Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov |

Nikolai Rimsky-Korsakov

Hverken hans talent, hans energi eller hans grænseløse velvilje mod hans elever og kammerater blev nogensinde svækket. Sådan en persons herlige liv og dybt nationale aktivitet bør være vores stolthed og glæde. … hvor meget kan man pege på i hele musikhistorien af ​​så høj natur, så store kunstnere og så ekstraordinære mennesker som Rimsky-Korsakov? V. Stasov

Næsten 10 år efter åbningen af ​​det første russiske konservatorium i Sankt Petersborg, i efteråret 1871, dukkede en ny professor i komposition og orkestrering op inden for dets mure. På trods af sin ungdom - han var i sit otteogtyvende år - havde han allerede opnået berømmelse som forfatter til originale kompositioner for orkester: Ouverture om russiske temaer, Fantasier om temaer for serbiske folkesange, et symfonisk billede baseret på det russiske epos " Sadko" og en suite om handlingen i et orientalsk eventyr "Antar" . Desuden blev der skrevet mange romancer, og arbejdet med den historiske opera Tjenestepigen i Pskov var i fuld gang. Ingen kunne have forestillet sig (mindst af alt konservatoriets direktør, som inviterede N. Rimsky-Korsakov), at han blev en komponist næsten uden musikalsk uddannelse.

Rimsky-Korsakov blev født i en familie langt fra kunstneriske interesser. Forældre forberedte ifølge familietraditionen drengen til tjeneste i flåden (onklen og den ældre bror var sømænd). Selvom musikalske evner blev afsløret meget tidligt, var der ingen til seriøst at studere i en lille provinsby. Klaverundervisning blev givet af en nabo, dengang en kendt guvernante og en elev af denne guvernante. Musikalske indtryk blev suppleret med folkesange fremført af en amatørmor og onkel og kultsang i Tikhvin-klosteret.

I Sankt Petersborg, hvor Rimsky-Korsakov kom for at melde sig ind i flådekorpset, besøger han operahuset og ved koncerter, genkender Ivan Susanin og Glinkas Ruslan og Lyudmila, Beethovens symfonier. I Sankt Petersborg har han endelig en rigtig lærer – en fremragende pianist og uddannet musiker F. Canille. Han rådede den talentfulde elev til selv at komponere musik, introducerede ham for M. Balakirev, som unge komponister grupperede sig omkring – M. Mussorgsky, C. Cui, senere A. Borodin sluttede sig til dem (Balakirevs kreds gik over i historien under navnet "Mighty Handful" ”).

Ingen af ​​"Kuchkisterne" tog ikke et kursus med særlig musikalsk træning. Systemet, hvormed Balakirev forberedte dem til uafhængig kreativ aktivitet, var som følger: han foreslog straks et ansvarligt emne, og derefter, under hans ledelse, i fælles diskussioner, parallelt med studiet af store komponisters værker, alle de vanskeligheder, der opstod. i færd med at komponere blev løst.

Sytten-årige Rimsky-Korsakov blev rådet af Balakirev til at starte med en symfoni. I mellemtiden skulle den unge komponist, der er dimitteret fra flådekorpset, tage afsted på en jordomsejling. Han vendte tilbage til musik- og kunstvenner først efter 3 år. Genialt talent hjalp Rimsky-Korsakov med hurtigt at mestre den musikalske form og lyse farverige orkestrering og komponeringsteknikker, uden om skolens grundlag. Efter at have skabt komplekse symfoniske partiturer og arbejdet på en opera kendte komponisten ikke det helt grundlæggende i musikvidenskab og var ikke bekendt med den nødvendige terminologi. Og pludselig et tilbud om at undervise på konservatoriet! .. "Hvis jeg lærte bare en lille smule, hvis jeg vidste en lille smule mere, end jeg egentlig vidste, så ville det være klart for mig, at jeg ikke kan og ikke har ret til at tage den foreslåede pointe op er, at det at blive professor ville være både dumt og skruppelløst fra min side, ”erindrede Rimsky-Korsakov. Men ikke uærlighed, men det højeste ansvar, viste han, da han begyndte at lære selve det grundlag, han skulle undervise.

Rimsky-Korsakovs æstetiske synspunkter og verdensbillede blev dannet i 1860'erne. under indflydelse af "Mægtige Håndfuld" og dens ideolog V. Stasov. Samtidig blev det nationale grundlag, den demokratiske orientering, hovedtemaer og billeder af hans arbejde fastlagt. I det næste årti er Rimsky-Korsakovs aktiviteter mangefacetterede: han underviser på konservatoriet, forbedrer sin egen komponeringsteknik (skriver kanoner, fugaer), varetager stillingen som inspektør for brass bands i Naval Department (1873-84) og dirigerer symfoni koncerter, afløser direktøren for Den Frie Musikskole Balakirev og forbereder til udgivelse (sammen med Balakirev og Lyadov) partituret til både Glinkas operaer, indspiller og harmoniserer folkesange (den første samling blev udgivet i 1876, den anden – i 1882).

