Lektion 4

Et af de mest komplekse begreber i musikteori er musikalsk polyfoni. Dette er dog også en af ​​de vigtigste kategorier, uden hvilken det er umuligt at forstå orkestermusik, eller at synge en smuk duet af en kompleks melodi med fuldgyldig musikalsk akkompagnement, eller endda at optage og mixe et simpelt nummer, hvor , foruden stemme, guitar, bas og trommer lyd.

Så lad os komme i gang.

Handlingsplanen er klar, så lad os gå i gang!

Begrebet polyfoni

Udtrykket "polyfoni" stammer fra det latinske polyfoni, hvor poly betyder "mange" og phonia oversættes som "lyd". Polyfoni betyder princippet om at tilføje lyde (stemmer og melodier) på basis af funktionel lighed.

Dette er den såkaldte polyfoni, altså samtidig lyd af to eller flere melodier og/eller stemmer. Polyfoni indebærer den harmoniske sammensmeltning af flere uafhængige stemmer og/eller melodier til et enkelt musikstykke.

Derudover undervises i disciplinen af ​​samme navn "Polyfoni" på musikalske uddannelsesinstitutioner på fakulteterne og institutterne for komponistkunst og musikvidenskab.

Det udenlandske udtryk polyfoni på russisk har ikke undergået væsentlige transformationer, bortset fra at skrive på kyrillisk i stedet for latin. Og, ser det ud til, adlyder reglen "som det høres, sådan er det skrevet." Nuancen er, at dette udtryk høres forskelligt af alle, og belastningerne er også placeret forskelligt.

Så i "Dictionary of the Church Slavonic and Russian Language", udgivet af Imperial Academy of Sciences i 1847, er det foreskrevet at understrege det andet "o" i ordet "polyfoni" og det andet "og" i ordet "polyfonisk" [Ordbog, V.3, 1847]. Sådan ser det ud side i denne udgave:

Siden midten af ​​det 20. århundrede og frem til i dag eksisterer to varianter af stress fredeligt på det russiske sprog: på det sidste "o" og på det andet bogstav "i". Så i "Great Soviet Encyclopedia" foreslås det at lægge vægt på det sidste "o" [V. Fraenov, 2004]. Her skærmbillede af TSB-siden:

I den forklarende ordbog, redigeret af lingvist Sergei Kuznetsov, i ordet "polyfoni" er det andet bogstav "i" undertonet [S. Kuznetsov, 2000]. I ordet "polyfonisk" er vægten lagt på bogstavet "og", som i tidligere udgaver:

Bemærk, at Google Translate understøtter sidstnævnte mulighed, og hvis du indtaster ordet "polyfoni" i oversættelseskolonnen og klikker på højttalerikonet, vil du tydeligt høre accenten på det sidste bogstav "og". højttalerikon cirklet med rødt på billedet:

Nu hvor vi generelt har forstået, hvad polyfoni er, og hvordan man udtaler dette ord korrekt, kan vi dykke ned i emnet.

Polyfoniens oprindelse og udvikling

Polyfoni er et ret komplekst fænomen i musik, og det har sine egne karakteristika i forskellige kulturer. Så i landene i Østen havde polyfoni oprindeligt et overvejende instrumentelt grundlag. Med andre ord var flerstrengede musikinstrumenter, strygerensembler, strygerakkompagnement af sang udbredt der. I vestlige lande var polyfoni oftere vokal. Det var korsang, inklusive acapella (uden musikakkompagnement).

Udviklingen af ​​polyfoni i den indledende fase kaldes sædvanligvis begrebet “heterofoni”, altså dissonans. Så tilbage i det 7. århundrede blev praksis med at tilføje en, to eller flere stemmer over koralens klang vedtaget, altså liturgisk sang.

I middelalderens og renæssancens æra blev motet udbredt - mangestemmig vokal. Det var ikke en koral plus en overbygning af stemmer i sin reneste form. Dette var allerede et mere komplekst vokalværk, selvom koralens elementer er meget mærkbare i det. Generelt er motetten blevet en hybrid musikalsk form, der har absorberet traditionerne for kirkelig og verdslig sang.

