Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

Og jeg havde et fædreland; Han er vidunderlig! A. Pleshcheev (fra G. Heine)

Rachmaninov blev skabt af stål og guld; Stål i hænderne, guld i hjertet. I. Hoffman

"Jeg er en russisk komponist, og mit hjemland har sat sit præg på min karakter og mine holdninger." Disse ord tilhører S. Rachmaninov, den store komponist, geniale pianist og dirigent. Alle de vigtigste begivenheder i det russiske sociale og kunstneriske liv blev afspejlet i hans kreative liv og efterlod et uudsletteligt mærke. Dannelsen og opblomstringen af ​​Rachmaninovs værk falder på 1890-1900-tallet, en tid hvor de mest komplekse processer fandt sted i russisk kultur, den åndelige puls slog febrilsk og nervøst. Den akutte lyriske følelse af den æra, der var iboende i Rachmaninov, var uvægerligt forbundet med billedet af hans elskede fædreland, med uendeligheden af ​​dets store vidder, kraften og voldelige dygtighed af dets elementære kræfter, den blide skrøbelighed af blomstrende forårsnatur.

Rachmaninovs talent manifesterede sig tidligt og lyst, selvom han indtil 4-årsalderen ikke viste meget iver for systematisk musikundervisning. Han begyndte at lære at spille klaver som 1882-årig, i 1885 blev han optaget på Sankt Petersborgs konservatorium, hvor han, overladt til sig selv, stort set rodede rundt, og i 1885 blev han forflyttet til Moskvas konservatorium. Her studerede Rachmaninoff klaver hos N. Zverev, derefter A. Siloti; i teoretiske fag og komposition – med S. Taneyev og A. Arensky. Da han boede på et pensionat med Zverev (89-XNUMX), gennemgik han en barsk, men meget rimelig arbejdsdisciplin, som gjorde ham fra en desperat doven og fræk person til en usædvanligt samlet og viljestærk person. "Det bedste, der er i mig, skylder jeg ham," - sådan sagde Rachmaninov senere om Zverev. På konservatoriet var Rachmaninoff stærkt påvirket af P. Tchaikovskys personlighed, som til gengæld fulgte udviklingen af ​​sin yndlings Seryozha og efter sin eksamen fra konservatoriet var med til at iscenesætte operaen Aleko i Bolshoi Theatre, vel vidende fra hans. egen trist oplevelse, hvor svært det er for en nybegynder musiker at lægge sin egen vej.

Rachmaninov dimitterede fra konservatoriet i klaver (1891) og komposition (1892) med en stor guldmedalje. På dette tidspunkt var han allerede forfatter til adskillige kompositioner, herunder det berømte præludium i c-moll, romantikken "In the Silence of the Secret Night", den første klaverkoncert, operaen "Aleko", skrevet som et afgangsværk på kun 17 dage! Fantasistykkerne, der fulgte, op. 3 (1892), Elegisk trio "Til minde om en stor kunstner" (1893), Suite for to klaverer (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romancer, symfoniske værker - "Klippen" (1893), Capriccio om sigøjnertemaer (1894) - bekræftede Rachmaninovs mening som et stærkt, dybt, originalt talent. De billeder og stemninger, der er karakteristiske for Rachmaninoff, optræder i disse værker i en bred vifte - fra den tragiske sorg i "Musical Moment" i h-mol til den hymniske apoteose af romancen "Spring Waters", fra det barske spontane-viljemæssige pres fra "Musical Moment" i e-mol til den fineste akvarel i romantikken "Island".

Livet i disse år var svært. Afgørende og kraftfuld i præstationer og kreativitet var Rachmaninoff af natur en sårbar person, der ofte oplevede selvtvivl. Forstyrret med materielle vanskeligheder, verdslig uorden, vandrer i mærkelige kroge. Og selvom han blev støttet af folk tæt på ham, primært familien Satin, følte han sig ensom. Det stærke chok forårsaget af fiaskoen i hans første symfoni, opført i St. Petersborg i marts 1897, førte til en kreativ krise. I flere år komponerede Rachmaninov ikke noget, men hans udøvende aktivitet som pianist blev intensiveret, og han fik sin debut som dirigent ved Moskvas private opera (1897). I løbet af disse år mødte han L. Tolstoj, A. Chekhov, kunstnere fra Kunstteatret, begyndte et venskab med Fjodor Chaliapin, som Rachmaninov betragtede som en af ​​"de mest kraftfulde, dybe og subtile kunstneriske oplevelser." I 1899 optrådte Rachmaninoff i udlandet for første gang (i London), og i 1900 besøgte han Italien, hvor skitser af den fremtidige opera Francesca da Rimini dukkede op. En glædelig begivenhed var opsætningen af ​​operaen Aleko i Skt. Petersborg i anledning af 100-året for A. Pushkin med Chaliapin som Aleko. Således var et internt vendepunkt gradvist ved at blive forberedt, og i begyndelsen af ​​1900-tallet. der var en tilbagevenden til kreativiteten. Det nye århundrede begyndte med den anden klaverkoncert, der lød som en mægtig alarm. Samtidige hørte i ham tidens stemme med dens spænding, eksplosivitet og en følelse af forestående forandringer. Nu er koncertens genre ved at blive den førende, det er i den, at hovedideerne er legemliggjort med den største fuldstændighed og rummelighed. En ny fase begynder i Rachmaninovs liv.