En appel til russisk musikalsk folklore, såvel som en detaljeret undersøgelse af Glinkas operapartiturer i færd med at forberede dem til udgivelse, hjalp komponisten med at overvinde spekulativiteten i nogle af hans kompositioner, som opstod som et resultat af intensive studier i kompositionsteknik. To operaer skrevet efter Jomfruen fra Pskov (1872) - Majnat (1879) og Snejomfruen (1881) - legemliggjorde Rimsky-Korsakovs kærlighed til folkelige ritualer og folkesang og hans panteistiske verdensbillede.

Kreativitet hos komponisten fra 80'erne. hovedsageligt repræsenteret af symfoniske værker: "Fortællingen" (1880), Sinfonietta (1885) og Klaverkoncert (1883), samt den berømte "Spanske Capriccio" (1887) og "Scheherazade" (1888). Samtidig arbejdede Rimsky-Korsakov i Hofkoret. Men han bruger det meste af sin tid og energi på at forberede opførelsen og udgivelsen af ​​sine afdøde venners operaer – Mussorgskys Khovanshchina og Borodins Prins Igor. Det er sandsynligt, at dette intense arbejde med operapartiturer førte til, at Rimsky-Korsakovs eget værk udviklede sig i disse år i den symfoniske sfære.

Komponisten vendte først tilbage til operaen i 1889 efter at have skabt den fortryllende Mlada (1889-90). Siden midten af ​​90'erne. den ene efter den anden følges af Natten før jul (1895), Sadko (1896), prologen til Tjenestepigen i Pskov - enakteren Boyar Vera Sheloga og Zarens Brud (begge 1898). I 1900-tallet skabes The Tale of Tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1904) og The Golden Cockerel (1907).

Gennem hele sit kreative liv vendte komponisten sig også til vokaltekster. I 79 af hans romancer præsenteres poesi af A. Pushkin, M. Lermontov, AK Tolstoy, L. May, A. Fet og fra udenlandske forfattere J. Byron og G. Heine.

Indholdet af Rimsky-Korsakovs værk er forskelligartet: det afslørede også det folkehistoriske tema ("Kvinden fra Pskov", "Legenden om den usynlige by Kitezh"), sfæren af ​​tekster ("Zarens brud", " Servilia") og hverdagsdrama ("Pan Voyevoda"), afspejlede billederne fra Østen ("Antar", "Scheherazade"), legemliggjorde træk ved andre musikkulturer ("Serbian Fantasy", "Spansk Capriccio" osv.) . Men mere karakteristisk for Rimsky-Korsakov er fantasi, fabelagtighed, forskellige forbindelser med folkekunst.

Komponisten skabte et helt galleri af unikke i sin charme, rene, blidt lyriske kvindebilleder – både ægte og fantastiske (Pannochka i "May Night", Snegurochka, Martha i "Tsar's Bride", Fevronia i "Fortællingen om den usynlige by". af Kitezh"), billeder af folkesangere (Lel i "The Snow Maiden", Nezhata i "Sadko").

Dannet i 1860'erne. komponisten forblev tro mod progressive sociale idealer hele sit liv. På tærsklen til den første russiske revolution i 1905 og i reaktionsperioden, der fulgte den, skrev Rimsky-Korsakov operaerne Kashchei the Udødelige (1902) og Den Gyldne Hane, der blev opfattet som en fordømmelse af den politiske stagnation, der herskede i Rusland.

Komponistens kreative vej varede mere end 40 år. Ind i det som en efterfølger til traditionerne i Glinka, han og i det XX århundrede. repræsenterer russisk kunst tilstrækkeligt i verdens musikkultur. Rimsky-Korsakovs kreative og musikalsk-offentlige aktiviteter er mangefacetterede: komponist og dirigent, forfatter til teoretiske værker og anmeldelser, redaktør af værker af Dargomyzhsky, Mussorgsky og Borodin, han havde en stærk indflydelse på udviklingen af ​​russisk musik.

Over 37 års undervisning på konservatoriet underviste han mere end 200 komponister: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev og andre. Udviklingen af ​​orientalske temaer af Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Golden Cockerel") var af uvurderlig betydning for udviklingen af ​​nationale musikkulturer i Transkaukasien og Centralasien, og forskellige havlandskaber ("Sadko", "Sheherazade" ”, ”Fortællingen om Tsar Saltan”, romancernes cyklus ”Ved havet” osv.) bestemte meget i franskmanden C. Debussys og italieneren O. Respighis friluftslydmaleri.

