Dmitry Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitri Bashkirov

Mange af de unge musikere, der mødtes i begyndelsen af ​​halvtredserne på Moskvas konservatorium, husker formentlig den første optræden i klasseværelsets korridorer af en mørkfarvet, tynd ung mand med heftige bevægelser og livlige ansigtsudtryk på et bevægeligt, udtryksfuldt ansigt. Hans navn var Dmitry Bashkirov, hans kammerater begyndte snart at kalde ham Delik. Man vidste kun lidt om ham. Det blev sagt, at han dimitterede fra Tbilisi ti-årige musikskole under Anastasia Davidovna Virsaladze. Engang, ved en af ​​eksamenerne, hørte Alexander Borisovich Goldenweiser ham - han hørte, var glad og rådede ham til at afslutte sin uddannelse i hovedstaden.

Goldenweisers nye elev var meget talentfuld; at se på ham – en direkte, sjælden følelsesmæssig person – var det ikke svært at lægge mærke til: så passioneret og uselvisk, med så generøs selvgivenhed, kan kun virkelig begavede naturer reagere på miljøet som ham …

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov blev almindeligt kendt som koncertartist gennem årene. Tilbage i 1955 modtog han Grand Prix ved M. Long – J. Thibault konkurrencen i Paris; dette startede hans scenekarriere. Han har nu hundredvis af forestillinger bag sig, han blev klappet af i Novosibirsk og Las Palmas, Chisinau og Philadelphia, i små Volga-byer og store, verdensberømte koncertsale. Tiden har ændret sig meget i hans liv. Meget mindre i hans karakter. Han er som før impulsiv, som om kviksølv er foranderligt og hurtigt, hvert minut er han klar til at lade sig rive med af noget, til at brænde …

Bashkir-naturens egenskaber, som blev nævnt, er tydeligt synlige i hans kunst. Farverne i denne kunst er ikke falmet og falmet gennem årene, har ikke mistet deres rigdom, intensitet, iris. Pianisten spiller som før, ophidset; ellers, hvordan kunne hun bekymre sig? Måske var der ingen sag for nogen at bebrejde Bashkirov kunstneren for ligegyldighed, åndelig apati, mæthed med kreativ søgning. Til dette er han for rastløs som person og kunstner, konstant brændende med en form for uudslukkelig indre ild. Dette kan være årsagen til nogle af hans scenefejl. Uden tvivl er det til gengæld netop herfra, fra den kreative rastløshed og de fleste af hans præstationer.

På den musikkritiske presses sider bliver Bashkirov ofte kaldt en romantisk pianist. Faktisk repræsenterer han klart moderne romantik. (VV Sofronitsky, der talte med V. Yu. Delson, droppede: "Der er trods alt også moderne romantik, og ikke kun romantik fra det XNUMX. århundrede, er du enig?" (Erindringer om Sofronitsky. S. 199.)). Uanset hvilken komponist Bashkirov fortolker – Bach eller Schumann, Haydn eller Brahms – føler han musikken, som om den blev skabt i dag. For koncertgængere af hans type er forfatteren altid en samtid: hans følelser opleves som hans egne, hans tanker bliver hans egne. Der er ikke noget mere fremmed for disse koncertgængere end stilisering, "repræsentation", en falsk for arkaisk, en demonstration af et museumslevn. Dette er én ting: kunstnerens musikalske sensation vores æra, af vores dage. Der er noget andet, som også giver os mulighed for at tale om Bashkirov som en typisk repræsentant for moderne scenekunst.

Han har præcis, mesterligt udformet pianisme. Man troede førhen, at romantisk musikfremstilling er uhæmmede impulser, spontane følelsesudbrud, en ekstravaganza af farvestrålende, omend noget formløse klangpunkter. Kendere skrev, at romantiske kunstnere drager mod "vagt, iriserende, ulæselig og tåget", at de er "langt fra smykketegning af bagateller" (Martins KA Individuel klaverteknik. – M., 1966. S. 105, 108.). Nu har tiderne ændret sig. Kriterier, vurderinger, smag er blevet ændret. I en tidsalder med ubønhørligt streng grammofonoptagelser, radio- og tv-udsendelser, tilgives lyd-"tåger" og "vaghed" ikke af nogen, til nogen og under nogen omstændigheder. Bashkirov, en romantiker i vore dage, er moderne, blandt andet ved det omhyggelige "lavede" af hans optrædende apparat, den dygtige fejlsøgning af alle dets detaljer og links.