Kirkesangen skred også teknisk frem. Så i middelalderen blev den såkaldte katolske messe udbredt. Det var baseret på vekslen mellem solo- og korstemmer. Generelt brugte masser og motetter fra det 15.-16. århundrede hele arsenalet af polyfoni ret aktivt. Stemningen blev skabt ved at øge og mindske tætheden af ​​lyd, forskellige kombinationer af høje og lave stemmer, den gradvise inklusion af individuelle stemmer eller grupper af stemmer.

En udelukkende sekulær sangtradition udviklede sig også. Så i det 16. århundrede vinder et sådant sangformat som en mandrigal popularitet. Dette er et to- eller trestemmigt værk, som regel af et kærlighedslyrisk indhold. Begyndelsen til denne sangkultur dukkede op allerede i 14-tallet, men den fik ikke den store udvikling. Madrigaler fra det 16.-17. århundrede er karakteriseret ved en række forskellige rytmer, frihed til at lede stemme, brugen af ​​modulering (overgang til en anden toneart i slutningen af ​​værket).

Udtrykket "richecar" kommer fra det franske rechercher, som betyder "søgning" (kan du huske den berømte Cherchez la femme?) og kan i forhold til musik fortolkes på forskellige måder. I første omgang betød udtrykket søgen efter intonation, senere – søgen og udvikling af motiver. De mest berømte former for richecar er et stykke for clavier, et stykke for et instrumentalt eller vokal-instrumentalt ensemble.

Den ældste rigkevogn blev fundet i en samling skuespil udgivet i 1540 i Venedig. Yderligere 4 stykker til klaveret blev fundet i samlingen af ​​værker af komponisten Girolamo Cavazzoni, udgivet i 1543. Den mest kendte er den 6-stemmige rigbil fra Bachs Musikalske Offer, skrevet af det store geni allerede i det 18. århundrede.

Det skal bemærkes, at vokalpolyfoniens stilarter og melodi allerede i disse år var tæt forbundet med teksten. Så for lyriske tekster er chants karakteristiske, og for korte sætninger - recitation. I princippet kan udviklingen af ​​polyfoni-traditioner reduceres til to polyfoniske tendenser.

Polyfoniske tendenser i middelalderen:

Du lærte om bånd i den forrige lektion, så nu forstår du, hvad der er på spil. Dette er den mest generelle information om udviklingen af ​​traditionerne for polyfoni. Flere detaljer om historien om dannelsen af ​​polyfoni i forskellige kulturer og polyfoniske tendenser kan findes i den særlige pædagogiske litteratur om kurset "Polyfoni" [T. Muller, 1989]. Der kan du også finde noder til middelalderlige musikstykker og, hvis du er interesseret, lære et par vokal- og instrumentalpartier. Hvis du i øvrigt ikke kan synge endnu, men gerne vil lære, kan du tage de første skridt mod vokal beherskelse ved at studere vores kursus “Stemme- og taleudvikling”.

Nu er det tid til at gå videre til polyfoniens teknikker for at forstå mere klart, hvordan polyfoni formes til en enkelt melodi.

Polyfoniske teknikker

I ethvert polyfoni-kursus kan du finde et sådant udtryk som kontrapunkt. Det kommer fra den latinske sætning punctum contra punctum, som betyder "punkt mod punkt". Eller i forhold til musik "node mod tone", "melodi mod melodi".

Det ændrer ikke ved, at begrebet "kontrapunkt" har flere forskellige betydninger. Og lad os nu se på nogle få grundlæggende teknikker til polyfoni.

efterligning

Efterligning er, når en anden (imiterende) stemme slutter sig til den indledende monofoniske lyd efter nogen tid, som gentager den tidligere lydte passage på samme eller en anden tone. Skematisk ser det ud på følgende måde:

Lad os præcisere, at udtrykket "modsat" brugt i diagrammet er en stemme, der ledsager en anden stemme i en polyfonisk melodi. Harmonisk konsonans opnås ved hjælp af forskellige teknikker: ekstra rytme, ændring af melodisk mønster osv.

Kanonisk efterligning

Kanonisk er det også kontinuerlig efterligning – en mere kompleks teknik, hvor ikke kun den tidligere klingede passage gentages, men også modadditionen. Det er sådan det er ligner et skema:

Udtrykket "links", som du ser på diagrammet, refererer blot til de gentagne dele af den kanoniske efterligning. I illustrationen ovenfor ser vi 3 elementer af den indledende stemme, som gentages af den imiterende stemme. Så der er 3 links.

