Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Hans navn er længe blevet historiens ejendom: omkring fem årtier er gået siden kunstnerens død. I løbet af denne tid har mange stjerner rejst sig og sat sig på verdens koncertscener, flere generationer af fremragende pianister er vokset op, nye tendenser inden for scenekunst er blevet etableret - dem, der almindeligvis kaldes "moderne scenestil". Og i mellemtiden er arven fra Dinu Lipatti, i modsætning til arven fra mange andre store kunstnere fra første halvdel af vores århundrede, ikke blevet dækket med en "flair af et museum", har ikke mistet sin charme, sin friskhed: det viste sig at være hinsides mode, og desuden fortsætter den ikke kun med at begejstre lyttere, men påvirker også nye generationer af pianister. Hans indspilninger er ikke en kilde til stolthed for samlere af gamle diske – de genudgives igen og igen, udsolgt med det samme. Alt dette sker, ikke fordi Lipatti godt stadig kunne være blandt os, være i sin bedste alder, hvis ikke for en hensynsløs sygdom. Årsagerne er dybere – i selve essensen af ​​hans tidløse kunst, i den dybe sandfærdighed af følelsen, som om den er renset for alt ydre, forbigående, multiplicerende kraften fra indflydelsen fra musikerens talent og på dette tidspunkt afstand.

Få kunstnere formåede at efterlade et så levende mærke i menneskers hukommelse på så kort tid, tildelt dem af skæbnen. Især hvis vi husker, at Lipatti på ingen måde var et vidunderbarn i ordets almindeligt anerkendte betydning, og relativt sent begyndte en omfattende koncertvirksomhed. Han voksede op og udviklede sig i en musikalsk atmosfære: hans bedstemor og mor var fremragende pianister, hans far var en passioneret violinist (han tog endda timer hos P. Sarasate og K. Flesch). Kort sagt er det ikke overraskende, at den fremtidige musiker, der endnu ikke kender alfabetet, frit improviserede på klaveret. Barnlig munterhed blev bizart kombineret i hans ukomplicerede kompositioner med overraskende alvor; en sådan kombination af umiddelbarhed af følelse og dybde i tankerne forblev senere og blev et karakteristisk træk for en moden kunstner.

Den første lærer for den otte-årige Lipatti var komponisten M. Zhora. Efter at have opdaget exceptionelle pianistiske evner hos en elev, overgav han ham i 1928 til den berømte lærer Florika Muzychesk. I de samme år havde han en anden mentor og protektor - George Enescu, som blev "gudfar" for den unge musiker, som nøje fulgte hans udvikling og hjalp ham. Som 15-årig dimitterede Lipatti med udmærkelse fra Bukarests konservatorium og vandt snart Enescu-prisen for sit første store værk, de symfoniske malerier "Chetrari". Samtidig besluttede musikeren at deltage i den internationale klaverkonkurrence i Wien, en af ​​de mest "massive" med hensyn til antallet af deltagere i konkurrencens historie: så kom omkring 250 kunstnere til den østrigske hovedstad. Lipatti blev nummer to (efter B. Kohn), men mange medlemmer af juryen kaldte ham den rigtige vinder. A. Cortot forlod endda juryen i protest; i hvert fald inviterede han straks den rumænske ungdom til Paris.

Lipatti boede i Frankrigs hovedstad i fem år. Han forbedrede sig med A. Cortot og I. Lefebur, deltog i Nadia Boulangers klasse, tog dirigenttimer hos C. Munsch, komposition fra I. Stravinsky og P. Duke. Boulanger, som opdragede snesevis af store komponister, sagde dette om Lipatti: "En rigtig musiker i ordets fulde betydning kan betragtes som en, der hellige sig musikken og glemmer sig selv. Jeg kan roligt sige, at Lipatti er en af ​​de kunstnere. Og det er den bedste forklaring på min tro på ham.” Det var med Boulanger, at Lipatti lavede sin første indspilning i 1937: Brahms' firhåndsdanse.

Samtidig begyndte kunstnerens koncertaktivitet. Allerede hans første forestillinger i Berlin og byerne i Italien tiltrak alles opmærksomhed. Efter hans parisiske debut sammenlignede kritikerne ham med Horowitz og forudsagde enstemmigt en lys fremtid for ham. Lipatti besøgte Sverige, Finland, Østrig, Schweiz, og overalt havde han succes. For hver koncert åbnede hans talent sig med nye facetter. Dette blev lettet af hans selvkritik, hans kreative metode: før han bragte sin fortolkning til scenen, opnåede han ikke blot en perfekt beherskelse af teksten, men også en fuldstændig sammensmeltning med musikken, hvilket resulterede i den dybeste indtrængning i forfatterens hensigt.