Derfor er hans musik god, der kræver ubetinget fuldstændighed af den ydre dekoration, "smykketegning af bagateller". Listen over hans optrædende succeser åbnes af ting som Debussys præludier, Chopins mazurkaer, "Fleeting" og Prokofjevs fjerde sonate, Schumanns "Farvede blade", Fantasia og fis-mol roman, meget fra Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Der er mange interessante ting, der tiltrækker lyttere i hans klassiske repertoire - Bach (f-mol koncert), Haydn (Es-dur sonate), Mozart (koncerter: niende, fjortende, syttende, fireogtyvende), Beethoven (sonater: " Lunar”, “Pastoral”, Attende, koncerter: Første, Tredje, Femte). Kort sagt, alt, der vinder i Bashkirovs scenetransmission, er, hvor der i forgrunden er et elegant og klart lydmønster, en elegant jagt efter instrumental tekstur.

(Tidligere blev det sagt, at de, der spiller klaver, ligesom malere, bruger forskellige teknikker til at "skrive": nogle kan lide en spidset lydblyant, andre som gouache eller akvarel, og atter andre kan lide tung-pedal oliemaling. Bashkirov er ofte forbundet med en pianist-gravør: tyndt lydmønster på en lys følelsesmæssig baggrund...)

Som mange virkelig begavede mennesker bliver Bashkirov tilfældigvis ændret af kreativ lykke. Han forstår at være selvkritisk: ”Jeg synes, jeg lykkedes med dette stykke,” kan man høre fra ham efter koncerten, ”men det er denne her ikke. Spændingen kom i vejen ... Noget "skiftede sig", viste sig at være ude af "fokus" - ikke som det var tænkt. Det er kendt, at spænding forstyrrer alle - debutanter og mestre, musikere, skuespillere og endda forfattere. "Det minut, hvor jeg selv er mest spændt, er ikke det, hvor jeg kan skrive ting, der rører beskueren," indrømmede Stendhal; han gentages i dette af mange stemmer. Og alligevel er spænding for nogle fyldt med store hindringer og problemer, for andre mindre. Let ophidsende, nervøse, ekspansive naturer har det sværere.

I øjeblikke med stor spænding på scenen fremskynder Bashkirov, på trods af sin vilje, forestillingen, falder i en vis spænding. Dette sker normalt i begyndelsen af ​​hans forestillinger. Efterhånden bliver hans spil dog normalt, lydformer får klarhed, linjer – selvtillid og nøjagtighed; med et erfarent øre, kan man altid fange, når en pianist formår at få en bølge af overdreven sceneangst ned. Et interessant eksperiment blev sat op ved et tilfælde på en af ​​Bashkirovs aftener. Han spillede den samme musik to gange i træk – finalen i Mozarts fjortende klaverkoncert. Første gang – lidt hastigt og spændt, den anden (til et ekstranummer) – mere behersket i tempo, med mere ro og selvkontrol. Det var interessant at se, hvordan situationen varminus spænding“transformeret spillet, gav et andet, højere kunstnerisk resultat.

Bashkirovs fortolkninger har lidt til fælles med de sædvanlige stencils, velkendte præstationsprøver; dette er deres åbenlyse fordel. De kan være (og er) kontroversielle, men ikke farveløse, for subjektive, men ikke fade. Ved kunstnerens koncerter er det næsten umuligt at møde ligegyldige mennesker, han bliver ikke tiltalt med de høflige og ubetydelige roser, der normalt tildeles middelmådighed. Bashkirovs kunst bliver enten accepteret varmt og entusiastisk, eller med ikke mindre inderlighed og interesse diskuterer de med pianisten, er uenige med ham på nogle måder og uenige med ham. Som kunstner er han bekendt med den kreative "opposition"; i princippet kan og bør dette krediteres.

