Dmitry Dmitrievich Shostakovich |

Dmitri Sjostakovitj

D. Shostakovich er en klassiker af musik fra det XNUMX. århundrede. Ingen af ​​dens store mestre var så tæt forbundet med sit fødelands vanskelige skæbne, kunne ikke udtrykke sin tids skrigende modsigelser med sådan kraft og lidenskab, vurdere det med en hård moralsk dømmekraft. Det er i komponistens medvirken til sit folks smerte og problemer, at hovedbetydningen af ​​hans bidrag til musikkens historie i århundredet med verdenskrige og storslåede sociale omvæltninger ligger, som menneskeheden ikke havde kendt før.

Shostakovich er af natur en kunstner med universelt talent. Der er ikke en eneste genre, hvor han ikke sagde sit vægtige ord. Han kom i tæt kontakt med den slags musik, der nogle gange blev arrogant behandlet af seriøse musikere. Han er forfatter til en række sange, der er samlet op af masserne af mennesker, og den dag i dag hans geniale bearbejdninger af populær- og jazzmusik, som han var særligt glad for på tidspunktet for stilens dannelse – i det 20. 30'erne, glæde. Men hovedanvendelsen af ​​kreative kræfter for ham var symfonien. Ikke fordi andre genrer af seriøs musik var helt fremmede for ham - han var udstyret med et uovertruffent talent som en virkelig teatralsk komponist, og arbejdet med kinematografi gav ham det vigtigste livsgrundlag. Men den uhøflige og uretfærdige skældud, der blev påført i 1936 i avisen Pravdas lederartikel under overskriften "Muddle i stedet for musik", afholdt ham fra at engagere sig i operagenren i lang tid - de forsøg, der blev gjort (operaen "Players" af N. Gogol) forblev ufærdige, og planerne gik ikke over i implementeringsfasen.

Måske var det netop det, Sjostakovitjs personlighedstræk havde en effekt på – i sagens natur var han ikke tilbøjelig til åbne former for protester, han gav let efter for stædige ikke-enheder på grund af sin særlige intelligens, delikatesse og forsvarsløshed mod uhøflig vilkårlighed. Men dette var kun i livet – i sin kunst var han tro mod sine kreative principper og hævdede dem i den genre, hvor han følte sig fuldstændig fri. Derfor blev den konceptuelle symfoni i centrum for Sjostakovitjs søgen, hvor han åbent kunne sige sandheden om sin tid uden at gå på kompromis. Han nægtede dog ikke at deltage i kunstneriske foretagender, der blev født under presset af strenge krav til kunst, stillet af det kommando-administrative system, såsom filmen af ​​M. Chiaureli "The Fall of Berlin", hvor den uhæmmede lovprisning af storheden og visdommen fra "nationernes fader" nåede den yderste grænse. Men deltagelse i denne form for filmmonumenter, eller andre, nogle gange endda talentfulde værker, der fordrejede den historiske sandhed og skabte en myte, der glædede den politiske ledelse, beskyttede ikke kunstneren mod den brutale repressalier, der blev begået i 1948. Det stalinistiske regimes førende ideolog , A. Zhdanov, gentog de grove angreb indeholdt i en gammel artikel i avisen Pravda og anklagede komponisten, sammen med andre mestre af sovjetisk musik på den tid, for at holde sig til anti-folkelig formalisme.

Efterfølgende, under Khrusjtjovs "optøning", blev sådanne anklager frafaldet, og komponistens fremragende værker, hvis offentlige fremførelse blev forbudt, fandt vej til lytteren. Men dramaet om komponistens personlige skæbne, der overlevede en periode med uretfærdig forfølgelse, efterlod et uudsletteligt aftryk på hans personlighed og bestemte retningen for hans kreative søgen, rettet mod de moralske problemer i menneskets eksistens på jorden. Dette var og forbliver det vigtigste, der adskiller Shostakovich blandt skaberne af musik i det XNUMXth århundrede.

