Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terterian Avet

… Avet Terteryan er en komponist, for hvem symfonisme er et naturligt udtryksmiddel. K. Meyer

Der er virkelig dage og øjeblikke, der psykologisk og følelsesmæssigt opvejer mange og mange år, bliver en slags vendepunkt i en persons liv, bestemmer hans skæbne, beskæftigelse. For en tolv-årig dreng, senere den berømte sovjetiske komponist Avet Terteryan, blev dagene for Sergei Prokofjevs og hans venners ophold i Avets forældres hus i Baku i slutningen af ​​1941 så korte, men intense. . Prokofievs måde at holde sig på, tale, udtrykke sin mening åbent , absolut klar og starte hver dag med arbejde. Og så komponerede han operaen "Krig og fred", og om morgenen susede de fantastiske, strålende lyde af musik fra stuen, hvor klaveret stod.

Gæsterne rejste, men et par år senere, da spørgsmålet opstod om at vælge et erhverv – om han skulle gå i sin fars fodspor til en lægeskole eller vælge noget andet – besluttede den unge mand sig bestemt – til en musikskole. Avet modtog sin primære musikalske uddannelse fra en familie, der var ekstremt musikalsk - hans far, en kendt laryngolog i Baku, blev fra tid til anden inviteret til at synge titelrollerne i operaerne af P. Tchaikovsky og G. Verdi, hans mor havde en fremragende dramatisk sopran, blev hans yngre bror Herman efterfølgende dirigent.

Den armenske komponist A. Satyan, forfatteren til meget populære sange i Armenien, såvel som den kendte lærer G. Litinsky, mens han var i Baku, rådede kraftigt Terteryan til at tage til Jerevan og for alvor studere komposition. Og snart kom Avet ind på Jerevan-konservatoriet, i kompositionsklassen af ​​E. Mirzoyan. Under sine studier skrev han Sonaten for cello og klaver, som blev belønnet med en pris ved den republikanske konkurrence og ved All-Union Review of Young Composers, romancer efter ord fra russiske og armenske digtere, Kvartetten i C-dur, vokal-symfonisk cyklus "Motherland" - et værk, der bringer ham en sand succes, tildelt All-Union Prize ved Young Composers Competition i 1962, og et år senere, under ledelse af A. Zhuraitis, lyder det i Hall of Kolonner.

Efter den første succes kom de første forsøg i forbindelse med den vokal-symfoniske cyklus kaldet "Revolution". Den første opførelse af værket var også den sidste. Arbejdet var dog ikke forgæves. De bemærkelsesværdige vers fra den armenske digter, revolutionens sanger, Yeghishe Charents, fangede komponistens fantasi med deres kraftfulde kraft, historiske lyd, publicistiske intensitet. Det var dengang, i perioden med kreativ fiasko, at en intens ophobning af kræfter fandt sted, og hovedtemaet for kreativitet blev dannet. Så, i en alder af 35, vidste komponisten det med sikkerhed - hvis du ikke har det, skal du ikke engang engagere dig i komposition, og i fremtiden vil han bevise fordelen ved denne opfattelse: hans eget hovedtema ... Det opstod i sammensmeltningen af ​​begreberne - Moderland og Revolution, dialektisk bevidsthed om disse størrelser, dramatisk karakteren af ​​deres interaktion. Ideen om at skrive en opera gennemsyret af de høje moralske motiver i Charents' poesi sendte komponisten på jagt efter et skarpt revolutionært plot. Journalisten V. Shakhnazaryan, der var tiltrukket af at arbejde som librittist, foreslog snart – B. Lavrenevs historie "Forty-First". Operaens handling blev overført til Armenien, hvor der i samme år foregik revolutionære kampe i Zangezur-bjergene. Heltene var en bondepige og en løjtnant fra de tidligere førrevolutionære tropper. Charents passionerede vers blev hørt i operaen af ​​læseren, i koret og i solopartierne.