Nogle siger: i Bashkirovs spil, siger de, er der meget eksternt; han er nogle gange teatralsk, prætentiøs... Sandsynligvis er der i sådanne udtalelser, bortset fra helt naturlige smagsforskelle, en misforståelse af selve karakteren af ​​hans forestilling. Er det muligt ikke at tage hensyn til de individuelle typologiske træk ved dette eller hint kunstneriske | personlighed? Koncertanten Bashkirov – sådan er hans natur – så altid effektivt udefra; lyst og lyst åbenbarede sig i det ydre; hvad der ville være et sceneshow-off eller et klimpren for en anden, han har kun et organisk og naturligt udtryk for sit kreative "jeg". (Verdensteatret husker Sarah Bernhardt med hendes næsten excentriske scenemanerer, husker den beskedne, til tider upåfaldende udadtil Olga Osipovna Sadovskaja – i begge tilfælde var det ægte, stor kunst.) føre ind i en fjern, næsten utydelig undertekst. Hvis vi skal indtage en kritikerposition, så hellere ved en anden lejlighed.

Ja, pianistens kunst giver publikum åbne og stærke følelser. Fantastisk kvalitet! På koncertscenen støder man ofte på mangel på det, frem for et overskud. (Normalt kommer de til kort i manifestationen af ​​følelser, og ikke omvendt.) Men i hans psykologiske tilstande – ekstatisk spænding, impulsivitet osv. – var Bashkirov nogle gange, i det mindste tidligere, noget ensartet. Som illustration kan man nævne hans fortolkning af Glazunovs h-mol-sonate: den manglede tilfældigvis episk bredde. Eller Brahms anden koncert – bag passionernes blændende lyse fyrværkeri, i tidligere år, var kunstnerens introspektive refleksion ikke altid at mærke i den. Fra Bashkirovs fortolkninger var der et rødglødende udtryk, en strøm af høj nervøs spænding. Og lytteren begyndte nogle gange at føle en trang til modulering til nogle andre, fjernere følelsesmæssige tonaliteter, til andre, mere kontrasterende følelsessfærer.

Men taler nu om tidligere den tidligere. Folk, der er godt bekendt med Bashkirovs scenekunst, finder konstant ændringer, skift og interessante kunstneriske transformationer i ham. Enten kan man se udvælgelsen af ​​kunstnerens repertoire mere præcist, eller også afsløres hidtil ukendte metoder til udtryksevne (i de senere år har de langsomme dele af klassiske sonatecyklusser på en eller anden måde lydt særligt rene og sjælfulde). Uden tvivl er hans kunst beriget med nye opdagelser, mere komplekse og varierede følelsesmæssige nuancer. Dette kunne især ses i Bashkirovs opførelse af koncerterne af KFE, Fantasia og Sonate i c-mol af Mozart, klaverversion af Violinkoncerten, Op. 1987 af Beethoven, etc.)

Bashkirov er en god samtalepartner. Han er naturligvis nysgerrig og videbegærlig; han interesserer sig for mange ting; i dag, som i sin ungdom, ser han nøje på alt, der har forbindelse med kunsten, med livet. Derudover ved Bashkirov, hvordan man klart og klart formulerer sine tanker - det er ikke tilfældigt, at han udgav flere artikler om problemerne med musikalsk præstation.

"Jeg har altid sagt," bemærkede Dmitry Alexandrovich engang i en samtale, "at i scenekreativitet er det vigtigste og vigtigste bestemt af selve lageret for kunstnerens talent - hans individuelle personlige egenskaber og egenskaber. Det er hermed, at udøverens tilgang til bestemte kunstneriske fænomener, fortolkningen af ​​enkelte værker, hænger sammen. Kritikere og en del af offentligheden tager nogle gange ikke denne omstændighed i betragtning – bedømmer kunstnerens spil abstrakt, baseret på hvordan de ved Jeg ville elske at høre musikken blive spillet. Dette er fuldstændig falsk.