Endelig og uendelig kanon

Den endelige kanon og den uendelige kanon er varianter af kanonisk efterligning. Den uendelige kanon involverer returnering af det originale materiale på et tidspunkt. Den endelige kanon giver ikke mulighed for sådanne returneringer. Figuren ovenfor viser en variant af den endelige kanon. Og lad os nu se hvordan ser uendelig kanon ud, og forstå forskellen:

Lad os præcisere, at den uendelige kanon af 1. kategori betyder en efterligning med 2 led, og den uendelige kanon af 2. kategori er en efterligning med antallet af links fra 3 eller flere.

Simpel sekvens

En simpel sekvens er bevægelsen af ​​et polyfonisk element til en anden tonehøjde, mens forholdet (intervallet) mellem elementets komponenter ændres ikke:

Så i diagrammet betegner bogstavet "A" traditionelt den indledende stemme, bogstavet "B" angiver den imiterende stemme, og tallene 1 og 2 angiver den første og anden forskydning af det polyfoniske element.

Kompleks kontrapunkt

Kompleks kontrapunkt er en polyfonisk teknik, der kombinerer mange polyfoniske teknikker, der giver dig mulighed for at generere nye melodier fra den originale polyfoni ved enten at ændre forholdet mellem stemmer eller foretage ændringer i melodierne, der udgør den originale polyfoni.

Varianter af komplekse kontrapunkt:

Afhængigt af melodistemmernes permutationsretning skelnes der lodrette, vandrette og dobbelte (samtidigt lodrette og vandrette) bevægelige modpunkter.

Faktisk kaldes svært kontrapunkt kun "kompleks". Hvis du gennemarbejder materialet i den næste øretræningslektion godt, vil du nemt genkende denne polyfoniske teknik på gehør.

Dette er blot nogle af de enkleste polyfoniske teknikker for en begyndermusiker at forstå. Du kan lære mere om disse og andre polyfoniske teknikker fra lærebogen af ​​musikolog, medlem af Union of Composers of Russia, tilsvarende medlem af Petrovsky Academy of Sciences and Arts Valentina Osipova “Polyphony. Polyfoniske teknikker" [V. Osipova, 2006].

Efter at vi har studeret nogle af polyfoniteknikkerne, vil det være lettere for os at forstå klassificeringen af ​​typer af polyfoni.

Typer af polyfoni

Der er 4 hovedtyper af polyfoni. Hver af typerne er hovedsageligt baseret på en bestemt type polyfoniske teknikker. Navnene på typerne af polyfoni taler i de fleste tilfælde for sig selv.

Hvilke typer polyfoni er der?

Du kan læse mere om hver type polyfoni i bogen “Polyfoni. Polyfoniske teknikker" [V. Osipova, 2006], så vi overlader det til dit skøn. Vi er kommet tæt på et så vigtigt emne for enhver musiker og komponist som at blande musik.

Grundlæggende musikblanding

Begrebet "polyfoni" er direkte relateret til at blande musik og få et færdigt lydspor. Tidligere lærte vi, at polyfoni betyder princippet om at tilføje lyde (stemmer og melodier) på basis af funktionel lighed. Dette er den såkaldte polyfoni, altså samtidig lyd af to eller flere melodier og/eller stemmer. Polyfoni indebærer den harmoniske sammensmeltning af flere uafhængige stemmer og/eller melodier til et enkelt musikstykke.

Strengt taget er det at blande musik den samme polyfoni, kun på en computer og ikke på en musikalsk stav. Blanding involverer også interaktionen af ​​mindst to musikalske linjer - vokal og "backing track" eller akkompagnement af et musikinstrument. Hvis der er mange instrumenter, bliver blanding til en organisering af samspillet mellem mange melodiske linjer, som hver især kan være kontinuerlige gennem hele værket eller optræde og forsvinde med jævne mellemrum.

Hvis du går lidt tilbage og ser igen på den skematiske repræsentation af polyfoniske teknikker, vil du se meget til fælles med grænsefladen på de fleste computerprogrammer, der er designet til at arbejde med lyd. Ligesom de fleste polyfoniske teknikker er afbildet i henhold til skemaet "én stemme - ét spor", har lydbehandlingsprogrammer et separat spor for hver melodisk linje. Sådan kan den enkleste version af at blande to numre se ud i SoundForge:

Derfor, hvis du skal blande for eksempel stemme, elguitar, basguitar, synthesizer og trommer, vil der være 5 numre. Og hvis du skal lave en orkesteroptagelse i studiet, vil der allerede være flere dusin numre, et til hvert instrument.