Operaen fik en bred respons, blev anerkendt som et lyst, talentfuldt, innovativt værk. Få år efter premieren i Jerevan (1967) blev den opført på teatrets scene i Halle (DDR), og i 1978 åbnede den den internationale festival for GF Handel, som afholdes årligt i komponistens hjemland.

Efter at have skabt operaen skriver komponisten 6 symfonier. Muligheden for filosofisk forståelse i de samme billeders symfoniske rum, de samme temaer tiltrækker ham især. Så dukker balletten "Richard III" efter W. Shakespeare, operaen "Jordskælv" efter historien om den tyske forfatter G. Kleist "Jordskælv i Chile" og igen symfonierne - syvende, ottende - op. Enhver, der mindst én gang omhyggeligt har lyttet til en symfoni af Terteryaia, vil senere let genkende hans musik. Det er specifikt, rumligt, kræver fokuseret opmærksomhed. Her er hver fremkommende lyd et billede i sig selv, en idé, og vi følger med ufortrøden opmærksomhed dens videre bevægelse, som en helts skæbne. Symfoniernes lydbilleder når næsten scenisk udtryksfuldhed: lydmasken, lydskuespilleren, som også er en poetisk metafor, og vi optrævler dens betydning. Terteryans værker opmuntrer lytteren til at vende deres indre blik mod livets sande værdier, til dets evige kilder, til at tænke på verdens skrøbelighed og dens skønhed. Derfor viser de poetiske spidser i Terterians symfonier og operaer sig altid at være de enkleste melodiske fraser af folkelig oprindelse, udført enten af ​​stemmen, det mest naturlige af instrumenterne eller af folkelige instrumenter. Sådan lyder 2. del af Anden Symfoni – en monofon barytonimprovisation; en episode fra den tredje symfoni – et ensemble af to duduker og to zurner; melodien af ​​kamanchaen, der gennemsyrer hele cyklussen i den femte symfoni; dapa fest i den syvende; på sjette top vil der være et kor, hvor der i stedet for ord er lydene af det armenske alfabet "ayb, ben, gim, dan" osv. som en slags symbol på oplysning og spiritualitet. De enkleste, ser det ud til, symboler, men de har en dyb betydning. I dette genlyder Terteryans arbejde kunsten af ​​sådanne kunstnere som A. Tarkovsky og S. Parajanov. Hvad handler dine symfonier om? spørger lytterne Terteryan. "Om alting," svarer komponisten og lader alle forstå deres indhold.

Terterians symfonier opføres på de mest prestigefyldte internationale musikfestivaler – i Zagreb, hvor der hvert forår afholdes en gennemgang af samtidsmusik, ved “Warszawa-efteråret”, i Vestberlin. De lyder også i vores land – i Jerevan, Moskva, Leningrad, Tbilisi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tasjkent … For en dirigent åbner Terteryans musik mulighed for at bruge hans kreative potentiale som musiker meget bredt. Den udøvende her ser ud til at indgå i medforfatterskabet. En interessant detalje: symfonier, afhængigt af fortolkningen, af evnen, som komponisten siger, til at "lytte til lyden", kan vare i forskellige tider. Hans fjerde symfoni lød både 22 og 30 minutter, den syvende – og 27 og 38! Et sådant aktivt, kreativt samarbejde med komponisten omfattede D. Khanjyan, en vidunderlig fortolker af hans første 4 symfonier. G. Rozhdestvensky, i hvis strålende opførelse den fjerde og femte blev lydt, A. Lazarev, i hvis opførelse den sjette symfoni lyder imponerende, skrevet for kammerorkester, kammerkor og 9 fonogrammer med en indspilning af et stort symfoniorkester, cembalo og cembalo. klokkespil.

Terteryans musik inviterer også lytteren til medvirken. Dets ledende mål er at forene både komponistens, udøverens og lytterens åndelige indsats i en utrættelig og vanskelig erkendelse af livet.

M. Rukhkyan