Grigory Lipmanovich Sokolov (Grigory Sokolov) |

Grigory Sokolov

Der er en gammel lignelse om en rejsende og en klog mand, der mødtes på en øde vej. "Er der langt til den nærmeste by?" spurgte den rejsende. "Gå," svarede vismanden kort. Overrasket over den fåmælte gamle mand var den rejsende ved at gå videre, da han pludselig hørte bagfra: "Du kommer dertil om en time." "Hvorfor svarede du mig ikke med det samme? "Jeg skulle have kigget hastighed om dit skridt.

• Klavermusik i Ozons onlinebutik →

Hvor vigtigt er det – hvor hurtigt er skridtet... Det sker faktisk ikke, at en kunstner kun bliver bedømt ud fra sin præstation ved en konkurrence: viste han sit talent, sine tekniske færdigheder, sin træning osv. De laver prognoser, laver gætter på sin fremtid og glemmer, at det vigtigste er hans næste skridt. Vil det være glat og hurtigt nok. Grigory Sokolov, guldmedaljevinderen i den tredje Tchaikovsky-konkurrence (1966), havde et hurtigt og selvsikkert næste skridt.

Hans optræden på Moskva-scenen vil forblive i konkurrencehistoriens annaler i lang tid. Dette sker virkelig ikke særlig tit. I første omgang, i første runde, lagde nogle af eksperterne ikke skjul på deres tvivl: var det overhovedet værd at inkludere en så ung musiker, en elev fra skolens niende klasse, blandt deltagerne? (Da Sokolov kom til Moskva for at deltage i den tredje Tchaikovsky-konkurrence, var han kun seksten år gammel.). Efter anden etape af konkurrencen blev navnene på amerikaneren M. Dichter, hans landsmænd J. Dick og E. Auer, franskmanden F.-J. Thiolier, sovjetiske pianister N. Petrov og A. Slobodyanik; Sokolov blev kun nævnt kort og i forbifarten. Efter tredje runde blev han erklæret som vinder. Desuden den eneste vinder, som ikke engang delte sin pris med en anden. For mange var dette en komplet overraskelse, inklusive ham selv. ("Jeg husker godt, at jeg tog til Moskva, til konkurrencen, bare for at spille, for at prøve mig frem. Jeg regnede ikke med nogen sensationelle triumfer. Sandsynligvis var det det, der hjalp mig ...") (Et symptomatisk udsagn, der på mange måder gentager R. Kerers erindringer. I psykologisk henseende er domme af denne art af ubestridelig interesse. – G. Ts.)

Nogle mennesker på det tidspunkt efterlod ikke tvivl – er det sandt, er juryens afgørelse retfærdig? Fremtiden svarede ja til dette spørgsmål. Det bringer altid endelig klarhed over resultaterne af konkurrerende kampe: hvad der viste sig at være legitimt i dem, retfærdiggjorde sig selv, og hvad gjorde ikke.

Grigory Lipmanovich Sokolov modtog sin musikalske uddannelse på en specialskole ved Leningrad-konservatoriet. Hans lærer i klaverklassen var LI Zelikhman, han studerede hos hende i omkring elleve år. I fremtiden studerede han hos den berømte musiker, professor M. Ya. Khalfin - han dimitterede fra konservatoriet under hans ledelse, derefter efterskole.

De siger, at Sokolov fra barndommen var kendetegnet ved en sjælden arbejdsomhed. Allerede fra skolebænken var han på den gode måde stædig og vedholdende i sine studier. Og i dag er i øvrigt mange timers arbejde ved tastaturet (hver dag!) en regel for ham, som han nøje overholder. "Talent? Dette er kærlighed til ens arbejde,” sagde Gorky engang. En efter en, hvordan og hvor meget Sokolov arbejdede og fortsætter med at arbejde, det var altid klart, at dette var et rigtigt, stort talent.

"Udøvende musikere bliver ofte spurgt, hvor meget tid de bruger på deres studier," siger Grigory Lipmanovich. ”Svarene i disse sager ser efter min mening noget kunstige ud. For det er simpelthen umuligt at beregne arbejdshastigheden, som mere eller mindre præcist ville afspejle tingenes sande tilstand. Det ville trods alt være naivt at tro, at en musiker kun arbejder i de timer, hvor han er ved instrumentet. Han har hele tiden travlt med sit arbejde....