Generel anerkendelse i Rusland og i udlandet modtager hans pianistiske og dirigentvirksomhed. 2 år (1904-06) Rachmaninov arbejdede som dirigent på Bolshoi-teatret og efterlod i sin historie mindet om de vidunderlige opsætninger af russiske operaer. I 1907 deltog han i de russiske historiske koncerter arrangeret af S. Diaghilev i Paris, i 1909 optrådte han for første gang i Amerika, hvor han spillede sin tredje klaverkoncert dirigeret af G. Mahler. Intensiv koncertaktivitet i byerne i Rusland og i udlandet blev kombineret med ikke mindre intens kreativitet, og i musikken i dette årti (i kantaten "Forår" - 1902, i præludier op. 23, i finalerne af Anden Symfoni og den tredje koncert) er der megen glødende entusiasme og entusiasme. Og i sådanne kompositioner som romancerne "Lilac", "Det er godt her", i præludier i D-dur og G-dur, lød "musikken fra naturens syngende kræfter" med forbløffende penetration.

Men i samme år mærkes også andre stemninger. Triste tanker om fædrelandet og dets fremtidige skæbne, filosofiske overvejelser om liv og død giver anledning til tragiske billeder af den første klaversonate, inspireret af Goethes Faust, det symfoniske digt "De dødes ø" baseret på maleriet af den schweiziske kunstner A. Böcklin (1909), mange sider af den tredje koncert, romancer op. 26. Indre forandringer blev især mærkbare efter 1910. Hvis tragedien i den tredje koncert til sidst overvindes, og koncerten slutter med en jublende apoteose, så bliver den i de værker, der fulgte den, hele tiden dybere, og levendegør aggressive, fjendtlige billeder, dystre, nedtrykte stemninger. Det musikalske sprog bliver mere komplekst, det brede melodiske åndedrag, der er så karakteristisk for Rachmaninov, forsvinder. Sådan er det vokal-symfoniske digt "Klokkerne" (på st. E. Poe, oversat af K. Balmont - 1913); romancer op. 34 (1912) og op. 38 (1916); Etude-malerier op. 39 (1917). Men det var på dette tidspunkt, at Rachmaninoff skabte værker fulde af høj etisk betydning, som blev personificeringen af ​​vedvarende åndelig skønhed, kulminationen på Rachmaninovs melodi – “Vocalise” og “All-Night Vigil” for kor a cappella (1915). "Siden barndommen har jeg været fascineret af Oktoikhs storslåede melodier. Jeg har altid følt, at der er brug for en særlig, speciel stil til deres korforarbejdning, og det forekommer mig, at jeg fandt det i Vespererne. Jeg kan ikke lade være med at indrømme. at den første opførelse af den af ​​Moskva synodale kor gav mig en time med den mest lykkelige fornøjelse,” huskede Rachmaninov.

Den 24. december 1917 forlod Rachmaninov og hans familie Rusland, som det viste sig, for altid. I mere end et kvart århundrede boede han i et fremmed land, i USA, og denne periode var for det meste fuld af udmattende koncertvirksomhed, underlagt musikbranchens grusomme love. Rachmaninov brugte en betydelig del af sine honorarer til at yde materiel støtte til sine landsmænd i udlandet og i Rusland. Så hele samlingen til forestillingen i april 1922 blev overført til fordel for de sultende i Rusland, og i efteråret 1941 sendte Rakhmaninov mere end fire tusinde dollars til Den Røde Hærs hjælpefond.

I udlandet levede Rachmaninoff i isolation, hvilket begrænsede sin omgangskreds til immigranter fra Rusland. En undtagelse blev kun gjort for familien til F. Steinway, lederen af ​​klaverfirmaet, med hvem Rachmaninov havde venskabelige forbindelser.

De første år af sit ophold i udlandet forlod Rachmaninov ikke tanken om tabet af kreativ inspiration. "Efter at have forladt Rusland mistede jeg lysten til at komponere. Efter at have mistet mit hjemland, mistede jeg mig selv.” Kun 8 år efter at have forladt udlandet vender Rachmaninov tilbage til kreativiteten, skaber den fjerde klaverkoncert (1926), Three Russian Songs for Choir and Orchestra (1926), Variations on a Theme of Corelli for klaver (1931), Rhapsody on a Theme of Paganini (1934), Tredje symfoni (1936), "Symfoniske danse" (1940). Disse værker er Rachmaninoffs sidste, højeste stigning. En sørgelig følelse af uopretteligt tab, en brændende længsel efter Rusland giver anledning til en kunst med enorm tragisk kraft, der når sit klimaks i de symfoniske danse. Og i den strålende tredje symfoni inkarnerer Rachmaninoff det centrale tema i sit værk for sidste gang – billedet af fædrelandet. Den strengt koncentrerede intense tanke om kunstneren fremkalder ham fra århundreders dyb, han opstår som et uendeligt kært minde. I en kompleks sammenvævning af forskelligartede temaer, episoder opstår et bredt perspektiv, et dramatisk epos om fædrelandets skæbne genskabes, der ender med en sejrrig livsbekræftelse. Så gennem alle Rachmaninoffs værker bærer han ukrænkeligheden af ​​sine etiske principper, høj spiritualitet, troskab og uundgåelig kærlighed til fædrelandet, hvis personificering var hans kunst.

