David Fedorovich Oistrakh |

David Oistrakh

Sovjetunionen har længe været berømt for violinister. Tilbage i 30'erne overraskede vores kunstneres strålende sejre ved internationale konkurrencer verdensmusikalske samfund. Den sovjetiske violinskole blev omtalt som den bedste i verden. Blandt konstellationen af ​​strålende talenter tilhørte palmen allerede David Oistrakh. Han har beholdt sin stilling den dag i dag.

Der er skrevet mange artikler om Oistrakh, måske på sprogene hos de fleste mennesker i verden; Der er skrevet monografier og essays om ham, og det ser ud til, at der ikke er nogen ord, der ikke ville blive sagt om kunstneren af ​​beundrere af hans vidunderlige talent. Og alligevel vil jeg tale om det igen og igen. Måske afspejlede ingen af ​​violinisterne så fuldt ud historien om vores lands violinkunst. Oistrakh udviklede sig sammen med den sovjetiske musikkultur og absorberede dybt dens idealer, dens æstetik. Han blev "skabt" som kunstner af vores verden, der omhyggeligt styrede udviklingen af ​​kunstnerens store talent.

Der er kunst, der undertrykker, giver anledning til angst, får dig til at opleve livets tragedier; men der er kunst af en anden art, som bringer fred, glæde, heler åndelige sår, fremmer etableringen af ​​tro på livet i fremtiden. Sidstnævnte er meget karakteristisk for Oistrakh. Oistrakhs kunst vidner om den fantastiske harmoni i hans natur, hans åndelige verden, om en lys og klar opfattelse af livet. Oistrakh er en søgende kunstner, evigt utilfreds med det, han har opnået. Hver fase af hans kreative biografi er en "ny Oistrakh". I 30'erne var han en mester i miniaturer, med vægt på blød, charmerende, let lyrik. På det tidspunkt fængslede hans spil med subtil ynde, gennemtrængende lyriske nuancer, raffineret fuldstændighed af hver detalje. År gik, og Oistrakh blev en mester i store, monumentale former, mens han bevarede sine tidligere kvaliteter.

På den første fase var hans spil domineret af "akvareltoner" med en skævhed mod en iriserende, sølvfarvet række af farver med umærkelige overgange fra den ene til den anden. Men i Khachaturian Concerto viste han sig pludselig i en ny egenskab. Han så ud til at skabe et berusende farverigt billede med dybe "fløjlsagtige" klangfarve. Og hvis han i Mendelssohns, Tchaikovskys koncerter, i miniaturerne af Kreisler, Scriabin, Debussy blev opfattet som en udøver af et rent lyrisk talent, så optrådte han i Khachaturians Koncert som en storslået genremaler; hans fortolkning af denne koncert er blevet en klassiker.

En ny scene, en ny kulmination på den kreative udvikling af en fantastisk kunstner – Shostakovichs koncert. Det er umuligt at glemme det indtryk, der blev efterladt af premieren på koncerten udført af Oistrakh. Han forvandlede bogstaveligt talt; hans spil fik en "symfonisk" skala, tragisk kraft, "hjertets visdom" og smerte for en person, som er så iboende i den store sovjetiske komponists musik.

Når man beskriver Oistrakhs præstation, er det umuligt ikke at bemærke hans høje instrumentelle færdigheder. Det ser ud til, at naturen aldrig har skabt en sådan fuldstændig sammensmeltning af menneske og instrument. Samtidig er virtuositeten i Oistrakhs præstation speciel. Det har både glans og prangende, når musikken kræver det, men de er ikke hovedsagen, men plasticiteten. Den fantastiske lethed og lethed, hvormed kunstneren udfører de mest forvirrende passager, er uden sidestykke. Perfektionen af ​​hans optrædende apparat er sådan, at du får ægte æstetisk nydelse, når du ser ham spille. Med uforståelig fingerfærdighed bevæger venstre hånd sig langs halsen. Der er ingen skarpe stød eller kantede overgange. Ethvert spring overvindes med absolut frihed, enhver strækning af fingrene - med den største elasticitet. Buen er "bundet" til strygerne på en sådan måde, at Oistrakhs violins dirrende, kærtegnende klang ikke snart vil blive glemt.