Hans livsvej var ikke rig på begivenheder. Efter at have dimitteret fra Leningrad-konservatoriet med en strålende debut - den storslåede første symfoni, begyndte han livet som professionel komponist, først i byen ved Neva, derefter under den store patriotiske krig i Moskva. Hans aktivitet som lærer på konservatoriet var forholdsvis kort – han forlod den mod sin vilje. Men indtil i dag har hans elever bevaret mindet om den store mester, som spillede en afgørende rolle i dannelsen af ​​deres kreative individualitet. Allerede i den første symfoni (1925) er to egenskaber ved Sjostakovitjs musik tydeligt mærkbare. En af dem blev afspejlet i dannelsen af ​​en ny instrumental stil med dens iboende lethed, lette konkurrence for koncertinstrumenter. En anden manifesterede sig i et vedvarende ønske om at give musikken den højeste meningsfuldhed, at afsløre et dybt begreb om filosofisk betydning ved hjælp af den symfoniske genre.

Mange af komponistens værker, der fulgte efter en så strålende begyndelse, afspejlede tidens rastløse atmosfære, hvor tidens nye stil blev smedet i kampen om modstridende holdninger. Så i Anden og Tredje Symfoni ("Oktober" - 1927, "May Day" - 1929) hyldede Shostakovich den musikalske plakat, de viste tydeligt indflydelsen fra 20'ernes kampsport, propagandakunst. (Det er ikke tilfældigt, at komponisten inkluderede korfragmenter til digte af unge digtere A. Bezymensky og S. Kirsanov i dem). Samtidig udviste de også en levende teatralitet, som så fængslede i produktionerne af E. Vakhtangov og Vs. Meyerhold. Det var deres forestillinger, der påvirkede stilen i Shostakovichs første opera The Nose (1928), baseret på Gogols berømte historie. Herfra kommer ikke kun skarp satire, parodi, der når det groteske i skildringen af ​​individuelle karakterer og de godtroende, hurtigt paniske og hurtige til at dømme mængden, men også den gribende intonation af "latter gennem tårer", som hjælper os med at genkende en person selv i sådan en vulgær og en bevidst ikke-entitet, som Gogols major Kovalev.

Shostakovichs stil absorberede ikke kun påvirkningerne fra oplevelsen af ​​verdensmusikalsk kultur (her var de vigtigste for komponisten M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky og G. Mahler), men absorberede også lydene fra det daværende musikliv – der generelt set tilgængelig kultur af den "lette" genre, der dominerede massernes sind. Komponistens holdning til det er ambivalent – ​​han overdriver nogle gange, parodierer de karakteristiske vendinger i fashionable sange og danse, men forædler dem samtidig, hæver dem til højderne af ægte kunst. Denne holdning var især udtalt i de tidlige balletter The Golden Age (1930) og The Bolt (1931), i den første klaverkoncert (1933), hvor solotrompeten bliver en værdig rival til klaveret sammen med orkestret, og senere i scherzoen og finalen i de sjette symfonier (1939). Strålende virtuositet, uforskammede excentriker kombineres i denne komposition med inderlige tekster, en fantastisk naturlighed i udbredelsen af ​​den "endeløse" melodi i den første del af symfonien.

Og endelig kan man ikke undlade at nævne den anden side af den unge komponists kreative aktivitet – han arbejdede hårdt og hårdt i biografen, først som illustrator til demonstration af stumfilm, siden som en af ​​skaberne af sovjetiske lydfilm. Hans sang fra filmen "Oncoming" (1932) vandt landsdækkende popularitet. Samtidig påvirkede den "unge muses" indflydelse også stilen, sproget og kompositionsprincipperne i hans koncert-filharmoniske kompositioner.