O. Averyanova

• Museumsgodset Rachmaninov i Ivanovka →
• Klaverværker af Rachmaninoff →
• Rachmaninoffs symfoniske værker →
• Rachmaninovs kammerinstrumentale kunst →
• Operaværker af Rachmaninoff →
• Korværker af Rachmaninoff →
• Romancer af Rachmaninoff →
• Rachmaninov-dirigent →

Karakteristika for kreativitet

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff er sammen med Skrjabin en af ​​de centrale skikkelser i russisk musik i 1900-tallet. Disse to komponisters værker tiltrak sig særlig opmærksomhed hos samtidige, de skændtes heftigt om det, skarpe trykte diskussioner begyndte omkring deres individuelle værker. På trods af al uligheden i det individuelle udseende og den figurative struktur af Rachmaninovs og Skrjabins musik, optrådte deres navne ofte side om side i disse stridigheder og blev sammenlignet med hinanden. Der var rent ydre grunde til en sådan sammenligning: begge var elever fra Moskva-konservatoriet, som dimitterede fra det næsten samtidigt og studerede med de samme lærere, begge skilte sig straks ud blandt deres jævnaldrende ved styrken og lysstyrken af ​​deres talent og modtog anerkendelse ikke kun som højt talentfulde komponister, men også som fremragende pianister.

Men der var også mange ting, der adskilte dem og nogle gange satte dem på forskellige sider af musiklivet. Den dristige innovatør Skrjabin, der åbnede nye musikalske verdener, var modstander af Rachmaninov som en mere traditionelt tænkende kunstner, der baserede sit arbejde på det solide grundlag for den nationale klassiske arv. "G. Rachmaninoff, skrev en af ​​kritikerne, er den søjle, som alle forkæmpere for den virkelige retning er grupperet omkring, alle dem, der værner om grundlaget lagt af Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov og Tjajkovskij.

Men på trods af al forskellen i Rachmaninovs og Skrjabins positioner i deres nutidige musikalske virkelighed, blev de bragt ikke kun sammen af ​​de generelle betingelser for opdragelse og vækst af en kreativ personlighed i deres ungdom, men også af nogle dybere træk ved fællestræk. . "Et rebelsk, rastløst talent" - sådan blev Rakhmaninov engang karakteriseret i pressen. Det var denne rastløse impulsivitet, spændingen i den følelsesmæssige tone, karakteristisk for begge komponisters værker, der gjorde det særligt kært og tæt på brede kredse af det russiske samfund i begyndelsen af ​​det XNUMX. århundrede med deres ængstelige forventninger, forhåbninger og håb. .

"Skrijabin og Rachmaninov er de to 'herskere over musikalske tanker' i den moderne russiske musikverden <...> Nu deler de hegemoni indbyrdes i den musikalske verden," indrømmede LL Sabaneev, en af ​​de mest ivrige apologeter for den første og en lige så stædig modstander og modstander af anden. En anden kritiker, mere moderat i sine domme, skrev i en artikel viet til en sammenlignende beskrivelse af de tre mest fremtrædende repræsentanter for Moskvas musikskole, Taneyev, Rachmaninov og Skrjabin: tonen i det moderne, febrilsk intense liv. Begge dele er det moderne Ruslands bedste håb."

I lang tid dominerede synet på Rachmaninoff som en af ​​Tjajkovskijs nærmeste arvinger og efterfølgere. Indflydelsen fra forfatteren af ​​The Queen of Spades spillede utvivlsomt en væsentlig rolle i dannelsen og udviklingen af ​​hans arbejde, hvilket er helt naturligt for en kandidat fra Moskvas konservatorium, en elev af AS Arensky og SI Taneyev. Samtidig opfattede han også nogle af kendetegnene ved "Petersburg"-komponistskolen: Tjajkovskijs begejstrede lyrik kombineres i Rachmaninov med Borodins barske episke storhed, Mussorgskys dybe indtrængen i systemet af gammel russisk musikalsk tænkning og den poetiske opfattelse af Rimsky-Korsakovs indfødte natur. Men alt, hvad lærere og forgængere lærte, blev dybt gentænket af komponisten, idet han adlød hans stærke kreative vilje og fik en ny, fuldstændig selvstændig individuel karakter. Rachmaninovs dybt originale stil har stor intern integritet og organiskhed.

Hvis vi leder efter paralleller til ham i den russiske kunstneriske kultur fra århundredskiftet, så er dette først og fremmest Chekhov-Bunin-linjen i litteraturen, de lyriske landskaber fra Levitan, Nesterov, Ostroukhov i maleriet. Disse paralleller er gentagne gange blevet bemærket af forskellige forfattere og er blevet næsten stereotype. Det er kendt med hvilken brændende kærlighed og respekt Rakhmaninov behandlede Tjekhovs arbejde og personlighed. Allerede i de senere år af sit liv, da han læste forfatterens breve, fortrød han, at han ikke havde mødt ham nærmere i sin tid. Komponisten var i mange år forbundet med Bunin af gensidig sympati og fælles kunstneriske synspunkter. De blev bragt sammen og beslægtet af en lidenskabelig kærlighed til deres oprindelige russiske natur, for tegnene på et simpelt liv, der allerede i umiddelbar nærhed af en person forlader verden omkring ham, den poetiske holdning i verden, farvet af dyb gennemtrængende lyrik, tørsten efter åndelig befrielse og befrielse fra de lænker, der begrænser den menneskelige persons frihed.

