Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

En enkelt harmoni – en verden i forandring … Enhver nations stemme bør lyde i klodens polyfoni, og det er muligt, hvis en kunstner – forfatter, maler, komponist – udtrykker sine tanker og følelser i sit modersmål. Jo mere national en kunstner er, jo mere individuel er han. A. Eshpay

På mange måder forudbestemte kunstnerens biografi et ærbødigt strejf af originalen i kunsten. Komponistens far, Y. Eshpay, en af ​​grundlæggerne af Mari professionel musik, indgydte sin søn en kærlighed til folkekunst med sit uselviske arbejde. Ifølge A. Eshpay, "Far var betydningsfuld, dyb, intelligent og taktfuld, meget beskeden - en sand musiker, der var i stand til selvfornægtelse. Som en stor kender af folklore syntes han at træde ved siden af ​​som forfatter, idet han så sin pligt i at formidle folketankens skønhed og storhed til folk. Han indså, at det var umuligt at passe Mari pentatonisk skala … til ethvert andet harmonisk og uafhængigt, men fremmed for folkekunstsystem. Jeg kan altid genkende originalen fra min fars arbejde.”

A. Eshpay fra barndommen absorberede folkloren fra forskellige folk i Volga-regionen, hele det lyrisk-episke system i den barske Ugriske region. Krigen blev et særligt tragisk tema i komponistens liv og arbejde - han mistede sin ældre bror, hvis minde er dedikeret til den smukke sang "Muscovites" ("Ørring med Malaya Bronna"), venner. I rekognosceringspeltonen deltog Eshpay i befrielsen af ​​Warszawa, i Berlin-operationen. Musikundervisning afbrudt af krigen blev genoptaget på Moskvas konservatorium, hvor Eshpay studerede komposition hos N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev og klaver hos V. Sofronitsky. Han afsluttede sine postgraduate studier under vejledning af A. Khachaturian i 1956.

På dette tidspunkt blev symfoniske danse på Mari-temaer (1951), ungarske melodier for violin og orkester (1952), første klaverkoncert (1954, 2. udgave – 1987), første violinkoncert (1956) skabt. Disse værker bragte bred berømmelse til komponisten, åbnede hovedtemaerne i hans arbejde, bryder kreativt sine læreres forskrifter. Det er karakteristisk, at Khachaturian, der ifølge komponisten indpodede ham en "smag for skala", i høj grad påvirkede Eshpais ideer om koncertgenren.

Særligt vejledende er den første violinkoncert med dens temperamentsfulde eksplosivitet, friskhed, umiddelbarhed i udtryk for følelser, åbne appel til folke- og genrevokabular. Eshpay er også tæt på Khachaturian med sin kærlighed til M. Ravels stil, som især var udtalt i hans klaverværk (Første klaverkoncert, første klaversonatina – 1948). Harmoni, friskhed, følelsesmæssig smitsomhed og koloristisk generøsitet forener også disse mestre.

Temaet Myaskovsky er en særlig del af Eshpays arbejde. Etiske positioner, selve billedet af en fremragende sovjetisk musiker, en sand vogter og reformator af traditioner, viste sig at være et ideal for hans tilhænger. Komponisten forbliver tro mod Myaskovskys bud: "at være oprigtig, ivrig over for kunst og føre sin egen linje." Mindeværker til minde om Myaskovsky er forbundet med lærerens navn: Orgel Passacaglia (1950), Variationer for orkester over et tema af Myaskovskys sekstende symfoni (1966), Anden Violinkoncert (1977), Bratschkoncert (1987-88), hvori materialet fra orglet Passacaglia blev brugt. Myaskovskys indflydelse på Eshpays holdning til folklore var meget betydelig: efter sin lærer kom komponisten til en symbolsk fortolkning af folkesange, til konvergensen af ​​forskellige traditionelle lag i kulturen. Navnet Myaskovsky er også forbundet med en appel til en anden vigtigst tradition for Eshpay, som gentages i mange kompositioner, startende med balletten "Circle" ("Husk!" - 1979), - Znamenny sang. Først og fremmest, i den fjerde (1980), femte (1986), sjette ("Liturgisk" symfoni (1988), korkoncert (1988) personificerer den først og fremmest det harmoniske, oplyste etosprincip, de oprindelige egenskaber ved national selvbevidsthed, de grundlæggende principper for russisk kultur.Særlig betydning får et andet vigtigt tema i Eshpays værk – lyrisk.Med rod i det traditionelle bliver det aldrig til individualistisk vilkårlighed, dets umistelige kvaliteter fremhæves tilbageholdenhed og stringens, objektivitet i udtryk, og ofte en direkte forbindelse med borgerlige intonationer.

