Valentin Vasilievich Silvestrov (Valentin Silvestrov) |

Valentin Silvestrov

Kun melodien gør musikken evig...

Det ser nok ud til, at disse ord i vores tid ville være typiske for en sangskriver. Men de blev udtalt af en musiker, hvis navn i lang tid er blevet stemplet som en avantgardist (i nedsættende forstand), en undergraver, en ødelægger. V. Silvestrov har tjent musik i næsten 30 år, og sandsynligvis kunne han efter den store digter sige: "Gud gav mig ikke blindhedens gave!" (M. Tsvetaeva). For hele hans vej – både i livet og i kreativiteten – er i en støt bevægelse mod at forstå sandheden. Ydre asketisk, tilsyneladende lukket, endda usocial, Sylvestrov forsøger faktisk at blive hørt og forstået i hver af sine kreationer. Hørt – på jagt efter et svar på de evige spørgsmål om væren, i et forsøg på at trænge ind i kosmos hemmeligheder (som et menneskeligt habitat) og mennesket (som bærer af kosmos i sig selv).

V. Silvestrovs vej i musik er langt fra enkel, og nogle gange dramatisk. Han begyndte at lære musik i en alder af 15. I 1956 blev han student ved Kyiv Civil Engineering Institute, og i 1958 kom han ind på Kyivs konservatorium i klasse med B. Lyatoshinsky.

Allerede i disse år begyndte den konsekvente beherskelse af alle slags stilarter, komponeringsteknikker, dannelsen af ​​hans egen, som senere blev en absolut genkendelig håndskrift. Allerede i de tidlige kompositioner er næsten alle aspekter af Silvestrovs komponists individualitet bestemt, hvorefter hans arbejde vil videreudvikles.

Begyndelsen er en slags nyklassicisme, hvor hovedsagen ikke er formler og stilisering, men indlevelse, forståelse for den renhed, lys, spiritualitet, som højbarokkens, klassicismens og den tidlige romantiks musik bærer i sig (“Sonatina”, “Klassisk” Sonate" for klaver, senere "Musik i gammel stil" osv.). Stor opmærksomhed i hans tidlige kompositioner blev givet til nye tekniske virkemidler (dodekafoni, aleatorik, pointillisme, sonoristik), brugen af ​​usædvanlige fremførelsesteknikker på traditionelle instrumenter og moderne grafisk optagelse. Landemærker omfatter Triade for klaver (1962), Mystery for altfløjte og percussion (1964), Monodi for klaver og orkester (1965), Symfoni nr. 1966 (Eschatophony – 1971), Drama for violin, cello og klaver med dets happenings, fagter (60). I ingen af ​​disse og andre værker skrevet i 70'erne og begyndelsen af ​​2'erne er teknikken et mål i sig selv. Det er kun et middel til at skabe ekstatiske, levende udtryksfulde billeder. Det er ikke tilfældigt, at i de mest avantgardistiske værker set fra et teknisk synspunkt, fremhæves også den mest oprigtige lyrik (i den bløde, "svækkede", med komponistens ord, musik gennem de XNUMX seriedele af den første symfoni), og der fødes dybe filosofiske begreber, som vil føre til den højeste manifestation af Ånden i den fjerde og femte symfoni. Det er her et af de vigtigste stilistiske træk ved Silvestrovs værk opstår – meditativitet.

Begyndelsen på en ny stil – ”simpel, melodisk” – kan kaldes ”Meditation” for cello og kammerorkester (1972). Herfra begynder konstante overvejelser om tid, om personlighed, om Kosmos. De er til stede i næsten alle Silvestrovs efterfølgende kompositioner (den fjerde (1976) og den femte (1982) symfoni, "Quiet Songs" (1977), Cantata for kor a cappella på stationen T. Shevchenko (1976), "Forest Music" på stationen G. Aigi (1978), "Simple Songs" (1981), Fire sange på O. Mandelstams station). Lang lytning til tidens bevægelse, opmærksomhed på de mindste detaljer, der konstant vokser, som om de falder på hinanden, skaber en makroform, tager musikken ud over lyden og gør den til en enkelt rumlig-tidsmæssig helhed. Endeløs kadence er en af ​​måderne til at skabe "ventende" musik, når en enorm indre spænding gemmer sig i den udadtil monotone, bølgende statik. I denne forstand kan den femte symfoni sammenlignes med Andrei Tarkovskys værker, hvor udadtil statiske skud skaber en superspændt indre dynamik, der vækker den menneskelige ånd. Ligesom Tarkovskys bånd henvender Sylvestrovs musik sig til menneskehedens elite, hvis man ved elitisme virkelig forstår det bedste i en person – evnen til dybt at føle og reagere på en persons og menneskehedens smerte og lidelse.

Genrespektret af Silvestrovs værk er ret bredt. Han tiltrækkes konstant af ordet, den højeste poesi, som kræver hjertets fineste indsigt for dets passende musikalske genskabelse: A. Pushkin, M. Lermontov, F. Tyutchev, T. Shevchenko, E. Baratynsky, P. Shelley, J. Keats, O. Mandelstam. Det var i vokalgenrerne, at melodiisten Sylvestrovs gave manifesterede sig med den største kraft.

Et meget uventet værk indtager en særlig plads i komponistens værk, hvori hans kreative credo dog ser ud til at være fokuseret. Dette er "Kitch Music" for klaver (1977). I annotationen forklarer forfatteren betydningen af ​​navnet som noget "svagt, kasseret, mislykket" (det vil sige tæt på ordbogsfortolkningen af ​​begrebet). Men han tilbageviser straks denne forklaring og giver den endda en nostalgisk fortolkning: _Spil i en meget blid, intim tone, som om man forsigtigt rører ved lytterens hukommelse, så musikken lyder inde i bevidstheden, som om lytterens hukommelse selv synger denne musik_. Og Schumanns og Chopins, Brahms og Mahlers verdener, tidens udødelige indbyggere, som Valentin Silvestrov føler så skarpt, vender virkelig tilbage til hukommelsen.

Tiden er klog. Før eller siden vender det tilbage til alle, hvad de fortjener. Der var mange ting i Silvestrovs liv: en absolut misforståelse af "nærkulturelle" personer og en fuldstændig tilsidesættelse af forlag og endda udvisning fra Union of Composers of the USSR. Men der var en anden ting - anerkendelsen af ​​kunstnere og lyttere i vores land og i udlandet. Silvestrov - vinder af prisen. S. Koussevitzky (USA, 1967) og den internationale konkurrence for unge komponister "Gaudeamus" (Holland, 1970). Kompromisløshed, krystalklar ærlighed, oprigtighed og renhed, ganget med højt talent og en enorm indre kultur – alt dette giver anledning til at forvente betydelige og kloge kreationer i fremtiden.

S. Filstein