Inspirationskilden for Rachmaninov var en række impulser, der udgik fra det virkelige liv, naturens skønhed, billeder af litteratur og maleri. "... jeg oplever," sagde han, "at musikalske ideer fødes i mig med større lethed under indflydelse af visse ekstra-musikalske indtryk." Men samtidig stræbte Rachmaninov ikke så meget for en direkte afspejling af visse virkelighedsfænomener ved hjælp af musik, for at "male i lyde", men for at udtrykke hans følelsesmæssige reaktion, følelser og oplevelser, der opstår under indflydelse af forskellige eksternt modtagne indtryk. I denne forstand kan vi tale om ham som en af ​​de mest slående og typiske repræsentanter for den poetiske realisme i 900-tallet, hvis hovedtrend med succes blev formuleret af VG Korolenko: "Vi afspejler ikke kun fænomener, som de er og gør. ikke skabe en illusion ud af indfald ikke-eksisterende verden. Vi skaber eller manifesterer et nyt forhold mellem den menneskelige ånd og den omgivende verden, som er født i os.

Et af de mest karakteristiske træk ved Rachmaninovs musik, som først og fremmest tiltrækker opmærksomhed, når man stifter bekendtskab med den, er den mest udtryksfulde melodi. Blandt sine samtidige skiller han sig ud for sin evne til at skabe vidtrækkende og lange udfoldende melodier med stor vejrtrækning, der kombinerer tegningens skønhed og plasticitet med lyst og intenst udtryk. Melodisme, melodiøsitet er hovedkvaliteten i Rachmaninovs stil, som i høj grad bestemmer arten af ​​komponistens harmoniske tænkning og teksturen af ​​hans værker, mættet som regel med selvstændige stemmer, der enten bevæger sig i forgrunden eller forsvinder i en tæt tæt sundt stof.

Rachmaninoff skabte sin egen helt specielle type melodi, baseret på en kombination af Tjajkovskijs karakteristiske teknikker – intensiv dynamisk melodisk udvikling med metoden med varianttransformationer, udført mere smidigt og roligt. Efter et hurtigt take-off eller en lang intens opstigning til toppen, fryser melodien så at sige på det opnåede niveau, og vender uvægerligt tilbage til én længe sunget lyd, eller vender langsomt, med skyhøje afsatser, tilbage til sin oprindelige højde. Det omvendte forhold er også muligt, når et mere eller mindre langt ophold i én begrænset højhøjdezone pludselig bliver brudt af melodiens forløb i et bredt interval, hvilket introducerer en nuance af skarpt lyrisk udtryk.

I en sådan gensidig gennemtrængning af dynamik og statik ser LA Mazel et af de mest karakteristiske træk ved Rachmaninovs melodi. En anden forsker tillægger forholdet mellem disse principper en mere generel betydning i Rachmaninovs arbejde, og peger på vekslen mellem øjeblikke af "bremsning" og "gennembrud", der ligger til grund for mange af hans værker. (VP Bobrovsky udtrykker en lignende idé, idet han bemærker, at "miraklet ved Rachmaninoffs individualitet ligger i den unikke organiske enhed af to modsat rettede tendenser og deres syntese, der kun er iboende i ham" - en aktiv aspiration og en tendens til "at blive længe ved det, der har været opnået.”). En hang til kontemplativ lyrik, langvarig fordybelse i en eller anden sindstilstand, som om komponisten ville stoppe den flygtige tid, kombineret han med en enorm, brusende ydre energi, en tørst efter aktiv selvbekræftelse. Derfor styrken og skarpheden af ​​kontraster i hans musik. Han søgte at bringe enhver følelse, enhver sindstilstand til den ekstreme grad af udtryk.

I Rachmaninovs frit udfoldende lyriske melodier med deres lange, uafbrudte åndedræt hører man ofte noget, der ligner den "uundgåelige" bredde af den russiske dvælende folkesang. Samtidig var sammenhængen mellem Rachmaninovs kreativitet og folkesangskrivning af meget indirekte karakter. Kun i sjældne, isolerede tilfælde greb komponisten til brugen af ​​ægte folkemelodier; han stræbte ikke efter en direkte lighed mellem sine egne melodier og folkelige. "I Rachmaninov," skriver forfatteren til et særligt værk om hans melodier med rette, "opstår der sjældent direkte forbindelse med visse genrer af folkekunst. Specifikt synes genren ofte at opløses i folkets generelle "følelse" og er ikke, som det var med hans forgængere, den cementerende begyndelse på hele processen med at forme og blive et musikalsk billede. Gentagne gange er opmærksomheden blevet henledt på sådanne karakteristiske træk ved Rachmaninovs melodi, som bringer den tættere på den russiske folkesang, såsom glathed i bevægelse med en overvægt af trinvise bevægelser, diatonisme, en overflod af frygiske vendinger osv. Dybt og organisk assimileret af komponisten bliver disse træk en umistelig egenskab ved hans individuelle forfatters stil, idet de får en særlig udtryksfuld farve, der kun er ejendommelig for ham.