Hvis jeg alligevel skal gribe dette spørgsmål mere eller mindre formelt an, så vil jeg svare på denne måde: I gennemsnit bruger jeg omkring seks timer om dagen ved klaveret. Selvom jeg gentager, alt dette er meget relativt. Og ikke kun fordi dag efter dag ikke er nødvendig. Først og fremmest fordi at spille et instrument og skabende arbejde som sådan ikke er de samme ting. Der er ingen måde at sætte et lighedstegn mellem dem. Den første er bare en del af den anden.

Det eneste, jeg vil tilføje til det, der er blevet sagt, er, at jo mere en musiker gør – i ordets bredeste forstand – jo bedre.

Lad os vende tilbage til nogle fakta om Sokolovs kreative biografi og refleksioner forbundet med dem. I en alder af 12 gav han det første clavierabend i sit liv. De, der havde en chance for at besøge det, husker, at hans spil allerede på det tidspunkt (han var en elev i sjette klasse) fængslede med grundigheden i behandlingen af ​​materialet. Stoppet opmærksomheden fra den tekniske fuldstændighed, som giver et langt, omhyggeligt og intelligent arbejde - og intet andet ... Som koncertkunstner ærede Sokolov altid "loven om perfektion" i udførelsen af ​​musik (udtrykket fra en af ​​Leningrad-anmelderne), opnåede streng overholdelse af den på scenen. Det var tilsyneladende ikke den mindst vigtige grund, der sikrede hans sejr i konkurrencen.

Der var en anden – bæredygtigheden af ​​kreative resultater. Under det tredje internationale forum for udøvende musikere i Moskva udtalte L. Oborin i pressen: "Ingen af ​​deltagerne, undtagen G. Sokolov, gik gennem alle turnéerne uden alvorlige tab" (... Opkaldt efter Tjajkovskij // Samling af artikler og dokumenter om den tredje internationale konkurrence af musikere-optrædende opkaldt efter PI Tjajkovskij. S. 200.). P. Serebryakov, der sammen med Oborin var medlem af juryen, henledte også opmærksomheden på den samme omstændighed: "Sokolov," understregede han, "skildte sig ud blandt sine rivaler ved, at alle faser af konkurrencen forløb usædvanligt glat" (Ibid., s. 198).

Med hensyn til stadiestabilitet skal det bemærkes, at Sokolov i mange henseender skylder sin naturlige åndelige balance. Han er kendt i koncertsale som en stærk, hel natur. Som kunstner med en harmonisk ordnet, uopdelt indre verden; sådanne er næsten altid stabile i kreativitet. Jævnhed i selve Sokolovs karakter; det gør sig gældende i alt: i hans kommunikation med mennesker, opførsel og naturligvis i kunstnerisk virksomhed. Selv i de mest afgørende øjeblikke på scenen, så vidt man kan bedømme udefra, ændrer hverken udholdenhed eller selvkontrol ham. Når man ser ham ved instrumentet – uforstyrret, rolig og selvsikker – stiller nogle spørgsmålet: er han bekendt med den gysende spænding, der gør opholdet på scenen nærmest til pine for mange af hans kolleger … Engang blev han spurgt om det. Han svarede, at han normalt bliver nervøs før sine optrædener. Og meget eftertænksomt, tilføjede han. Men oftest før han går ind på scenen, før han begynder at spille. Så forsvinder spændingen på en eller anden måde gradvist og umærkeligt og giver plads til entusiasme for den kreative proces og samtidig forretningsmæssig koncentration. Han kaster sig hovedkulds ud i pianistisk arbejde, og det er det. Ud fra hans ord opstod der kort sagt et billede, som kan høres fra alle, der er født til scenen, åbne forestillinger og kommunikation med offentligheden.

Det er grunden til, at Sokolov gik "usædvanligt glat" gennem alle runder af konkurrerende tests i 1966, af denne grund fortsætter han med at spille med misundelsesværdig jævnhed den dag i dag ...