Ønsket om at legemliggøre de mest akutte konflikter i den moderne verden med dens grandiose omvæltninger og voldsomme sammenstød mellem modsatrettede kræfter blev især afspejlet i hovedværkerne af mesteren i perioden af ​​30'erne. Et vigtigt skridt på denne vej var operaen Katerina Izmailova (1932), baseret på handlingen i N. Leskovs historie Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet. I hovedpersonens billede afsløres en kompleks indre kamp i sjælen af ​​en natur, der er hel og rigt begavet på sin egen måde - under åg af "livets bly-vederstyggeligheder", under magten af ​​blind, ufornuft. lidenskab, hun begår alvorlige forbrydelser, efterfulgt af grusom gengældelse.

Imidlertid opnåede komponisten den største succes i den femte symfoni (1937), den mest betydningsfulde og grundlæggende præstation i udviklingen af ​​den sovjetiske symfoni i 30'erne. (en vending til en ny stilkvalitet blev skitseret i den fjerde symfoni skrevet tidligere, men lød ikke - 1936). Styrken ved den femte symfoni ligger i, at dens lyriske helts oplevelser afsløres i den tætteste forbindelse med menneskers og, mere bredt, hele menneskehedens liv på tærsklen til det største chok, som folkene nogensinde har oplevet. verden – Anden Verdenskrig. Dette afgjorde musikkens understregede dramatik, dens iboende forhøjede udtryk – den lyriske helt bliver ikke en passiv betragter i denne symfoni, han bedømmer, hvad der sker, og hvad der skal komme med den højeste moralske domstol. I ligegyldighed over for verdens skæbne påvirkede kunstnerens borgerlige position, den humanistiske orientering af hans musik også. Det kan mærkes i en række andre værker, der tilhører genrerne kammerinstrumental kreativitet, blandt hvilke klaverkvintetten (1940) skiller sig ud.

Under den store patriotiske krig blev Shostakovich en af ​​de forreste rækker af kunstnere - kæmpere mod fascismen. Hans syvende ("Leningrad") symfoni (1941) blev over hele verden opfattet som en levende stemme af et kæmpende folk, der gik ind i en kamp på liv og død i retten til at eksistere, til forsvar for det højeste menneske. værdier. I dette værk, som i den senere ottende symfoni (1943), kom modsætningen mellem de to modsatrettede lejre direkte, umiddelbar til udtryk. Aldrig før i musikkunsten er ondskabens kræfter blevet skildret så levende, aldrig før er den kedelige mekaniskhed af en travlt arbejdende fascistisk "destruktionsmaskine" blevet afsløret med så raseri og lidenskab. Men komponistens ”militære” symfonier (såvel som i en række af hans andre værker, f.eks. i Klavertrioen til minde om I. Sollertinsky – 1944) er lige så levende repræsenteret i komponistens ”krigs”-symfonier, de åndelige skønhed og rigdom i den indre verden af ​​en person, der lider af sin tids problemer.

I efterkrigsårene udfoldede Shostakovichs kreative aktivitet sig med fornyet kraft. Som før blev hovedlinjen i hans kunstneriske søgninger præsenteret i monumentale symfoniske lærreder. Efter den noget lysnede niende (1945), en slags intermezzo, der dog ikke var uden tydelige ekkoer af den nyligt afsluttede krig, skabte komponisten den inspirerede tiende symfoni (1953), som rejste temaet om den tragiske skæbne for kunstner, det høje mål for hans ansvar i den moderne verden. Det nye var dog i høj grad frugten af ​​tidligere generationers indsats - derfor blev komponisten så tiltrukket af begivenhederne i et vendepunkt i russisk historie. Revolutionen i 1905, præget af Bloody Sunday den 9. januar, kommer til live i den monumentale programmatiske ellevte symfoni (1957), og resultaterne af den sejrrige 1917 inspirerede Shostakovich til at skabe den tolvte symfoni (1961).