Løsningen af ​​det militære tema, mindesmærkets genrer, appellen til at vende begivenheder – uanset om det er krig, historiske mindeværdige datoer – er ejendommelig, og teksterne er altid til stede i deres forståelse. Sådanne værker som den første (1959), den anden (1962) symfonier, gennemsyret af lys (den førstes epigraf - V. Mayakovskys ord "Vi må fravriste glæden fra de kommende dage", epigrafen af ​​den anden - "Pris til lyset"), lagde kantaten "Lenin med os" (1968), der er bemærkelsesværdig for sin plakatagtige iørefald, retoriske lysstyrke i udtrykket og samtidig det fineste lyriske landskab, grundlaget for en original stilistisk sammensmeltning af oratorisk og lyrisk, objektiv og personlig, betydningsfuld for komponistens hovedværker. Enheden af ​​"græd og ære, medlidenhed og ros" (D. Likhachev), så betydningsfuld for den antikke russiske kultur, fortsættes i forskellige genrer. Særligt fremtrædende er den tredje symfoni (Til minde om min far, 1964), den anden violin- og bratschkoncert, en slags stor cyklus – den fjerde, femte og sjette symfoni, korkoncerten. Med årene får betydningen af ​​det lyriske tema symbolske og filosofiske overtoner, mere og mere renselse fra alt ydre, subjektivt-overfladisk, er mindesmærket klædt i form af en lignelse. Det er væsentligt at skifte det lyriske tema fra den eventyrlige-folklore og den romantisk-heroiske fortælling i balletten Angara (1975) til det generaliserede billedsprog i advarselsballetten Circle (Remember!). Den universelle betydning af værk-dedikationer gennemsyret af en tragisk, til tider sørgelig betydning, bliver mere og mere indlysende. Den øgede opfattelse af den moderne verdens konfliktkarakter og følsomheden af ​​den kunstneriske reaktion på denne kvalitet er i overensstemmelse med komponistens ansvar over for arv og kultur. Kvintessensen af ​​billedsprog er "Songs of the Mountain and Meadow Mari" (1983). Denne komposition blev sammen med Koncerten for obo og orkester (1982) tildelt Leninprisen.

Objektiv-lyrisk intonation og "kor"-lyd farver fortolkningen af ​​koncertgenren, som inkarnerer det individuelle princip. Udtrykt i forskellige former - et mindesmærke, en meditativ handling, i genskabelse af folklore, i en appel til en gentænkt model af en gammel concerto grosso, forsvares dette tema konsekvent af komponisten. Samtidig udvikler komponisten i koncertgenren, som i andre kompositioner, legende motiver, festivitas, teatralitet, farvens lethed og rytmens modige energi. Dette er især mærkbart i Koncerten for orkester (1966), Andet klaver (1972), Obo (1982) Koncerter, og Koncerten for saxofon (1985-86) kan kaldes et "improvisationsportræt". "Én harmoni – en verden i forandring" - disse ord fra balletten "Cirkel" kunne tjene som en epigraf til mesterens værk. Overførslen af ​​harmonisk, festlig i en konflikt og kompliceret verden er specifik for komponisten.

Samtidig med legemliggørelsen af ​​temaet traditioner vender Eshpay sig uvægerligt mod det nye og det ukendte. Den organiske kombination af det traditionelle og det nyskabende ligger både i synet på kompositionsprocessen og i selve komponistens arbejde. Bredden og friheden i at forstå kreative opgaver afspejles i selve tilgangen til genrestof. Det er kendt, at jazztemaet og ordforrådet indtager en særlig plads i komponistens arbejde. Jazz for ham er på en eller anden måde selve musikkens vogter, såvel som folklore. Komponisten var meget opmærksom på massesangen og dens problemer, let musik, filmkunst, som er vigtig med hensyn til dramatisk og udtryksfuldt potentiale, en kilde til selvstændige ideer. Musikkens og den levende virkelighed optræder i et organisk forhold: ifølge komponisten er "musikkens vidunderlige verden ikke lukket, ikke isoleret, men er kun en del af universet, hvis navn er liv."

M. Lobanova