Spørgsmålet kan opstå: hvorfor kom anerkendelsen ved den tredje Tchaikovsky-konkurrence til Sokolov med det samme? Hvorfor blev han leder først efter slutrunden? Hvordan skal man endelig forklare, at fødslen af ​​guldvinderen var ledsaget af en velkendt meningsstrid? Den nederste linje er, at Sokolov havde en væsentlig "fejl": han, som performer, havde næsten ingen … mangler. Det var svært at bebrejde ham, en fremragende uddannet elev fra en særlig musikskole, på en eller anden måde – i nogles øjne var dette allerede en bebrejdelse. Der blev talt om den "sterile korrekthed" af hans spil; hun irriterede nogle mennesker … Han var ikke kreativ diskutabel – det gav anledning til diskussioner. Offentligheden er som bekendt ikke uden forsigtighed over for eksemplarisk veltrænede elever; Skyggen af ​​dette forhold faldt også på Sokolov. Da de lyttede til ham, huskede de ordene fra VV Sofronitsky, som han engang sagde i sine hjerter om unge deltagere: "Det ville være meget godt, hvis de alle spillede lidt mere forkert ..." (Erindringer om Sofronitsky. S. 75.). Måske havde dette paradoks virkelig noget med Sokolov at gøre – i en meget kort periode.

Og alligevel, vi gentager, de, der besluttede Sokolovs skæbne i 1966, viste sig i sidste ende at have ret. Ofte dømt i dag, kiggede juryen på i morgen. Og gættede det.

Sokolov formåede at vokse til en stor kunstner. Engang i fortiden, en eksemplarisk skoledreng, der først og fremmest tiltrak opmærksomhed med sit usædvanligt smukke og glatte spil, blev han en af ​​de mest meningsfulde, kreativt interessante kunstnere i sin generation. Hans kunst er nu virkelig betydningsfuld. "Kun det er smukt, der er alvorligt," siger Dr. Dorn i Tjekhovs Mågen; Sokolovs fortolkninger er altid seriøse, deraf det indtryk, de gør på lytterne. Egentlig var han aldrig let og overfladisk i forhold til kunst, heller ikke i sin ungdom; i dag begynder en tendens til filosofi at dukke mere og mere tydeligt frem i ham.

Man kan se det på den måde, han spiller på. I sine programmer sætter han ofte den XNUMX., XNUMX. og XNUMX. sonater af Bthoven, Bachs Art of Fugue-cyklus, Schuberts B-dur-sonate … Sammensætningen af ​​hans repertoire er vejledende i sig selv, det er let at bemærke en bestemt retning i det, tendens i kreativitet.

Det er dog ikke kun at i repertoiret af Grigory Sokolov. Det handler nu om hans tilgang til fortolkning af musik, om hans holdning til de værker, han opfører.

En gang i en samtale sagde Sokolov, at for ham er der ingen yndlingsforfattere, stilarter, værker. ”Jeg elsker alt, hvad man kan kalde god musik. Og alt det, jeg elsker, vil jeg gerne spille … ”Dette er ikke bare en sætning, som det nogle gange sker. Pianistens programmer omfatter musik fra begyndelsen af ​​det XNUMX. århundrede til midten af ​​det XNUMX. Det vigtigste er, at det er fordelt nogenlunde jævnt i hans repertoire, uden den disproportion, der kunne være forårsaget af dominansen af ​​ethvert navn, stil, kreativ retning. Ovenfor var de komponister, hvis værker han spiller særligt villigt (Bach, Beethoven, Schubert). Du kan sætte ved siden af ​​dem Chopin (mazurkaer, etuder, polonaiser osv.), Ravel ("Night Gaspard", "Alborada"), Skrjabin (Første Sonate), Rachmaninoff (Tredje Koncert, Præludier), Prokofiev (Første Koncert, Syvende Koncert Sonata ), Stravinsky ("Petrushka"). Her i ovenstående liste, hvad der oftest høres til hans koncerter i dag. Lytterne har dog ret til at forvente nye interessante programmer fra ham i fremtiden. "Sokolov spiller meget," vidner den autoritative kritiker L. Gakkel, "hans repertoire vokser hurtigt ..." (Gakkel L. Om Leningrad-pianisterne // Sov. musik. 1975. Nr. 4. S. 101.).