År tilføjer flere og flere facetter til hans kunst. Det bliver dybere og... nemmere. Men i udvikling, konstant bevæger sig fremad, forbliver Oistrakh "sig selv" - en kunstner af lys og sol, vor tids mest lyriske violinist.

Oistrakh blev født i Odessa den 30. september 1908. Hans far, en beskeden kontormedarbejder, spillede mandolin, violin og var en stor elsker af musik; mor, en professionel sangerinde, sang i koret i Odessa Opera House. Fra han var fire år lyttede lille David med begejstring til operaer, hvor hans mor sang, og derhjemme spillede han forestillinger og "dirigerede" et imaginært orkester. Hans musikalitet var så tydelig, at han blev interesseret i en kendt lærer, der blev berømt i sit arbejde med børn, violinisten P. Stolyarsky. Fra en alder af fem begyndte Oistrakh at studere med ham.

Første Verdenskrig brød ud. Oistrakhs far gik til fronten, men Stolyarsky fortsatte med at arbejde med drengen gratis. På det tidspunkt havde han en privat musikskole, som i Odessa blev kaldt en "talentfabrik". "Han havde en stor, brændende sjæl som kunstner og en ekstraordinær kærlighed til børn," husker Oistrakh. Stolyarsky indgydte ham en kærlighed til kammermusik, tvang ham til at spille musik i skoleensembler på bratsch eller violin.

Efter revolutionen og borgerkrigen blev Musik- og Dramainstituttet åbnet i Odessa. I 1923 kom Oistrakh ind her, og selvfølgelig i Stolyarskys klasse. I 1924 gav han sin første solokoncert og mestrede hurtigt de centrale værker af violinrepertoiret (koncerter af Bach, Tchaikovsky, Glazunov). I 1925 foretog han sin første koncertrejse til Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. I foråret 1926 dimitterede Oistrakh fra instituttet med glans efter at have opført Prokofievs første koncert, Tartinis Sonate "Djævlens Triller", A. Rubinsteins Sonate for bratsch og klaver.

Lad os bemærke, at Prokofjevs koncert blev valgt som hovedeksamenarbejde. På det tidspunkt var det ikke alle, der kunne tage et så modigt skridt. Prokofievs musik blev opfattet af nogle få, det var med besvær, at den vandt anerkendelse fra musikere, der var opdraget med klassikerne fra det XNUMXth-XNUMXth århundreder. Ønsket om nyhed, hurtig og dyb forståelse af det nye forblev karakteristisk for Oistrakh, hvis præstationsudvikling kan bruges til at skrive historien om sovjetisk violinmusik. Det kan uden overdrivelse siges, at de fleste violinkoncerter, sonater, værker af store og små former skabt af sovjetiske komponister først blev opført af Oistrakh. Ja, og fra den udenlandske violinlitteratur i det XNUMX. århundrede var det Oistrakh, der introducerede sovjetiske lyttere til mange store fænomener; for eksempel med koncerter af Szymanowski, Chausson, Bartóks første koncert m.m.

Selvfølgelig kunne Oistrakh på sin ungdom ikke forstå musikken til Prokofiev-koncerten dybt nok, som kunstneren selv husker det. Kort efter Oistrakh dimitterede fra instituttet, kom Prokofiev til Odessa med forfatterkoncerter. Ved en aften arrangeret til hans ære fremførte den 18-årige Oistrakh scherzoen fra den første koncert. Komponisten sad tæt på scenen. "Under min optræden," husker Oistrakh, "blev hans ansigt mere og mere dystert. Da klapsalverne brød ud, deltog han ikke i dem. Da han nærmede sig scenen, ignorerede publikums støj og begejstring, bad han pianisten om at vige for ham, og vendte sig mod mig med ordene: "Unge mand, du spiller slet ikke, som du burde," begyndte han. at vise og forklare mig karakteren af ​​hans musik. . Mange år senere mindede Oistrakh Prokofiev om denne hændelse, og han var synligt flov, da han fandt ud af, hvem den "uheldige unge mand", der havde lidt så meget af ham, var.