Processen med at blande musik er ikke kun at følge den musikalske notation og den nøjagtige placering af begyndelsen og slutningen af ​​musikalske linjer i forhold til hinanden. Selvom dette ikke er let, hvis der er mange sekstende, toogtredive og fireogtres toner i optagelsen, som er sværere at ramme end heltal.

Selvfølgelig skal lydproducenten høre og neutralisere indeslutningerne af fremmede lyde, der kan opstå, selv når der optages i et godt studie, for ikke at nævne optagelser lavet derhjemme eller omvendt under koncerter. Selvom en live-optagelse også kan være af meget høj kvalitet.

Et eksempel er livealbummet HAARP af det britiske rockband Muse. Optagelsen blev lavet på Wembley Stadium. Derefter, med en forskel på 1 dag, fandt 2 koncerter af gruppen sted: den 16. og 17. juni. Interessant nok tog de optagelsen af ​​16. juni til lydversionen på CD, og ​​til videoversionen på DVD brugte de koncertoptagelse, afholdt den 17. juni 2007:

Under alle omstændigheder vil en lydtekniker eller lydproducent skulle arbejde hårdt for at gøre selv en velindspillet kompleks polyfoni til et fuldgyldigt færdigt værk. Dette er virkelig en kreativ proces, hvor du skal tage højde for en masse nuancer. Men som vi gentagne gange har set, er musik beskrevet af ganske specifikke tællelige kategorier – hertz, decibel osv. Og der er også kriterier for højkvalitets blanding af et nummer, og der bruges både objektive tekniske og subjektive kunstneriske begreber.

Kriterier for kvalitetslydoptagelse

Disse kriterier blev udviklet af Den Internationale Organisation for Television og Radio Broadcasting (OIRT), som eksisterede i anden halvdel af det 20. århundrede, og de er kendt som OIRT-protokollen, og bestemmelserne i protokollen tager stadig mange strukturer som grundlag. til vurdering af kvaliteten af ​​lydoptagelser. Lad os kort overveje, hvilke kriterier en optagelse af høj kvalitet skal opfylde i henhold til denne protokol.

Oversigt over bestemmelserne i OIRT-protokollen:

Overholdelse af protokollens kriterier vurderes på en 5-trins skala. OIRT-protokollen følges tættest i evalueringen af ​​klassisk, folkemusik og jazzmusik. For elektronisk, pop- og rockmusik er der ingen enkelt protokol til vurdering af lydkvalitet, og bestemmelserne i OIRT-protokollen er mere vejledende. På den ene eller den anden måde er der behov for visse tekniske betingelser for at lave en optagelse af høj kvalitet. Lad os tale om dem mere detaljeret.

Teknisk support

Ovenfor er vi allerede begyndt at tale om, at for et slutresultat af høj kvalitet er kildemateriale af høj kvalitet vigtigt. Så til højkvalitetsoptagelse af jazz, klassisk og folkemusik bruges der ofte optagelse på et stereopar mikrofoner, som efterfølgende ikke kræver blanding. Faktisk bruges analoge, digitale eller virtuelle mixerkonsoller (de er også mixere) til at mixe. Sequencere bruges til virtuel blanding af spor.

Tekniske krav til en computer er normalt foreskrevet af producenterne af computerprogrammer til arbejde med lyd. Derfor kan du kontrollere din enhed for overensstemmelse med kravene, når du beslutter dig for valg af software. Til dato er der flere populære programmer til lydbehandling og lydmix.

Sound Forge

For det første er det allerede nævnt ovenfor Sound Forge. Det er praktisk, fordi det har et sæt grundlæggende lydbehandlingsfunktioner, og du kan finde en gratis russisksproget version [MoiProgrammy.net, 2020]:

Hvis du har brug for at forstå den engelske version, er der en detaljeret beskrivelse [B. Kairov, 2018].

Audacity

For det andet et andet praktisk og ukompliceret russisksproget program Audacity [Audacity, 2020]:

Ud over den gratis version kan du finde en meget fornuftig manual til den [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumaniser 2

For det tredje er det elsket af udviklerne af computerspil og ekstrem vokal. Dehumaniser 2. Grænsefladen er på engelsk og er mærkbart mere kompliceret, men du kan finde ud af det:

Og det bliver ikke kun mix, men også muligheder for lyddesign [Krotos, 2020].