…Her er han vist bag kulisserne. Går langsomt hen over scenen i retning af klaveret. Efter at have lavet en behersket bukke for publikum, sætter han sig behageligt til rette med sin sædvanlige afslappethed ved instrumentets tastatur. I starten spiller han musik, som det kan virke for en uerfaren lytter, lidt flegmatisk, nærmest "med dovenskab"; dem, der ikke er første gang til hans koncerter, gætter på, at dette i høj grad er en form, der udtrykker hans afvisning af al ballade, en rent ydre demonstration af følelser. Som enhver fremragende mester er det interessant at se ham i gang med at spille - dette gør meget for at forstå den indre essens af hans kunst. Hele hans figur ved instrumentet – siddepladser, udførelse af fagter, sceneadfærd – giver anledning til en følelse af soliditet. (Der er kunstnere, der er respekteret blot for den måde, de bærer sig selv på scenen. Det sker i øvrigt og omvendt.) Og af karakteren af ​​lyden af ​​Sokolovs klaver og hans særlige legende fremtoning, er det let at genkende i ham en kunstner, der er tilbøjelig til "episk i musikalsk optræden. "Sokolov er efter min mening et fænomen i den "Glazunov" kreative fold," Ya. I. Zak sagde engang. Med al konventionaliteten, måske subjektiviteten i denne forening, opstod den tilsyneladende ikke tilfældigt.

Det er normalt ikke let for kunstnere af en sådan kreativ formation at bestemme, hvad der kommer "bedre" ud, og hvad der er "værre", deres forskelle er næsten umærkelige. Og alligevel, hvis man ser på Leningrad-pianistens koncerter i tidligere år, kan man ikke undgå at sige om hans fremførelse af Schuberts værker (sonater, impromptu osv.). Sammen med Beethovens sene opuser indtog de efter alt at dømme en særlig plads i kunstnerens værk.

Schuberts stykker, især Impromptu Op. 90 er blandt de populære eksempler på klaverrepertoiret. Derfor er de svære; tager på dem, skal du være i stand til at bevæge dig væk fra de fremherskende mønstre, stereotyper. Sokolov ved hvordan. I hans Schubert, som i alt andet, fængsler ægte friskhed og rigdom af musikalsk erfaring. Der er ikke en skygge af det, der kaldes pop-"poshib" - og alligevel kan dens smag så ofte mærkes i overspillede skuespil.

Der er naturligvis andre træk, der er karakteristiske for Sokolovs fremførelse af Schuberts værker – og ikke kun dem … Dette er en storslået musikalsk syntaks, der afslører sig i reliefkonturen af ​​fraser, motiver, intonationer. Det er desuden varmen fra farverig tone og farve. Og selvfølgelig hans karakteristiske blødhed i lydproduktionen: når han spiller, synes Sokolov at kærtegne klaveret ...

Siden sin sejr ved konkurrencen har Sokolov turneret meget. Den blev hørt i Finland, Jugoslavien, Holland, Canada, USA, Japan og i en række andre lande i verden. Hvis vi tilføjer her hyppige ture til byerne i Sovjetunionen, er det ikke svært at få en idé om omfanget af hans koncert og optræden. Sokolovs presse ser imponerende ud: de materialer, der er offentliggjort om ham i den sovjetiske og udenlandske presse, er i de fleste tilfælde i store toner. Dens fordele, med et ord, er ikke overset. Når det kommer til "men"... Måske kan man oftest høre, at pianistens kunst – med alle dens ubestridelige fordele – nogle gange efterlader lytteren noget beroliget. Det bringer ikke, som det forekommer nogle af kritikerne, alt for stærke, skærpede, brændende musikoplevelser.

Nå, ikke alle, selv blandt de store, kendte mestre, får mulighed for at fyre ... Det er dog muligt, at kvaliteter af denne art stadig vil vise sig i fremtiden: Sokolov, må man tro, har en lang og slet ikke ligetil kreativ vej frem. Og hvem ved, om tiden kommer, hvor spektret af hans følelser vil gnistre med nye, uventede, skarpt kontrasterende kombinationer af farver. Når det vil være muligt at se høje tragiske kollisioner i hans kunst, at føle i denne kunst smerte, skarphed og kompleks åndelig konflikt. Så vil værker som Es-mol polonaisen (Op. 26) eller C-mol Etude (Op. 25) af Chopin måske lyde noget anderledes. Indtil videre imponerer de næsten først og fremmest med formernes smukke rundhed, det musikalske mønsters plasticitet og den ædle pianisme.

På en eller anden måde svarede Sokolov på spørgsmålet om, hvad der driver ham i hans arbejde, hvad der stimulerer hans kunstneriske tanke, og talte som følger: "Det forekommer mig, at jeg ikke vil tage fejl, hvis jeg siger, at jeg modtager de mest frugtbare impulser fra områder, der ikke er direkte relateret til mit erhverv. Det vil sige, at nogle musikalske "konsekvenser" er afledt af mig ikke fra de faktiske musikalske indtryk og påvirkninger, men fra et andet sted. Men hvor præcist, ved jeg ikke. Jeg kan ikke sige noget bestemt om dette. Jeg ved kun, at hvis der ikke er tilløb, kvitteringer udefra, hvis der ikke er nok "næringsjuice" - stopper kunstnerens udvikling uundgåeligt.