I 20'erne havde F. Kreisler stor indflydelse på Oistrakh. Oistrakh stiftede bekendtskab med sin præstation gennem indspilninger og blev betaget af originaliteten i hans stil. Kreislers enorme indflydelse på generationen af ​​violinister i 20'erne og 30'erne ses normalt som både positive og negative. Tilsyneladende var Kreisler "skyldig" i Oistrakhs fascination af en lille form – miniaturer og transskriptioner, hvor Kreislers arrangementer og originale skuespil indtog en væsentlig plads.

Passionen for Kreisler var universel, og få forblev ligeglade med hans stil og kreativitet. Fra Kreisler tog Oistrakh nogle spilleteknikker til sig – karakteristisk glissando, vibrato, portamento. Måske står Oistrakh i gæld til "Kreisler-skolen" for elegancen, letheden, blødheden, rigdommen af ​​"kammer" nuancer, der fanger os i hans spil. Men alt, hvad han lånte, blev usædvanligt organisk behandlet af ham selv på det tidspunkt. Den unge kunstners individualitet viste sig at være så lys, at den forvandlede enhver "erhvervelse". I sin modne periode forlod Oistrakh Kreisler og satte de ekspressive teknikker, som han engang havde adopteret fra ham, i tjeneste for helt andre mål. Ønsket om psykologisme, reproduktionen af ​​en kompleks verden af ​​dybe følelser førte ham til metoderne til deklamatorisk intonation, hvis natur er direkte modsat Kreislers elegante, stiliserede tekster.

I sommeren 1927 blev Oistrakh på initiativ af Kiev-pianisten K. Mikhailov introduceret til AK Glazunov, som var kommet til Kiev for at dirigere adskillige koncerter. På hotellet, hvor Oistrakh blev bragt, akkompagnerede Glazunov den unge violinist i hans koncert på klaveret. Under ledning af Glazunov fremførte Oistrakh to gange koncerten offentligt med orkestret. I Odessa, hvor Oistrakh vendte tilbage med Glazunov, mødte han Polyakin, som var på turné der, og efter et stykke tid med dirigenten N. Malko, som inviterede ham på sin første tur til Leningrad. Den 10. oktober 1928 fik Oistrakh en vellykket debut i Leningrad; den unge kunstner vandt popularitet.

I 1928 flyttede Oistrakh til Moskva. I nogen tid fører han livet som en gæstekunstner, der rejser rundt i Ukraine med koncerter. Af stor betydning i hans kunstneriske aktivitet var sejren ved den al-ukrainske violinkonkurrence i 1930. Han vandt førstepræmien.

P. Kogan, direktør for koncertbureauet for statsorkestre og ensembler i Ukraine, blev interesseret i den unge musiker. En fremragende organisator, han var en bemærkelsesværdig figur af den "sovjetiske impresario-pædagog", som han kan kaldes i henhold til retningen og arten af ​​hans aktivitet. Han var en ægte propagandist for klassisk kunst blandt masserne, og mange sovjetiske musikere holder et godt minde om ham. Kogan gjorde meget for at popularisere Oistrakh, men stadig var violinistens hovedområde for koncerter uden for Moskva og Leningrad. Først i 1933 begyndte Oistrakh også at finde vej i Moskva. Hans optræden med et program sammensat af koncerter af Mozart, Mendelssohn og Tjajkovskij, opført på en aften, var en begivenhed, som musicalen Moskva talte om. Anmeldelser er skrevet om Oistrakh, hvor det bemærkes, at hans spil bærer de bedste kvaliteter fra den unge generation af sovjetiske kunstnere, at denne kunst er sund, forståelig, munter, viljestærk. Kritikere bemærker passende hovedtrækkene i hans opførelsesstil, som var karakteristiske for ham i disse år - enestående dygtighed i udførelsen af ​​værker af lille form.