Den anden side af denne stil, lige så uimodståeligt imponerende som den melodiske rigdom i Rachmaninovs musik, er en usædvanlig energisk, imperiøst erobrende og på samme tid fleksibel, til tider finurlig rytme. Både komponistens samtidige og senere forskere skrev meget om netop denne Rachmaninoff-rytme, som ufrivilligt tiltrækker lytterens opmærksomhed. Ofte er det rytmen, der bestemmer musikkens hovedtone. AV Ossovsky bemærkede i 1904 vedrørende sidste sats af Anden Suite for To Klaverer, at Rachmaninov i den "ikke var bange for at uddybe Tarantella-formens rytmiske interesse til en rastløs og mørklagt sjæl, der ikke var fremmed for angreb af en slags dæmonisme. gange."

Rhythm optræder i Rachmaninov som en bærer af et effektivt viljeprincip, der dynamiserer det musikalske stof og introducerer en lyrisk "flod af følelser" i hovedstrømmen af ​​en harmonisk arkitektonisk komplet helhed. BV Asafiev, der sammenlignede det rytmiske princips rolle i Rachmaninov og Tchaikovskys værker, skrev: "Men i sidstnævnte manifesterede den grundlæggende karakter af hans" rastløse "symfoni sig med særlig kraft i den dramatiske kollision af selve temaerne. I Rachmaninovs musik viser det meget passionerede i sin kreative integritet, foreningen af ​​det lyrisk-kontemplative varehus af følelse med det viljestærke organisatoriske lager af komponisten-performerens "jeg" sig at være den "individuelle sfære" af personlig kontemplation, som blev styret af rytme i betydningen af ​​den viljemæssige faktor ... ". Det rytmiske mønster i Rachmaninov er altid meget tydeligt skitseret, uanset om rytmen er enkel, endda som de tunge, afmålte slag fra en stor klokke, eller kompleks, indviklet blomstrende. Favorit hos komponisten, især i værkerne fra 1910'erne, giver rytmisk ostinato rytmen ikke kun formativ, men i nogle tilfælde også tematisk betydning.

Inden for harmonien gik Rachmaninoff ikke ud over det klassiske dur-mol-system i den form, det fik i værket af europæiske romantiske komponister, Tjajkovskij og repræsentanter for Den Mægtige Håndfuld. Hans musik er altid tonalt defineret og stabil, men ved at bruge midlerne til klassisk-romantisk tonal harmoni var han karakteriseret ved nogle karakteristiske træk, hvorved det ikke er svært at fastslå forfatterskabet til den ene eller anden komposition. Blandt sådanne særlige individuelle træk ved Rachmaninovs harmoniske sprog er for eksempel den velkendte langsomhed i funktionelle bevægelser, tendensen til at blive i én toneart i lang tid og nogle gange svækkelsen af ​​tyngdekraften. Opmærksomheden henledes på overfloden af ​​komplekse multi-tert-formationer, rækker af ikke- og undecimale akkorder, der ofte har mere farverig, lydmæssig end funktionel betydning. Forbindelsen af ​​denne slags komplekse harmonier udføres for det meste ved hjælp af melodisk forbindelse. Dominansen af ​​det melodiske sangelement i Rachmaninovs musik bestemmer den høje grad af polyfonisk mætning af dets lydstof: individuelle harmoniske komplekser opstår konstant som et resultat af den frie bevægelse af mere eller mindre uafhængige "sangstemmer".

Der er en favorit harmonisk vending af Rachmaninoff, som han brugte så ofte, især i kompositionerne fra den tidlige periode, at han endda modtog navnet "Rachmaninovs harmoni". Denne omsætning er baseret på en reduceret indledende syvende akkord af en harmonisk mol, sædvanligvis brugt i form af et terzkvartakkord med udskiftning af II grad III og opløsning til en tonisk treklang i den melodiske tredje position.

Flytningen til en reduceret kvart, der i dette tilfælde opstår i den melodiske stemme, fremkalder en gribende sørgmodig følelse.

Som et af de bemærkelsesværdige træk ved Rachmaninovs musik bemærkede en række forskere og iagttagere dens dominerende mindre farve. Alle hans fire klaverkoncerter, tre symfonier, begge klaversonater, de fleste etuder-billeder og mange andre kompositioner blev skrevet i mol. Selv major får ofte en mindre farve på grund af faldende ændringer, toneafvigelser og den udbredte brug af mindre sidetrin. Men få komponister har opnået så mange nuancer og grader af udtryksfuld koncentration i brugen af ​​moltonen. LE Gakkels bemærkning om, at i etuderne-malerierne op. 39 "i betragtning af det bredeste udvalg af mindre farver af væren, mindre nuancer af livsfølelse" kan udvides til en væsentlig del af alt Rachmaninoffs arbejde. Kritikere som Sabaneev, der nærede en fordomsfuld fjendtlighed over for Rachmaninov, kaldte ham "en intelligent klynker", hvis musik afspejler "den tragiske hjælpeløshed hos en mand uden viljestyrke." I mellemtiden lyder Rachmaninovs tætte "mørke" mol ofte modigt, protesterende og fuld af enorm viljespænding. Og hvis sørgmodige toner fanges af øret, så er dette den "ædle sorg" af patriotkunstneren, den "dæmpede støn om fædrelandet", som blev hørt af M. Gorky i nogle af Bunins værker. Som denne forfatter tæt på ham i ånden, tænkte Rachmaninov, med Gorkys ord, "på Rusland som helhed", beklagede hendes tab og oplevede angst for fremtidens skæbne.