Med årene tror jeg generelt mindre og mindre på eksistensen af ​​nogle frosne og entydige formler. For eksempel – hvordan det er nødvendigt (eller tværtimod ikke nødvendigt) at fortolke sådan og sådan en forfatter, sådan og sådan et essay. Praksis viser, at præstationsbeslutninger kan være meget forskellige og lige så overbevisende. Selvom det selvfølgelig ikke betyder, at kunstneren har ret til egen vilje eller stilistisk vilkårlighed.

Endnu et spørgsmål. Er det nødvendigt på modenhedstidspunktet, at have 20-30 års erhvervserfaring bag sig, at spille klaver? mereend i ungdommen? Eller omvendt – er det mere rimeligt at reducere intensiteten af ​​arbejdsbelastninger med alderen? Der er forskellige synspunkter og synspunkter på dette. "Det forekommer mig, at svaret her kun kan være rent individuelt," mener Bashkirov. ”Der er kunstnere, som vi kalder fødte virtuoser; de behøver bestemt mindre indsats for at holde sig selv i god form. Og der er andre. Dem, der aldrig har fået noget bare sådan, selvfølgelig uden anstrengelse. Naturligvis skal de arbejde utrætteligt hele deres liv. Og i senere år endnu mere end i ungdommen.

Egentlig må jeg sige, at jeg blandt de store musikere næsten aldrig mødte dem, der med årene med alderen ville svække deres krav til sig selv. Normalt sker det modsatte."

Siden 1957 har Bashkirov undervist på Moskvas konservatorium. Desuden er pædagogikkens rolle og betydning for ham med tiden stigende. ”I min ungdom pralede jeg ofte med, at jeg, siger de, havde tid til det hele – både undervisning og forberedelse til koncertoptrædener. Og at det ene ikke blot ikke er en hindring for det andet, men måske endda omvendt: det ene støtter, forstærker det andet. I dag vil jeg ikke argumentere for dette … Tid og alder foretager stadig deres egne justeringer – man kan ikke vurdere noget anderledes. I dag har jeg en tendens til at tro, at undervisning skaber visse vanskeligheder for koncertopførelsen, begrænser den. Her er en konflikt, som du hele tiden forsøger at løse og desværre ikke altid med held.

Det, der er sagt ovenfor, betyder naturligvis ikke, at jeg stiller spørgsmålstegn ved nødvendigheden eller hensigtsmæssigheden af ​​pædagogisk arbejde for mig selv. Ingen måde! Det er blevet så vigtigt en integreret del af min eksistens, at der ikke er nogen dilemmaer ved det. Jeg oplyser bare fakta, som de er.”

I øjeblikket giver Bashkirov omkring 55 koncerter pr. sæson. Dette tal er ret stabilt for ham og har praktisk talt ikke ændret sig i en årrække. »Jeg ved, at der er folk, der præsterer meget mere. Jeg kan ikke se noget overraskende i dette: alle har forskellige reserver af energi, udholdenhed, fysisk og mental styrke. Det vigtigste, tror jeg, er ikke, hvor meget man skal spille, men hvordan. Det vil sige, at den kunstneriske værdi af forestillinger er vigtig først og fremmest. For ansvarsfølelsen for det, man laver på scenen, vokser hele tiden.

I dag, fortsætter Dmitry Aleksandrovich, er det meget vanskeligt at indtage en værdig plads på den internationale musik- og scenescene. Skal spille ofte nok; spille i forskellige byer og lande; køre forskellige programmer. Og selvfølgelig giv det hele. på et ret højt fagligt niveau. Kun under sådanne forhold vil kunstneren, som de siger, være i syne. For en, der er engageret i pædagogik, er dette selvfølgelig sværere end for en ikke-lærer. Derfor ignorerer mange unge koncertgængere i det væsentlige undervisning. Og et eller andet sted kan de forstås - givet den stadigt stigende konkurrence i den kunstneriske verden ... "

For at vende tilbage til samtalen om sit eget pædagogiske arbejde, siger Bashkirov, at han generelt føler sig fuldstændig glad i det. Glad, fordi han har elever, kreativ kommunikation, som bragte ham – og fortsætter med at levere – stor glæde. »Hvis man ser på de bedste af dem, må man indrømme, at vejen til berømmelse ikke var overstrøet med roser for nogen. Hvis de har opnået noget, er det mest gennem deres egen indsats. Og evnen til kreativ selvudvikling (som jeg betragter som det vigtigste for en musiker). Min kunstnerisk levedygtighed de beviste ikke ved serienummeret ved denne eller hin konkurrence, men ved det faktum, at de spiller i dag på scenerne i mange lande i verden.