E. Gordeeva

Arbejdet af Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov er et unikt fænomen i den russiske musikkulturs historie. Pointen ligger ikke kun i hans værks enorme kunstneriske betydning, kolossale volumen, sjældne alsidighed, men også i, at komponistens værk næsten udelukkende dækker en meget dynamisk epoke i russisk historie – fra bondereformen til perioden mellem revolutionerne. Et af de første værker af den unge musiker var instrumenteringen af ​​Dargomyzhskys netop afsluttede Stengæsten, mesterens sidste større værk, Den Gyldne Hane, går tilbage til 1906-1907: operaen blev komponeret samtidig med Skrjabins Digt om Ecstasy, Rachmaninovs anden symfoni; kun fire år adskiller premieren på Den gyldne hane (1909) fra premieren på Stravinskys Forårets rite, to fra Prokofjevs debut som komponist.

Således udgør Rimsky-Korsakovs arbejde, rent kronologisk, så at sige kernen i russisk klassisk musik, der forbinder forbindelsen mellem Glinka-Dargomyzhskys æra og det XNUMX. århundrede. Ved at syntetisere resultaterne af Skt. Petersborg-skolen fra Glinka til Lyadov og Glazunov, absorbere meget fra erfaringerne fra muskovitter – Tchaikovsky, Taneyev, komponister, der optrådte ved skiftet mellem det XNUMX. og XNUMX. århundrede, var det altid åbent for nye kunstneriske tendenser, indenlandske og udenlandske.

En omfattende, systematiserende karakter er iboende i enhver retning af Rimsky-Korsakovs arbejde – komponist, lærer, teoretiker, dirigent, redaktør. Hans livsaktivitet som helhed er en kompleks verden, som jeg gerne vil kalde "Rimsky-Korsakov-kosmos". Formålet med denne aktivitet er at indsamle, fokusere hovedtrækkene i den nationale musikalske og mere bredt kunstneriske bevidsthed og i sidste ende at genskabe et integreret billede af det russiske verdensbillede (naturligvis i dets personlige, "Korsakovianske" brydning). Denne sammenkomst er uløseligt forbundet med den personlige, forfatterens evolution, ligesom processen med at undervise, uddanne – ikke kun direkte elever, men hele det musikalske miljø – med selvopdragelse, selvopdragelse.

AN Rimsky-Korsakov, komponistens søn, der talte om den konstant fornyende række af opgaver, løst af Rimsky-Korsakov, beskrev med succes kunstnerens liv som en "pufferlignende sammenvævning af tråde." Han reflekterede over, hvad der fik den geniale musiker til at bruge en urimelig stor del af sin tid og energi til "side" typer af pædagogisk arbejde, og pegede på "en klar bevidsthed om sin pligt over for russisk musik og musikere." “Service"- nøgleordet i Rimsky-Korsakovs liv, ligesom "bekendelse" - i Mussorgskys liv.

Det menes, at russisk musik fra anden halvdel af 1860. århundrede tydeligvis har en tendens til at assimilere resultaterne af andre kunstarter, der er samtidige med den, især litteratur: deraf præferencen for "verbale" genrer (fra romantik, sang til opera, kronen på kreative forhåbninger for alle komponister af XNUMXs generation), og i instrumental – en bred udvikling af princippet om programmering. Det bliver dog nu mere og mere indlysende, at det verdensbillede, der skabes af russisk klassisk musik, slet ikke er identisk med dem i litteratur, maleri eller arkitektur. Trækkene i væksten af ​​den russiske komponistskole er forbundet både med musikens særlige kendetegn som kunstform og med musikkens særlige position i den nationale kultur i det XNUMX. århundrede med dens særlige opgaver i forståelsen af ​​livet.

Den historiske og kulturelle situation i Rusland forudbestemte en kolossal kløft mellem de mennesker, der ifølge Glinka "skaber musik", og dem, der ønskede at "arrangere" den. Bruddet var dybtgående, tragisk irreversibelt, og dets konsekvenser mærkes den dag i dag. Men på den anden side indeholdt den flerlagede kumulative auditive erfaring hos russiske mennesker uudtømmelige muligheder for kunstens bevægelse og vækst. Måske i musik blev "opdagelsen af ​​Rusland" udtrykt med den største kraft, da grundlaget for dets sprog - intonation - er den mest organiske manifestation af det individuelle menneskelige og etniske, et koncentreret udtryk for den åndelige oplevelse af folket. Den "multiple struktur" af det nationale intonationsmiljø i Rusland i midten af ​​forrige århundrede er en af ​​forudsætningerne for innovationen af ​​den russiske professionelle musikskole. At samles i et enkelt fokus af multidirektionelle tendenser – relativt set fra hedenske, proto-slaviske rødder til de nyeste ideer inden for vesteuropæisk musikromantik, de mest avancerede teknikker inden for musikalsk teknologi – er et karakteristisk træk ved russisk musik i anden halvdel af XNUMX. århundrede. I denne periode forlader den endelig kraften i anvendte funktioner og bliver et verdensbillede i lyde.

