”Jeg lyttede med stor interesse til Paganini i to koncerter givet af ham i Kassel. Hans venstre hånd og G-streng er bemærkelsesværdige. Men hans kompositioner, såvel som stilen i deres opførelse, er en mærkelig blanding af genialitet med barnligt naivt, smagløst, hvorfor de både fanger og frastøder.

Da Ole Buhl, "den skandinaviske Paganini", kom til Spohr, accepterede han ham ikke som elev, fordi han mente, at han ikke kunne indgyde ham sin skole, så fremmed for hans talents virtuose karakter. Og i 1838, efter at have lyttet til Ole Buhl i Kassel, skriver han: "Hans akkordspil og hans venstre hånds selvtillid er bemærkelsesværdig, men han ofrer ligesom Paganini for sin kunstshtuks skyld for mange andre ting, der er iboende. i et ædelt instrument.”

Spohrs yndlingskomponist var Mozart ("Jeg skriver lidt om Mozart, fordi Mozart er alt for mig"). For Beethovens arbejde var han næsten begejstret, med undtagelse af værkerne fra den sidste periode, som han ikke forstod og ikke genkendte.

Som violinist var Spohr vidunderlig. Schleterer tegner følgende billede af sin optræden: "En imponerende skikkelse træder ind på scenen, med hoved og skuldre over dem omkring ham. Violin under musen. Han nærmer sig sin konsol. Spohr spillede aldrig udenad og ville ikke skabe en antydning af slavisk udenadslære af et stykke musik, som han anså for uforeneligt med titlen på en kunstner. Da han trådte ind på scenen, bøjede han sig for publikum uden stolthed, men med en følelse af værdighed og roligt blå øjne kiggede han rundt i den forsamlede skare. Han holdt violinen helt frit, næsten uden tilbøjelighed, hvorfor hans højre hånd blev løftet relativt højt. Ved første lyd erobrede han alle lyttere. Det lille instrument i hans hænder var som et legetøj i hænderne på en kæmpe. Det er svært at beskrive med hvilken frihed, elegance og dygtighed han ejede den. Roligt, som støbt ud af stål, stod han på scenen. Blødheden og ynden af ​​hans bevægelser var uforlignelig. Spur havde en stor hånd, men den kombinerede fleksibilitet, elasticitet og styrke. Fingrene kunne synke på strengene med stålets hårdhed og var samtidig, når det var nødvendigt, så mobile, at der i de letteste gange ikke gik en eneste triller tabt. Der var intet slag, som han ikke mestrede med samme perfektion – hans brede staccato var enestående; endnu mere iøjnefaldende var lyden af ​​stor kraft i fortet, blød og blid i sang. Efter at have afsluttet spillet, bukkede Spohr roligt og med et smil på læben forlod han scenen under en storm af uophørlige entusiastiske klapsalver. Hovedkvaliteten af ​​Spohrs spil var en tankevækkende og perfekt transmission i alle detaljer, blottet for letsindigheder og triviel virtuositet. Adel og kunstnerisk fuldstændighed prægede hans udførelse; han søgte altid at formidle de mentale tilstande, der er født i det reneste menneskelige bryst.

Beskrivelsen af ​​Schleterer er bekræftet af andre anmeldelser. Spohrs elev A. Malibran, der skrev en biografi om sin lærer, nævner Spohrs storslåede anslag, klarhed i fingerteknik, den fineste lydpalet og understreger ligesom Schleterer det ædle og enkle i hans spil. Spohr tolererede ikke "indgange", glissando, koloratur, undgik at hoppe, springe slag. Hans præstation var virkelig akademisk i ordets højeste betydning.

Han spillede aldrig udenad. Så var det ingen undtagelse fra reglen; mange kunstnere optrådte til koncerter med noder på konsollen foran sig. Men med Spohr var denne regel forårsaget af visse æstetiske principper. Han tvang også sine elever til kun at spille fra noder, idet han hævdede, at en violinist, der spiller udenad, minder ham om en papegøje, der svarer på en lært lektie.

Man ved meget lidt om Spohrs repertoire. I de første år fremførte han foruden sine værker koncerter af Kreutzer, Rode, senere begrænsede han sig hovedsageligt til sine egne kompositioner.