Det kreative billede af Rachmaninov i dets hovedtræk forblev integreret og stabilt gennem komponistens halve århundredes rejse uden at opleve skarpe brud og ændringer. Æstetiske og stilistiske principper, lært i sin ungdom, var han trofast til de sidste år af sit liv. Ikke desto mindre kan vi observere en vis udvikling i hans arbejde, som manifesterer sig ikke kun i væksten af ​​færdigheder, berigelse af lydpaletten, men også delvist påvirker musikkens figurative og ekspressive struktur. På denne vej er tre store, skønt ulige både i varighed og med hensyn til deres produktivitetsgrad, klart skitseret. De er afgrænset fra hinanden af ​​mere eller mindre langvarige midlertidige cæsurer, bånd af tvivl, refleksion og tøven, når der ikke kom et eneste færdigt værk ud af komponistens pen. Den første periode, som falder på 90'erne af det XNUMXth århundrede, kan kaldes en tid med kreativ udvikling og modning af talent, som gik for at hævde sin vej gennem at overvinde naturlige påvirkninger i en tidlig alder. Værkerne i denne periode er ofte endnu ikke selvstændige nok, ufuldkomne i form og tekstur. (Nogle af dem (Første klaverkoncert, Elegiac Trio, klaverstykker: Melody, Serenade, Humoresque) blev senere revideret af komponisten, og deres tekstur blev beriget og udviklet.), selvom på en række af deres sider (de bedste øjeblikke i den ungdommelige opera "Aleko", den elegiiske trio til minde om PI Tchaikovsky, den berømte præludium i cis-mol, nogle af de musikalske øjeblikke og romancer), komponistens individualitet er allerede blevet afsløret med tilstrækkelig sikkerhed.

En uventet pause kommer i 1897, efter den mislykkede opførelse af Rachmaninovs første symfoni, et værk, hvor komponisten investerede en masse arbejde og åndelig energi, som blev misforstået af de fleste musikere og næsten enstemmigt fordømt på pressens sider, endda latterliggjort af nogle af kritikerne. Symfoniens fiasko forårsagede et dybt mentalt traume hos Rachmaninoff; ifølge sin egen, senere tilståelse, "var han som en mand, der fik et slagtilfælde, og som i lang tid mistede både hoved og hænder." De næste tre år var år med næsten fuldstændig kreativ tavshed, men samtidig koncentrerede refleksioner, en kritisk revurdering af alt tidligere gjort. Resultatet af komponistens intense interne arbejde på sig selv var en usædvanlig intens og lys kreativ opsving i begyndelsen af ​​det nye århundrede.

I løbet af de første tre eller fire år af det 23. århundrede skabte Rakhmaninov en række værker af forskellige genrer, bemærkelsesværdige for deres dybe poesi, friskhed og umiddelbarhed af inspiration, hvor rigdommen af ​​kreativ fantasi og originaliteten af ​​forfatterens "håndskrift" kombineres med højt færdigt håndværk. Blandt dem er den anden klaverkoncert, den anden suite for to klaverer, sonaten for cello og klaver, kantaten "Forår", Ti præludier op. XNUMX, operaen "Francesca da Rimini", nogle af de bedste eksempler på Rachmaninovs vokaltekster ("Lilac", "Uddrag fra A. Musset"), Denne serie af værker etablerede Rachmaninoffs position som en af ​​de største og mest interessante russiske komponister af vor tid, hvilket bragte ham en bred anerkendelse i den kunstneriske intelligentsias kredse og blandt tilhørermasserne.

En relativt kort periode fra 1901 til 1917 var den mest frugtbare i hans arbejde: I løbet af dette halvandet årti blev de fleste af de modne, selvstændige i stilen af ​​Rachmaninovs værker skrevet, som blev en integreret del af de nationale musikklassikere. Næsten hvert år bragte nye opuser, hvis udseende blev en bemærkelsesværdig begivenhed i musiklivet. Med Rachmaninoffs uophørlige kreative aktivitet forblev hans arbejde ikke uændret i denne periode: ved overgangen til de første to årtier er symptomer på et brygskifte mærkbare i det. Uden at miste sine generelle "generiske" kvaliteter bliver den mere alvorlig i tonen, forstyrrende stemninger intensiveres, mens den direkte udstrømning af lyrisk følelse synes at bremse, lette transparente farver optræder sjældnere på komponistens lydpalet, musikkens overordnede farve. mørkere og tykkere. Disse ændringer er mærkbare i den anden serie af klaverpræludier, op. 32, to cyklusser af etude-malerier, og især så monumentale store kompositioner som "Klokkerne" og "All-Night Vigil", der stiller dybe, grundlæggende spørgsmål om menneskets eksistens og en persons livsformål.