Samtidig finder vi i en af ​​artiklerne følgende linjer: ”Det er dog for tidligt at overveje, at miniaturen er hans genre. Nej, Oistrakhs sfære er musik af plastiske, yndefulde former, fuldblods, optimistisk musik.

I 1934 blev Oistrakh på initiativ af A. Goldenweiser inviteret til konservatoriet. Det var her hans lærerkarriere begyndte, som fortsætter til i dag.

30'erne var tiden for Oistrakhs strålende triumfer på hele Unionens og verdensscenen. 1935 – førstepræmie ved II All-Union Competition of Performing Musicians i Leningrad; samme år, et par måneder senere – andenpræmien ved Henryk Wieniawskis internationale violinkonkurrence i Warszawa (førstepræmien gik til Ginette Neve, Thibauts elev); 1937 – førstepræmie ved Eugene Ysaye International Violin Competition i Bruxelles.

Den sidste konkurrence, hvor seks af de syv førstepræmier blev vundet af de sovjetiske violinister D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova og M. Fikhtengolts, blev af verdenspressen vurderet som en triumf for den sovjetiske violin. skole. Konkurrencejurymedlem Jacques Thibault skrev: "Dette er vidunderlige talenter. USSR er det eneste land, der har taget sig af sine unge kunstnere og givet fulde muligheder for deres udvikling. Fra i dag vinder Oistrakh verdensomspændende berømmelse. De vil lytte til ham i alle lande.”

Efter konkurrencen optrådte dens deltagere i Paris. Konkurrencen åbnede vejen for Oistrakh til brede internationale aktiviteter. Herhjemme bliver Oistrakh den mest populære violinist, der med succes konkurrerer i denne henseende med Miron Polyakin. Men det vigtigste er, at hans charmerende kunst tiltrækker komponisters opmærksomhed og stimulerer deres kreativitet. I 1939 blev Myaskovsky-koncerten skabt, i 1940 - Khachaturian. Begge koncerter er dedikeret til Oistrakh. Udførelsen af ​​koncerter af Myaskovsky og Khachaturian blev opfattet som en stor begivenhed i det musikalske liv i landet, var resultatet og kulminationen af ​​førkrigsperioden af ​​den bemærkelsesværdige kunstners aktivitet.

Under krigen gav Oistrakh konstant koncerter og spillede på hospitaler, bagved og foran. Som de fleste sovjetiske kunstnere er han fuld af patriotisk entusiasme, i 1942 optræder han i det belejrede Leningrad. Soldater og arbejdere, sømænd og indbyggere i byen lytter til ham. “Okierne kom her efter en hård dags arbejde for at lytte til Oistrakh, en kunstner fra fastlandet fra Moskva. Koncerten var endnu ikke slut, da luftangrebsalarmen blev annonceret. Ingen forlod rummet. Efter koncertens afslutning blev kunstneren budt velkommen. Bifaldene forstærkedes især, da dekretet om tildeling af statsprisen til D. Oistrakh blev bekendtgjort … ”.

Krigen er forbi. I 1945 ankom Yehudi Menuhin til Moskva. Oistrakh spiller en dobbelt Bach-koncert med ham. I sæsonen 1946/47 udførte han i Moskva en storslået cyklus dedikeret til violinkoncertens historie. Denne handling minder om A. Rubinsteins berømte historiske koncerter. Cyklussen omfattede værker som koncerter af Elgar, Sibelius og Walton. Han definerede noget nyt i Oistrakhs kreative billede, som siden er blevet hans umistelige kvalitet – universalisme, ønsket om en bred dækning af alle tiders og folkeslags violinlitteratur, inklusive moderniteten.