I begyndelsen af ​​det XNUMX. århundrede holdt de mest fremtrædende violinister violinen på forskellige måder. For eksempel pressede Ignaz Frenzel violinen til sin skulder med hagen til venstre for halestykket, og Viotti til højre, altså som det er skik nu; Spohr hvilede sin hage på selve broen.

Navnet Spohr er forbundet med nogle innovationer inden for violinspil og dirigering. Så han er opfinderen af ​​hagestøtten. Endnu mere betydningsfuld er hans innovation i dirigentkunsten. Han er krediteret for brugen af ​​tryllestaven. I hvert fald var han en af ​​de første dirigenter, der brugte en stafet. I 1810 dirigerede han på Frankenhausen Musikfestival en pind rullet ud af papir, og denne hidtil ukendte måde at lede orkestret på, kastede alle i forbløffelse. Musikerne fra Frankfurt i 1817 og London i 1820'erne mødte den nye stil med ikke mindre forvirring, men meget snart begyndte de at forstå dens fordele.

Spohr var en lærer med europæisk ry. Studerende kom til ham fra hele verden. Han dannede en slags hjemmeudestue. Selv fra Rusland blev der sendt en livegen ved navn Encke til ham. Spohr har uddannet mere end 140 store violinsolister og koncertmestre for orkestre.

Spohrs pædagogik var meget ejendommelig. Han var ekstremt elsket af sine elever. Strenge og krævende i klasseværelset blev han omgængelig og kærlig uden for klasseværelset. Fælles gåture rundt i byen, landture, picnic var almindeligt. Spohr gik, omgivet af en mængde af sine kæledyr, gik ind til sport med dem, lærte dem at svømme, holdt sig simpel, selvom han aldrig gik over grænsen, når intimitet bliver til fortrolighed, hvilket reducerer lærerens autoritet i øjnene af læreren. studerende.

Han udviklede hos eleven en usædvanlig ansvarlig holdning til lektionerne. Jeg arbejdede med en nybegynder hver anden dag, og gik derefter videre til 2 lektioner om ugen. Ved den sidste normering forblev eleven indtil slutningen af ​​timerne. Obligatorisk for alle elever var at spille i ensemble og orkester. "En violinist, der ikke har modtaget orkestrale færdigheder, er som en trænet kanariefugl, der skriger til en hæshed af en lært ting," skrev Spohr. Han ledede personligt spillet i orkestret, og øvede orkestrale færdigheder, slag og teknikker.

Schleterer efterlod en beskrivelse af Spohrs lektion. Han sad som regel midt i lokalet i en lænestol, så han kunne se eleven, og altid med en violin i hænderne. I timerne spillede han ofte sammen med andenstemmen, eller hvis eleven ikke lykkedes et sted, viste han på instrumentet, hvordan den skulle udføres. Eleverne hævdede, at det var en sand fornøjelse at spille med Spurs.

Spohr var især kræsen med hensyn til intonation. Ikke en eneste tvivlsom tone undslap hans følsomme øre. Da jeg hørte det, lige der, ved lektionen, opnåede man roligt, metodisk krystalklarhed.

Spohr fikserede sine pædagogiske principper i "Skolen". Det var en praktisk studievejledning, der ikke forfulgte målet om progressiv akkumulering af færdigheder; det indeholdt æstetiske synspunkter, dets forfatters synspunkter om violinpædagogik, så du kunne se, at dets forfatter var i den kunstneriske uddannelse af den studerende. Han fik gentagne gange skylden for, at han "ikke kunne" adskille "teknik" fra "musik" i sin "skole". Faktisk gjorde og kunne Spurs ikke stille en sådan opgave. Spohrs nutidige violinteknik er endnu ikke nået til det punkt, hvor kunstneriske principper kombineres med tekniske. Syntesen af ​​kunstneriske og tekniske øjeblikke virkede unaturlig for repræsentanterne for normativ pædagogik i det XNUMX. århundrede, som gik ind for abstrakt teknisk træning.

Spohrs "skole" er allerede forældet, men historisk set var den en milepæl, da den skitserede vejen til den kunstneriske pædagogik, som i det XNUMX. århundrede fandt sit højeste udtryk i Joachim og Auers arbejde.

L. Raaben