Refleksioner over historiens betydning, over betydningen af ​​dens heltes gerninger, blev også afspejlet i det enstemmige vokal-symfoniske digt "The Execution of Stepan Razin" (1964), som er baseret på et fragment fra E. Yevtushenkos digt "Bratsk Vandkraftværk". Men begivenhederne i vor tid, forårsaget af drastiske ændringer i folks liv og i deres verdenssyn, annonceret af CPSU's XX kongres, efterlod ikke den store mester i sovjetisk musik ligeglad - deres levende ånde er til at tage og føle på i det trettende Symphony (1962), også skrevet til E. Yevtushenkos ord. I den fjortende symfoni vendte komponisten sig til digte af digtere fra forskellige tider og folk (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – han blev tiltrukket af temaet om menneskelivets forgængelighed og evigheden af skabelser af ægte kunst, før hvilke endda suveræn død. Det samme tema dannede grundlaget for ideen om en vokal-symfonisk cyklus baseret på digte af den store italienske kunstner Michelangelo Buonarroti (1974). Og endelig, i den sidste, femtende symfoni (1971), kommer barndommens billeder til live igen, genskabt foran blikket af en livsklog skaber, som har lært et virkelig umådeligt mål af menneskelig lidelse at kende.

Trods al betydningen af ​​symfonien i Sjostakovitjs efterkrigsværk, udtømmer den langt fra alt det væsentligste, som komponisten skabte i de sidste tredive år af hans liv og kreative vej. Han lagde særlig vægt på koncert- og kammerinstrumentale genrer. Han skabte 2 violinkoncerter (1948 og 1967), to cellokoncerter (1959 og 1966) og den anden klaverkoncert (1957). De bedste værker i denne genre rummer dybe begreber af filosofisk betydning, der kan sammenlignes med dem, der udtrykkes med så imponerende kraft i hans symfonier. Skarpheden af ​​sammenstødet mellem det åndelige og det uåndelige, de højeste impulser af menneskelig genialitet og vulgaritetens aggressive angreb, bevidst primitivitet er til at tage og føle på i den anden cellokoncert, hvor et simpelt "gade"-motiv forvandles til ukendelighed og blotlægger dets umenneskelig essens.

Men både i koncerter og i kammermusik afsløres Shostakovichs virtuositet i at skabe kompositioner, der åbner mulighed for fri konkurrence blandt musikere. Her var hovedgenren, der tiltrak mesterens opmærksomhed, den traditionelle strygekvartet (der er lige så mange skrevet af komponisten som symfonier - 15). Shostakovichs kvartetter forbløffer med en række forskellige løsninger fra flerstemmige cyklusser (Eleventh – 1966) til enkeltsatsede kompositioner (Thirteenth – 1970). I en række af sine kammerværker (i den ottende kvartet – 1960, i Sonaten for bratsch og klaver – 1975) vender komponisten tilbage til musikken fra sine tidligere kompositioner og giver den en ny lyd.

Blandt værkerne af andre genrer kan nævnes den monumentale cyklus af præludier og fugaer for klaver (1951), inspireret af Bach-festlighederne i Leipzig, oratoriet Song of the Forests (1949), hvor for første gang i sovjetisk musik temaet menneskets ansvar for bevarelsen af ​​naturen omkring ham blev rejst. Du kan også nævne ti digte for kor a cappella (1951), vokalcyklussen "Fra jødisk folkepoesi" (1948), cykler om digte af digtere Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

Arbejdet i biografen fortsatte i efterkrigsårene - Shostakovichs musik til filmene "The Gadfly" (baseret på romanen af ​​E. Voynich - 1955), samt til tilpasningerne af Shakespeares tragedier "Hamlet" (1964) og "Kong Lear" (1971) blev bredt kendt. ).

Shostakovich havde en betydelig indflydelse på udviklingen af ​​sovjetisk musik. Det kom ikke så meget til udtryk i den direkte indflydelse af mesterens stil og kunstneriske midler, der er karakteristiske for ham, men i ønsket om højt indhold af musik, dets forbindelse med de grundlæggende problemer i menneskelivet på jorden. Humanistisk i sin essens, virkelig kunstnerisk i form, vandt Shostakovichs værk verdensomspændende anerkendelse, blev et klart udtryk for det nye, som musikken i Sovjetlandet gav verden.

M. Tarakanov