Jeg vil gerne sige et særligt ord om nogle af mine elever. Ganske kort. Bogstaveligt talt med få ord.

Dmitry Alekseev. Jeg kan godt lide det i det intern konflikthvilket jeg som hans lærer godt kender. Konflikt i ordets bedste betydning. Det er måske ikke særlig synligt ved første øjekast – snarere skjult end iøjnefaldende, men det eksisterer, eksisterer, og det er meget vigtigt. Alekseev er tydeligvis klar over sine styrker og svagheder, han forstår, at kampen mellem dem og betyder at komme videre i vores fag. Denne bevægelse kan flyde med ham, ligesom med andre, jævnt og jævnt, eller den kan tage form af kriser og uventede gennembrud i nye kreative sfærer. Det er lige meget hvordan. Det er vigtigt, at musikeren kommer videre. Om Dmitry Alekseev, forekommer det mig, dette kan siges uden frygt for at falde i overdrivelse. Hans høje internationale prestige er ikke tilfældig.

Nikolai Demidenko. Der var en noget nedladende holdning til ham på et tidspunkt. Nogle troede ikke på hans kunstneriske fremtid. Hvad kan jeg sige om dette? Det er kendt, at nogle kunstnere modnes tidligere, hurtigere (nogle gange modnes de endda for hurtigt, ligesom nogle af nørderne, der brænder ud for tiden), for andre forløber denne proces langsommere, mere roligt. Det tager år for dem at udvikle sig fuldt ud, modnes, stå på egne ben, få det bedste frem, de har... I dag har Nikolay Demidenko en rig praksis, han spiller meget i forskellige byer i vores land og i udlandet. Jeg hører ham ikke så tit, men når jeg går til hans forestillinger, kan jeg se, at mange ting, han gør nu, ikke er helt det samme som før. Nogle gange kan jeg næsten ikke genkende i hans fortolkning af de værker, som vi bestod i klassen. Og for mig, som lærer, er dette den største belønning …

Sergey Erokhin. Ved VIII Tchaikovsky-konkurrencen var han blandt prismodtagerne, men situationen ved denne konkurrence var meget vanskelig for ham: han havde netop demobiliseret sig fra den sovjetiske hærs rækker og var naturligvis langt fra sin bedste kreative form. I den tid, der er gået siden konkurrencen, har Sergei, synes jeg, opnået meget stor succes. Lad mig minde dig i det mindste om hans anden præmie ved en konkurrence i Santander (Spanien), som en af ​​de indflydelsesrige Madrid-aviser skrev om: "Sergey Erokhins præstationer var ikke kun førstepræmien værd, men hele konkurrencen." Kort sagt, jeg er ikke i tvivl om, at Sergei har en lys kunstnerisk fremtid. Desuden er han efter min mening ikke født til konkurrencer, men til koncertscenen.

Alexander Bonduryansky. Han helligede sig udelukkende kammermusik. I en årrække har Alexander optrådt som en del af Moskva-trioen og cementeret det med sin vilje, entusiasme, hengivenhed, dedikation og høje professionalisme. Jeg følger hans aktiviteter med interesse, jeg bliver igen og igen overbevist om, hvor vigtigt det er for en musiker at finde sin egen vej. Jeg vil gerne tro, at udgangspunktet for Bonduryanskys interesse for kammerensemblemusik var hans observation af mit fælles kreative arbejde i en trio med I. Bezrodny og M. Khomitser.

Eiro Heinonen. Hjemme i Finland er han en af ​​de mest berømte pianister og lærere (nu er han professor ved Sibelius Akademiet i Helsinki). Jeg husker med glæde mine møder med ham.