Og jeg ved også, at en person, der bevæger sig fremad, ikke kun akkumulerer noget taget, hentet fra siden; han genererer bestemt sine egne ideer. Det vil sige, at han ikke kun absorberer, men skaber også. Og dette er nok det vigtigste. Den første uden den anden ville ikke have nogen betydning i kunsten."

Om Sokolov selv kan man med sikkerhed sige, at han virkelig skaber musik ved klaveret, skaber i ordets bogstavelige og autentiske betydning – “genererer ideer”, for at bruge sit eget udtryk. Nu er det endnu mere mærkbart end før. Desuden åbenbarer det kreative princip i pianistens spil sig selv – det er det mest bemærkelsesværdige! – trods den velkendte tilbageholdenhed, den akademiske stringens i hans optrædende måde. Dette er særligt imponerende…

Sokolovs kreative energi kunne tydeligt mærkes, da han talte om hans seneste optrædener ved en koncert i oktobersalen i Fagforeningernes Hus i Moskva (februar 1988), hvis program omfattede Bachs engelske suite nr. 2 i a-mol, Prokofjevs ottende sonate og Beethovens andenogtredive sonate. Det sidste af disse værker vakte særlig opmærksomhed. Sokolov har opført den i lang tid. Ikke desto mindre bliver han ved med at finde nye og interessante vinkler i sin fortolkning. I dag vækker pianistens spil associationer til noget, der måske rækker ud over de rent musikalske sansninger og ideer. (Lad os huske, hvad han sagde tidligere om de "impulser" og "påvirkninger", der er så vigtige for ham, efterlader et så mærkbart præg i hans kunst - for alt, hvad de kommer fra sfærer, der ikke direkte forbinder med musik.) Tilsyneladende , det er det, der giver særlig værdi til Sokolovs nuværende tilgang til Beethoven i almindelighed, og hans opus 111 i særdeleshed.

Så Grigory Lipmanovich vender gerne tilbage til de værker, han tidligere udførte. Ud over den 120. Sonate kunne man nævne Bachs Golberg-variationer og The Art of Fugue, Beethovens XNUMX Variations on a Waltz af Diabelli (Op. XNUMX) samt nogle andre ting, der lød ved hans koncerter i midten og slutningen af ​​firserne. Dog arbejder han selvfølgelig på en ny. Han mestrer konstant og vedholdende repertoirelag, som han ikke har rørt før. "Dette er den eneste måde at komme videre på," siger han. ”Samtidig skal du efter min mening arbejde på grænsen af ​​din styrke – åndeligt og fysisk. Enhver "lettelse", enhver nydelse for sig selv ville være ensbetydende med en afvigelse fra ægte, stor kunst. Ja, erfaring samler sig over årene; men hvis det letter løsningen af ​​et bestemt problem, er det kun for en hurtigere overgang til en anden opgave, til et andet kreativt problem.

For mig er det altid et intenst, nervøst arbejde at lære et nyt stykke. Måske især stressende – udover alt det andet – også fordi jeg ikke deler arbejdsprocessen op i nogen faser og stadier. Stykket "udvikles" i læringsforløbet fra nul - og frem til det øjeblik, hvor det tages på scenen. Det vil sige, at værket er af en tværgående, udifferentieret karakter – uanset at jeg sjældent formår at lære et stykke uden nogle afbrydelser, forbundet enten med turnéer, eller med gentagelser af andre stykker mv.

Efter den første fremførelse af et værk på scenen, fortsætter arbejdet med det, men allerede i status som indlært materiale. Og så videre, så længe jeg overhovedet spiller dette stykke.

… Jeg kan huske, at i midten af ​​tresserne – den unge kunstner var lige trådt ind på scenen – sagde en af ​​anmeldelserne til ham: “I det hele taget inspirerer musikeren Sokolov sjælden sympati … han er bestemt fyldt med rige muligheder, og fra hans kunst forventer du ufrivilligt en masse skønhed. Der er gået mange år siden da. De rige muligheder, som Leningrad-pianisten var fyldt med, åbnede sig bredt og lykkeligt. Men vigtigst af alt holder hans kunst aldrig op med at love meget mere skønhed...

G. Tsypin, 1990