Cubase Elementer

For det fjerde er det værd at være opmærksom på programmet Cubase Elementer [Cubase Elements, 2020]. Der er der, ud over standardsættet af funktioner, også et akkordpanel, der giver dig mulighed for at oprette et spor "fra bunden" eller "bringe tankerne om" en tidligere lavet optagelse ved at anvende tidligere lærte polyfoniske teknikker i praksis:

Inden du starter, skal du studere oversigten over funktionerne i programmet [A. Olenchikov, 2017].

Effectrix

Og endelig er dette effektsequenceren Effectrix. For at arbejde med det har du brug for noget erfaring, men det er værd at notere dette program nu, for med regelmæssig praksis vil erfaringen komme meget snart [Sugar Bytes, 2020]:

Du kan lære mere fra artiklen "Programmer til at blande musik og stemme", hvor et dusin programmer overvejes, inklusive dem til professionelle musikere og DJs [V. Kairov, 2020]. Og lad os nu tale om forberedelse til blandingen af ​​sporet.

Blandingsforberedelse og blandingsproces

Jo bedre forberedt du er, jo hurtigere og bedre bliver blandingen. Det handler ikke kun om teknisk support, en behagelig arbejdsplads og belysning af høj kvalitet. Det er vigtigt at tage højde for flere organisatoriske spørgsmål såvel som funktionerne i hjernehalvdelens arbejde. Vær generelt opmærksom på...

Sådan forbereder du dig til blandingsprocessen:

Start blandingsprocessen med trommer, fordi de optager en betydelig del af frekvensområdet fra lave (bastromme) til høje frekvenser (cymbaler). Først derefter gå videre til andre instrumenter og vokaler. Efter at have blandet hovedinstrumenterne, tilføj, hvis det er planlagt, specialeffekter (ekko, forvrængning, modulering, komprimering osv.).

Dernæst skal du danne et stereobillede, altså arrangere alle lyde i stereofeltet. Juster derefter arrangementet, hvis det er nødvendigt, og begynd at arbejde på lydens dybde. For at gøre dette skal du tilføje forsinkelser og rumklang til lydene, men ikke for meget, ellers vil det "trykke på ørerne" på lytterne.

Når du er færdig, skal du kontrollere lydstyrken, EQ, effektindstillingerne igen og justere om nødvendigt. Test det færdige nummer i studiet og derefter på forskellige enheder: kør lydfilen på din smartphone, tablet, lyt til den i din bil. Hvis lyden overalt opfattes normalt, så er alt gjort korrekt!

Hvis du støder på mange ukendte ord, så læs bogen "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Bliv ikke flov over, at der tages højde for meget i eksemplet med gamle versioner af computerprogrammer. Fysikkens love har ikke ændret sig siden da. Dem, der allerede har forsøgt sig med at arbejde med lydmix-programmer, kan anbefales at læse om “Fejl ved blanding af musik”, som samtidig giver anbefalinger til, hvordan man undgår dem [I. Evsyukov, 2018].

Hvis du har lettere ved at opfatte en levende forklaring, kan du se træningsvideo om dette emne:

Under blandingsprocessen anbefales det at holde korte pauser hvert 45. minut. Dette er nyttigt ikke kun for dit helbred, men også for at genoprette objektiviteten af ​​auditiv perception. Musikalsk øre er meget vigtigt for blanding af høj kvalitet. Hele vores næste lektion er afsat til udvikling af øre til musik, men indtil videre tilbyder vi dig at bestå en test for at mestre materialet i denne lektion.

Lektionsforståelse test

Hvis du vil teste din viden om emnet for denne lektion, kan du tage en kort test bestående af flere spørgsmål. Kun 1 mulighed kan være korrekt for hvert spørgsmål. Når du har valgt en af ​​mulighederne, går systemet automatisk videre til det næste spørgsmål. De point, du får, er påvirket af rigtigheden af ​​dine svar og den tid, du bruger på at bestå. Bemærk venligst, at spørgsmålene er forskellige hver gang, og mulighederne blandes.

Og nu vender vi os til udviklingen af ​​musikalsk øre.