Det er karakteristisk, at han først i de senere år begyndte at vende sig til Beethovens arv, og tidligere anså han sig ikke for klar til dette. En dag bemærkede han, at det tog ham fire år at forberede Beethovens femte koncert eller Tjajkovskijs første. Dette taler naturligvis ikke om hans begrænsede evner, men kun om hans ekstreme krav til sig selv. Men hver af hans forestillinger er opdagelsen af ​​noget nyt. Ved at forblive omhyggeligt tro mod forfatterens tekst, satte pianisten altid fortolkningen i gang med sin individualitets "farver".

Et af disse tegn på hans individualitet var fraseringens fantastiske naturlighed: ekstern enkelhed, klarhed i begreber. Samtidig fandt han for hver komponist særlige klaverfarver, der svarede til hans eget verdensbillede. Hans Bach lød som en protest mod den magre "museums"-gengivelse af den store klassiker. "Hvem vover at tænke på cembaloen, mens han lytter til den første partita udført af Lipatti, fyldt med så nervøs kraft, sådan melodiøs legato og sådan aristokratisk ynde?" udbrød en af ​​kritikerne. Mozart tiltrak ham først og fremmest ikke med ynde og lethed, men med spænding, endda drama og mod. "Ingen indrømmelser til galant stil," synes hans spil at sige. Dette understreges af rytmisk stringens, gemen pedal, energisk berøring. Hans forståelse af Chopin ligger i samme plan: ingen sentimentalitet, streng enkelhed og på samme tid - en enorm følelseskraft ...

Anden Verdenskrig fandt kunstneren i Schweiz, på en anden turné. Han vendte tilbage til sit hjemland, fortsatte med at optræde, komponere musik. Men det fascistiske Rumæniens kvælende atmosfære undertrykte ham, og i 1943 lykkedes det ham at rejse til Stockholm og derfra til Schweiz, som blev hans sidste tilflugtssted. Han ledede den udøvende afdeling og klaverklassen på Geneve-konservatoriet. Men netop i det øjeblik, hvor krigen sluttede, og der åbnede sig strålende udsigter for kunstneren, dukkede de første tegn på en uhelbredelig sygdom op - leukæmi. Han skriver bittert til sin lærer M. Zhora: ”Da jeg var rask, var kampen mod nød trættende. Nu hvor jeg er syg, er der invitationer fra alle lande. Jeg underskrev aftaler med Australien, Syd- og Nordamerika. Hvilken skæbnens ironi! Men jeg giver ikke op. Jeg vil kæmpe uanset hvad."

Kampen fortsatte i årevis. Lange ture måtte aflyses. I anden halvdel af 40'erne forlod han næppe Schweiz; undtagelsen var hans rejser til London, hvor han debuterede i 1946 sammen med G. Karajan, mens han under hans ledelse spillede Schumanns koncert. Lipatti rejste senere til England flere gange for at optage. Men i 1950 kunne han ikke længere holde ud en sådan tur, og firmaet I-am-a sendte deres "hold" til ham i Genève: på få dage, på bekostning af den største indsats, 14 Chopin-valse, Mozarts Sonate (nr. 8) blev indspillet, Bach Partita (B-dur), Chopins 32. Mazurka. I august optrådte han med orkestret for sidste gang: Mozarts koncert (nr. 21) lød, G. Karayan var på podiet. Og den 16. september sagde Dinu Lipatti farvel til publikum i Besançon. Koncertprogrammet omfattede Bachs Partita i B-dur, Mozarts Sonate, to impromptuer af Schubert og alle 14 valse af Chopin. Han spillede kun 13 - den sidste var ikke længere stærk nok. Men i stedet for, da han indså, at han aldrig mere ville stå på scenen, fremførte kunstneren Bach-koralen, arrangeret for klaver af Myra Hess... Indspilningen af ​​denne koncert blev et af de mest spændende, dramatiske dokumenter i vores århundredes musikhistorie...

Efter Lipattis død skrev hans lærer og ven A. Cortot: ”Kære Dinu, dit midlertidige ophold blandt os bragte dig ikke kun med fælles samtykke til førstepladsen blandt din generations pianister. I mindet om dem, der lyttede til dig, efterlader du tilliden til, at hvis skæbnen ikke havde været så grusom mod dig, så ville dit navn være blevet en legende, et eksempel på uselvisk tjeneste for kunsten. Den tid, der er gået siden da, har vist, at Lipattis kunst forbliver et sådant eksempel den dag i dag. Hans lydarv er forholdsvis lille – kun omkring ni timers optagelser (hvis man tæller gentagelser med). Ud over de ovennævnte kompositioner lykkedes det ham at indfange sådanne koncerter af Bach (nr. 1), Chopin (nr. 1), Grieg, Schumann, skuespil af Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, hans egne på plader kompositioner – Concertino i klassisk stil og Sonata for venstre hænder … Det er næsten alt. Men alle, der stifter bekendtskab med disse plader, vil helt sikkert være enige i Florica Muzycescus ord: "Den kunstneriske tale, som han henvendte sig til folk med, har altid fanget publikum, den fanger også dem, der lytter til hans spil på pladen."

Grigoriev L., Platek Ya.