Efter krigen åbnede Oistrakh perspektiver for omfattende international aktivitet. Hans første rejse fandt sted i Wien i 1945. Anmeldelsen af ​​hans optræden er bemærkelsesværdig: “… Kun den åndelige modenhed af hans altid stilfulde spil gør ham til en forkynder af høj menneskelighed, en virkelig betydningsfuld musiker, hvis plads er i første række af verdens violinister."

I 1945-1947 mødtes Oistrakh med Enescu i Bukarest og med Menuhin i Prag; i 1951 blev han udnævnt til medlem af juryen for den belgiske Dronning Elisabeth Internationale Konkurrence i Bruxelles. I 50'erne vurderede hele den udenlandske presse ham som en af ​​verdens største violinister. Mens han er i Bruxelles, optræder han sammen med Thibault, der dirigerer orkestret i hans koncert, og spiller koncerter af Bach, Mozart og Beethoven. Thiebaud er fuld af dyb beundring for Oistrakhs talent. Anmeldelser af hans forestilling i Düsseldorf i 1954 understreger den gennemtrængende menneskelighed og spiritualitet i hans forestilling. ”Denne mand elsker mennesker, denne kunstner elsker det smukke, det ædle; at hjælpe folk med at opleve dette er hans fag."

I disse anmeldelser optræder Oistrakh som en performer, der når dybden af ​​det humanistiske princip i musikken. Følelsesmæssigheden og lyrikken i hans kunst er psykologisk, og det er det, der påvirker lytterne. "Hvordan opsummerer man indtrykkene fra spillet af David Oistrakh? – skrev E. Jourdan-Morrange. – Almindelige definitioner, hvor dithyrambiske de end måtte være, er uværdige for hans rene kunst. Oistrakh er den mest perfekte violinist, jeg nogensinde har hørt, ikke kun i forhold til hans teknik, som er lig med Heifetz, men især fordi denne teknik er fuldstændig vendt til musikkens tjeneste. Hvilken ærlighed, hvilken adel i udførelse!

I 1955 rejste Oistrakh til Japan og USA. I Japan skrev de: "Publikum i dette land ved, hvordan man værdsætter kunst, men er tilbøjelige til tilbageholdenhed i manifestationen af ​​følelser. Her gik hun bogstaveligt talt amok. Fantastisk klapsalver blandet med råb om "bravo!" og så ud til at være i stand til at bedøve. Oistrakhs succes i USA grænsede til triumf: “David Oistrakh er en stor violinist, en af ​​vor tids virkelig store violinister. Oistrakh er stor, ikke kun fordi han er en virtuos, men en ægte spirituel musiker." F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte lyttede til Oistrakh ved koncerten i Carnegie Hall.

”Jeg blev især rørt over tilstedeværelsen af ​​Kreisler i salen. Da jeg så den store violinist, lytte opmærksomt til mit spil, og så klappede mig stående, virkede alt, hvad der skete, som en slags vidunderlig drøm. Oistrakh mødte Kreisler under sit andet besøg i USA i 1962-1963. Kreisler var allerede på det tidspunkt en meget gammel mand. Blandt møderne med store musikere bør man også nævne mødet med P. Casals i 1961, som satte dybe spor i hjertet af Oistrakh.

Den klareste linje i Oistrakhs optræden er kammer-ensemblemusik. Oistrakh deltog i kammeraftener i Odessa; senere spillede han i en trio med Igumnov og Knushevitskij, der afløste violinisten Kalinovskij i dette ensemble. I 1935 dannede han et sonateensemble med L. Oborin. Ifølge Oistrakh skete det sådan: de tog til Tyrkiet i begyndelsen af ​​30'erne, og der skulle de spille en sonateaften. Deres "sans for musik" viste sig at være så beslægtet, at ideen kom til at fortsætte denne tilfældige forening.