Udviklingen, som Rachmaninov oplevede, undgik ikke hans samtidiges opmærksomhed. En af kritikerne skrev om The Bells: “Rakhmaninov ser ud til at være begyndt at lede efter nye stemninger, en ny måde at udtrykke sine tanker på … Man mærker her Rachmaninovs genfødte nye stil, som intet har til fælles med Tjajkovskijs stil. ”

Efter 1917 begynder en ny pause i Rachmaninovs arbejde, denne gang meget længere end den forrige. Først efter et helt årti vendte komponisten tilbage til at komponere musik efter at have arrangeret tre russiske folkesange for kor og orkester og afsluttet den fjerde klaverkoncert, der begyndte på tærsklen til Første Verdenskrig. I løbet af 30'erne skrev han (bortset fra nogle få koncerttransskriptioner for klaver) kun fire, dog væsentlige med hensyn til idéen om større værker.

* * *

I et miljø med komplekse, ofte modstridende søgninger, en skarp, intens kamp med retninger, en nedbrydning af de sædvanlige former for kunstnerisk bevidsthed, der karakteriserede udviklingen af ​​musikkunst i første halvdel af det XNUMX. århundrede, forblev Rachmaninoff tro mod det store klassiske traditioner for russisk musik fra Glinka til Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov og deres nærmeste, direkte elever og tilhængere af Taneyev, Glazunov. Men han begrænsede sig ikke til rollen som vogter af disse traditioner, men opfattede dem aktivt, kreativt og hævdede deres levende, uudtømmelige kraft, evnen til yderligere udvikling og berigelse. En følsom, påvirkelig kunstner, Rachmaninov, på trods af sin overholdelse af klassikernes forskrifter, forblev ikke døv over for modernitetens kald. I hans holdning til de nye stilistiske tendenser i det XNUMXth århundrede var der et øjeblik ikke kun af konfrontation, men også af en vis interaktion.

Over en periode på et halvt århundrede har Rachmaninovs værk gennemgået en betydelig udvikling, og værkerne fra ikke kun 1930'erne, men også 1910'erne adskiller sig væsentligt både i deres figurative struktur og i sprog, musikalske udtryksmidler fra de tidlige, endnu ikke helt uafhængige opus af slutningen af ​​den forrige. århundreder. I nogle af dem kommer komponisten i kontakt med impressionisme, symbolisme, nyklassicisme, selvom han på en dybt særegen måde opfatter elementerne i disse tendenser individuelt. Med alle ændringerne og drejningerne forblev Rachmaninovs kreative billede internt meget integreret, idet det bibeholdt de grundlæggende, definerende træk, som hans musik skylder sin popularitet til det bredeste udvalg af lyttere: passioneret, fængslende lyrik, sandfærdighed og oprigtighed i udtryk, poetisk vision af verden .

Yu. Kom nu

Rachmaninoff dirigent

Rachmaninov gik over i historien ikke kun som komponist og pianist, men også som en fremragende dirigent i vor tid, selvom denne side af hans aktivitet ikke var så lang og intens.

Rachmaninov debuterede som dirigent i efteråret 1897 på Mamontov Private Opera i Moskva. Før det behøvede han ikke at lede et orkester og studere dirigering, men musikerens strålende talent hjalp Rachmaninoff med hurtigt at lære mesterskabets hemmeligheder. Det er tilstrækkeligt at huske, at han knap nåede at gennemføre den første prøve: han vidste ikke, at sangerne behøvede at angive introduktionerne; og et par dage senere havde Rachmaninov allerede gjort sit arbejde perfekt og dirigeret Saint-Saens' opera Samson og Delilah.

"Året for mit ophold på Mamontov-operaen var af stor betydning for mig," skrev han. "Der fik jeg en ægte dirigentteknik, som senere tjente mig enormt." I løbet af sæsonen med arbejdet som teatrets anden dirigent dirigerede Rachmaninov femogtyve forestillinger af ni operaer: "Samson og Delilah", "Havfrue", "Carmen", "Orpheus" af Gluck, "Rogneda" af Serov, " Mignon" af Tom, "Askold's Grave", "The Enemy force", "May night". Pressen bemærkede straks klarheden i hans dirigents stil, naturlighed, manglende kropsholdning, en jernsans for rytme, der blev overført til de optrædende, delikat smag og en vidunderlig sans for orkestrale farver. Med erhvervelsen af ​​erfaring begyndte disse træk ved Rachmaninoff som musiker at manifestere sig fuldt ud, suppleret med selvtillid og autoritet i arbejdet med solister, kor og orkester.

I de næste par år dirigerede Rachmaninoff, der var optaget af komposition og pianistisk aktivitet, kun lejlighedsvis. Hans dirigenttalents storhedstid falder i perioden 1904-1915. I to sæsoner har han arbejdet på Bolsjojteatret, hvor hans fortolkning af russiske operaer nyder særlig succes. Historiske begivenheder i teatrets liv kaldes af kritikere for Ivan Susanins jubilæumsforestilling, som han dirigerede til ære for XNUMX-året for Glinkas fødsel, og Tchaikovsky's Week, hvor Rachmaninov dirigerede Spades dronning, Eugene Onegin, Oprichnik og balletter.

Senere instruerede Rachmaninov opførelsen af ​​Spadedronningen i St. Petersborg; anmelderne var enige om, at det var ham, der var den første til at forstå og formidle hele operaens tragiske betydning til publikum. Blandt Rachmaninovs kreative succeser på Bolsjojteatret er også hans produktion af Rimsky-Korsakovs Pan Voevoda og hans egne operaer Den elendige ridder og Francesca da Rimini.