Dang Thai Sean. Jeg studerede hos ham, da han var kandidatstuderende på Moskvas konservatorium; mødtes med ham senere. Jeg havde yderst behagelige indtryk fra kontakter med Sean – en person og en kunstner. Han er smart, intelligent, charmerende og fantastisk talentfuld. Der var engang, hvor han oplevede noget som en krise: han befandt sig i et lukket rum af en enkelt stil, og selv der så han nogle gange ikke særlig forskelligartet og mangefacetteret ud … Sean overvandt stort set denne kriseperiode; dybden af ​​udførende tænkning, omfanget af følelser, dramaet optrådte i hans spil ... Han har en storslået pianistisk nutid og uden tvivl en ikke mindre misundelsesværdig fremtid.

Der er andre interessante, lovende unge musikere i min klasse i dag. Men de vokser stadig. Derfor vil jeg undlade at tale om dem.

Som enhver talentfuld lærer har Bashkirov sin egen stil at arbejde med elever. Han kan ikke lide at vende sig til abstrakte kategorier og begreber i klasseværelset, han kan ikke lide at gå langt væk fra det arbejde, der studeres. Bruger sjældent, med egne ord, paralleller med andre kunstarter, ligesom nogle af hans kolleger. Han går ud fra, at musikken, den mest universelle af alle kunstarter, har sine egne love, sine egne "regler", sin egen kunstneriske specificitet; forsøger derfor at lede eleven til en rent musikalsk løsning gennem sfæren ikke-musikalsk er lidt kunstige. Hvad angår analogier med litteratur, maleri osv., så kan de kun sætte gang i forståelsen af ​​det musikalske billede, men ikke erstatte det med noget andet. Det sker, at disse analogier og paralleller endda forårsager nogle skader på musikken – de forenkler det … ”Jeg synes, det er bedre at forklare eleven, hvad du vil, ved hjælp af ansigtsudtryk, en dirigents gestus og selvfølgelig en live-visning på tastaturet.

Men du kan undervise på den og den måde... Igen, der kan ikke være en enkelt og universel formel i dette tilfælde."

Han vender konstant og vedholdende tilbage til denne tanke: der er intet værre end bias, dogmatisme, endimensionalitet i tilgangen til kunst. ”Musikkens verden, især performance og pædagogik, er uendelig mangfoldig. Her kan og skal de mest forskelligartede værdiområder, kunstneriske sandheder og specifikke kreative løsninger sameksistere fuldt ud. Det sker, at nogle mennesker argumenterer sådan: Jeg kan lide det – det betyder, at det er godt; Hvis du ikke kan lide det, så er det bestemt dårligt. Sådan så at sige logik er dybt fremmed for mig. Jeg forsøger også at gøre det fremmed for mine elever.”

... Ovenfor talte Bashkirov om den interne konflikt mellem sin studerende Dmitry Alekseev - konflikt "i ordets bedste betydning", hvilket "betyder at komme videre i vores profession." De, der kender Dmitry Alexandrovich tæt, vil være enige om, at en sådan konflikt først og fremmest er mærkbar i ham selv. Det var hende, der kombineret med fængslende strenghed over for sig selv (en gang for 7-8 år siden sagde Bashkirov, at han plejede at give sig selv noget i retning af karakterer for præstationer: "Points, for at sige sandheden, er normalt lave ... Om et år skal give snesevis af koncerter. Jeg er i bedste fald virkelig tilfreds med et par ... "I denne forbindelse dukker en episode ufrivilligt op, som GG Neuhaus gerne huskede:" Leopold Godovsky, min herlige lærer, fortalte mig engang: "Jeg gav i denne sæson 83 koncerter, og du ved, hvor mange jeg var tilfreds med? – tre! (Neigauz GG Refleksioner, erindringer, dagbøger // Udvalgte artikler. Breve til forældre. S. 107).) – og hjalp ham til at blive en af ​​sin generations mest fremtrædende skikkelser inden for pianismen; det er hende, der vil bringe kunstneren, der er ingen tvivl om, mange flere kreative opdagelser.

G. Tsypin, 1990