Talrige optrædener ved fælles aftener bragte en af ​​de største sovjetiske cellister, Svyatoslav Knushevitsij, tættere på Oistrakh og Oborin. Beslutningen om at skabe en permanent trio kom i 1940. Den første opførelse af dette bemærkelsesværdige ensemble fandt sted i 1941, men en systematisk koncertaktivitet begyndte i 1943. Trioen L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky i mange år (indtil 1962, da Knushevitsky døde) var den sovjetiske kammermusiks stolthed. Talrige koncerter af dette ensemble samlede uvægerligt fulde sale af et entusiastisk publikum. Hans forestillinger blev afholdt i Moskva, Leningrad. I 1952 rejste trioen til Beethoven-festlighederne i Leipzig. Oborin og Oistrakh fremførte hele cyklussen af ​​Beethovens sonater.

Trioens spil var kendetegnet ved en sjælden sammenhæng. Den bemærkelsesværdige tætte cantilena fra Knushevitsky, med sin lyd, fløjlsbløde klang, perfekt kombineret med den sølvfarvede lyd fra Oistrakh. Deres lyd blev suppleret med sang på klaveret Oborin. I musik afslørede og understregede kunstnerne dens lyriske side, deres spil var kendetegnet ved oprigtighed, blødhed, der kom fra hjertet. Generelt kan ensemblets udførende stil kaldes lyrisk, men med klassisk balance og stringens.

Oborin-Oistrakh Ensemble eksisterer stadig i dag. Deres sonateaftener efterlader et indtryk af stilistisk integritet og fuldstændighed. Poesien, der ligger i Oborins skuespil, kombineres med den musikalske tænknings karakteristiske logik; Oistrakh er en fremragende partner i denne henseende. Dette er et ensemble af udsøgt smag, sjælden musikalsk intelligens.

Oistrakh er kendt over hele verden. Han er præget af mange titler; i 1959 valgte Royal Academy of Music i London ham til æresmedlem, i 1960 blev han æresakademiker ved St. Cecilia i Rom; i 1961 – et tilsvarende medlem af det tyske kunstakademi i Berlin, samt medlem af det amerikanske videnskabs- og kunstakademi i Boston. Oistrakh blev tildelt Lenins orden og hæderstegnet; han blev tildelt titlen som People's Artist of the USSR. I 1961 blev han tildelt Lenin-prisen, den første blandt sovjetiske udøvende musikere.

I Yampolskys bog om Oistrakh er hans karaktertræk kortfattet og kort indfanget: ukuelig energi, hårdt arbejde, et skarpt kritisk sind, i stand til at bemærke alt, hvad der er karakteristisk. Dette fremgår af Oistrakhs domme om spil af fremragende musikere. Han ved altid, hvordan man påpeger det mest væsentlige, skitserer et nøjagtigt portræt, giver en subtil analyse af stilen, lægger mærke til det typiske i en musikers udseende. Hans domme kan man stole på, da de for det meste er upartiske.

Yampolsky bemærker også en sans for humor: "Han værdsætter og elsker et velrettet, skarpt ord, er i stand til at grine smitsomt, når han fortæller en sjov historie eller lytter til en tegneseriehistorie. Ligesom Heifetz kan han sjovt kopiere begyndende violinisters spil." Med den kolossale energi, han bruger hver dag, er han altid smart, tilbageholden. I hverdagen elsker han sport – i sine yngre år spillede han tennis; en fremragende bilist, passioneret glad for skak. I 30'erne var hans skakpartner S. Prokofiev. Før krigen havde Oistrakh i en årrække været formand for sportssektionen i Kunstnernes Centralhus og en førsteklasses skakmester.