På symfoniscenen viste Rachmaninov fra de allerførste koncerter, at han var en komplet mester i enorm skala. Tilnavnet "strålende" ledsagede bestemt anmeldelser af hans præstationer som dirigent. Oftest optrådte Rachmaninoff ved dirigentens stand ved koncerter i Moscow Philharmonic Society såvel som med Siloti- og Koussevitzky-orkestrene. I 1907-1913 dirigerede han meget i udlandet – i byerne Frankrig, Holland, USA, England, Tyskland.

Rachmaninovs repertoire som dirigent var i disse år usædvanligt mangefacetteret. Han var i stand til at trænge ind i værkets mest forskelligartede stil og karakter. Naturligvis var russisk musik nærmest ham. Han genoplivede på scenen Borodins Bogatyrsymfoni, næsten glemt på det tidspunkt, bidrog til populariteten af ​​Lyadovs miniaturer, som han udførte med enestående glans. Hans fortolkning af Tjajkovskijs musik (især 4. og 5. symfoni) var præget af ekstraordinær betydning og dybde; i Rimsky-Korsakovs værker var han i stand til at udfolde den klareste farveskala for publikum, og i Borodins og Glazunovs symfonier betog han publikum med episk bredde og dramatisk fortolkningsintegritet.

En af højdepunkterne i Rachmaninovs dirigentkunst var fortolkningen af ​​Mozarts g-molsymfoni. Kritikeren Wolfing skrev: "Hvad betyder mange skrevne og trykte symfonier før Rachmaninovs opførelse af Mozarts g-moll symfoni! … Det russiske kunstneriske geni forvandlede og viste for anden gang den kunstneriske karakter af forfatteren til denne symfoni. Vi kan ikke kun tale om Pushkins Mozart, men også om Rachmaninovs Mozart...”

Samtidig finder vi en masse romantisk musik i Rachmaninovs programmer – for eksempel Berlioz' Fantastiske symfoni, Mendelssohns og Francks symfonier, Webers Oberonouverture og fragmenter fra Wagners operaer, Liszts digt og Griegs Lyriske Suite... Og ved siden af ​​– en storslået forestilling moderne forfattere – symfoniske digte af R. Strauss, værker af impressionister: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … Og selvfølgelig var Rachmaninov en uovertruffen fortolker af sine egne symfoniske kompositioner. Den velkendte sovjetiske musikforsker V. Yakovlev, som hørte Rachmaninov mere end én gang, husker: "Ikke kun offentligheden og kritikere, erfarne orkestermedlemmer, professorer, kunstnere anerkendte hans lederskab som det højeste punkt i denne kunst ... Hans arbejdsmetoder var reduceret ikke så meget til et show, men til adskilte bemærkninger, betyde forklaringer, ofte sang han eller i en eller anden form forklarede, hvad han tidligere havde overvejet. Alle, der var til stede ved hans koncerter, husker de brede, karakteristiske bevægelser af hele hånden, der ikke kun kommer fra penslen; nogle gange blev disse hans gestus anset for at være overdrevne af orkestermedlemmerne, men de var velkendte for ham og forstod dem. Der var ingen kunstighed i bevægelser, positurer, ingen effekt, ingen håndtegning. Der var grænseløs lidenskab, forudgået af tanke, analyse, forståelse og indsigt i kunstnerens stil.

Lad os tilføje, at dirigenten Rachmaninoff også var en uovertruffen ensemblespiller; solister i hans koncerter var sådanne kunstnere som Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals og i operaforestillinger Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Efter 1913 nægtede Rachmaninoff at opføre værker af andre forfattere og dirigerede kun sine egne kompositioner. Først i 1915 afveg han fra denne regel ved at gennemføre en koncert til minde om Skrjabin. Men selv senere var hans ry som dirigent usædvanligt højt over hele verden. Det er tilstrækkeligt at sige, at han umiddelbart efter ankomsten til USA i 1918 blev tilbudt ledelsen af ​​de største orkestre i landet - i Boston og Cincinnati. Men på det tidspunkt kunne han ikke længere bruge tid på dirigering, tvunget til at dirigere intens koncertaktivitet som pianist.

Først i efteråret 1939, da en cyklus af koncerter fra Rachmaninovs værker blev arrangeret i New York, gik komponisten med til at dirigere en af ​​dem. Philadelphia Orchestra fremførte derefter den tredje symfoni og klokkerne. Han gentog det samme program i 1941 i Chicago, og et år senere instruerede han opførelsen af ​​"Isle of the Dead" og "Symphonic Dances" i Egan Arbor. Kritikeren O. Daune skrev: "Rakhmaninov beviste, at han har samme dygtighed og kontrol over præstationer, musikalitet og kreativ kraft, idet han leder orkestret, som han viser, når han spiller klaver. Karakteren og stilen i hans spil, såvel som hans dirigering, rammer med ro og selvtillid. Det er det samme fuldstændige fravær af pragt, den samme følelse af værdighed og åbenlyse tilbageholdenhed, den samme beundringsværdige kejserlige kraft. Indspilningerne af De dødes ø, Vocalise og den tredje symfoni, der blev lavet på det tidspunkt, har for os bevaret beviser på den geniale russiske musikers dirigentkunst.

L. Grigoriev, J. Platek