På scenen er Oistrakh fri; han har ikke den spænding, der så overskygger mangfoldigheden af ​​et stort antal udøvende musikere. Lad os huske, hvor smerteligt bekymrede Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, hvor meget nervøs energi de brugte på hver forestilling. Oistrakh elsker scenen, og som han indrømmer, er det kun væsentlige pauser i forestillingen, der giver ham begejstring.

Oistrakhs arbejde går ud over rammerne for direkte udførende aktiviteter. Han bidrog meget til violinlitteraturen som redaktør; for eksempel er hans version (sammen med K. Mostras) af Tjajkovskijs violinkoncert fremragende, berigende og i høj grad korrigerende Auers version. Lad os også pege på Oistrakhs arbejde på begge Prokofievs violinsonater. Violinisterne skylder ham det faktum, at Anden Sonate, der oprindeligt blev skrevet for fløjte og violin, blev lavet om af Prokofjev til violin.

Oistrakh arbejder konstant på nye værker og er deres første fortolker. Listen over nye værker af sovjetiske komponister, "udgivet" af Oistrakh, er enorm. For blot at nævne nogle få: Sonater af Prokofiev, koncerter af Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Shostakovich. Oistrakh skriver nogle gange artikler om de stykker, han har spillet, og nogle musikforskere kan misunde hans analyse.

Storslåede er for eksempel analyserne af Violinkoncerten af ​​Myaskovsky, og især af Sjostakovitj.

Oistrakh er en fremragende lærer. Blandt hans elever er vindere af internationale konkurrencer V. Klimov; hans søn, i øjeblikket en fremtrædende koncertsolist I. Oistrakh, samt O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Mange udenlandske violinister stræber efter at komme ind i Oistrakhs klasse. Franskmændene M. Bussino og D. Arthur, tyrkeren E. Erduran, den australske violinist M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar fra Jugoslavien, bulgareren B. Lechev, rumænerne I. Voicu, S. Georgiou studerede under ham. Oistrakh elsker pædagogik og arbejder i klasseværelset med passion. Hans metode er hovedsageligt baseret på hans egen optrædende erfaring. “De kommentarer, han kommer med om den eller den anden metode, er altid kortfattede og ekstremt værdifulde; i hvert ord-råd viser han en dyb forståelse af instrumentets natur og teknikkerne til at spille violin.

Han lægger stor vægt på den direkte demonstration på instrumentet af læreren af ​​det stykke, som eleven studerer. Men kun at vise er efter hans mening nyttigt primært i den periode, hvor eleven analyserer arbejdet, fordi det yderligere kan hæmme udviklingen af ​​elevens kreative individualitet.

Oistrakh udvikler dygtigt sine elevers tekniske apparater. I de fleste tilfælde er hans kæledyr kendetegnet ved friheden til at besidde instrumentet. Samtidig er særlig opmærksomhed på teknologi på ingen måde karakteristisk for læreren Oistrakh. Han er meget mere interesseret i problemerne med musikalsk og kunstnerisk uddannelse af sine elever.

I de senere år har Oistrakh interesseret sig for at dirigere. Hans første optræden som dirigent fandt sted den 17. februar 1962 i Moskva - han akkompagnerede sin søn Igor, der opførte koncerterne af Bach, Beethoven og Brahms. “Oistrakhs dirigentstil er enkel og naturlig, ligesom hans måde at spille violin på. Han er rolig, nærig med unødvendige bevægelser. Han undertrykker ikke orkestret med sin dirigents "kraft", men giver det optrædende hold maksimal kreativ frihed, afhængig af medlemmernes kunstneriske intuition. En stor kunstners charme og autoritet har en uimodståelig effekt på musikerne."

I 1966 blev Oistrakh 58 år gammel. Han er dog fuld af aktiv kreativ energi. Hans dygtighed er stadig kendetegnet ved frihed, absolut perfektion. Det blev kun beriget af den kunstneriske oplevelse af et langt levet liv, fuldstændig viet til hans elskede kunst.

L. Raaben, 1967