Når vi ofte taler om tresserne af Mussorgsky, Balakirev, Borodin, synes vi at glemme, at Rimsky-Korsakov tilhører samme æra. I mellemtiden er det svært at finde en kunstner, der er mere tro mod sin tids højeste og reneste idealer.

De, der kendte Rimsky-Korsakov senere - i 80'erne, 90'erne, 1900'erne - blev aldrig trætte af at blive overrasket over, hvor hårdt han prosaiserede sig selv og sit arbejde. Derfor de hyppige domme om hans naturs "tørhed", hans "akademiske", "rationalisme" osv. Faktisk er dette typisk for tresserne, kombineret med undgåelse af overdreven patos i forhold til ens egen personlighed, karakteristisk for en russisk kunstner. En af Rimsky-Korsakovs elever, MF Gnesin, udtrykte ideen om, at kunstneren, i en konstant kamp med sig selv og med dem omkring ham, med smagen fra sin epoke, til tider syntes at hærde, og i nogle af sine udtalelser blev han endnu lavere. end ham selv. Dette skal man huske på, når man fortolker komponistens udsagn. Tilsyneladende fortjener bemærkningen fra en anden elev af Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, endnu mere opmærksomhed: sværhedsgraden, introspektiviteten, selvkontrol, som uvægerligt fulgte med kunstnerens vej, var sådan, at en person med mindre talent simpelthen kunne ikke tåle de "pauser", de eksperimenter, som han konstant satte på sig selv: Forfatteren af ​​Jomfruen fra Pskov sætter sig som en skoledreng til problemer i harmoni, forfatteren af ​​Snepigen går ikke glip af en eneste opførelse af Wagner-operaer , forfatteren af ​​Sadko skriver Mozart og Salieri, professor akademikeren skaber Kashchei, osv. Og dette kom også fra Rimsky-Korsakov ikke kun fra naturen, men også fra æraen.

Hans sociale aktivitet var altid meget høj, og hans aktivitet var kendetegnet ved fuldstændig uinteresserethed og udelt hengivenhed til ideen om offentlig pligt. Men i modsætning til Mussorgsky er Rimsky-Korsakov ikke en "populist" i udtrykkets specifikke, historiske betydning. I folkets problem så han altid, begyndende med Jomfruen fra Pskov og digtet Sadko, ikke så meget det historiske og sociale som det udelelige og evige. Sammenlignet med Tjajkovskijs eller Mussorgskijs dokumenter i Rimskij-Korsakovs breve er der i hans Krønike få kærlighedserklæringer til folket og til Rusland, men som kunstner havde han en kolossal følelse af national værdighed og i messianismen af Russisk kunst, især musik, var han ikke mindre selvsikker end Mussorgsky.

Alle Kuchkister var karakteriseret ved et sådant træk ved tresserne som en uendelig nysgerrighed over for livets fænomener, en evig tankeangst. I Rimsky-Korsakov fokuserede den i høj grad på naturen, forstået som elementernes enhed og mennesket, og på kunsten som den højeste legemliggørelse af en sådan enhed. Ligesom Mussorgsky og Borodin stræbte han støt efter "positiv", "positiv" viden om verden. I sit ønske om grundigt at studere alle områder af musikvidenskaben gik han ud fra den holdning – hvor han (ligesom Mussorgsky) meget fast mente, nogle gange til naivitet – at der i kunsten findes love (normer), der er lige så objektive. , universel som i videnskaben. ikke kun smagspræferencer.

Som et resultat omfattede Rimsky-Korsakovs æstetiske og teoretiske aktivitet næsten alle områder af viden om musik og udviklede sig til et komplet system. Dens komponenter er: doktrinen om harmoni, doktrinen om instrumentering (begge i form af store teoretiske værker), æstetik og form (noter fra 1890'erne, kritiske artikler), folklore (samlinger af arrangementer af folkesange og eksempler på kreativ forståelse af folkemotiver i kompositioner), undervisning om mode (et stort teoretisk værk om oldtidsmåder blev ødelagt af forfatteren, men en kort version af det har overlevet, såvel som eksempler på fortolkning af oldtidsmåder i arrangementer af kirkesang), polyfoni (overvejelser udtrykt i breve, i samtaler med Yastrebtsev osv., og også kreative eksempler), musikalsk uddannelse og organisering af musiklivet (artikler, men hovedsagelig pædagogiske og pædagogiske aktiviteter). På alle disse områder udtrykte Rimsky-Korsakov dristige ideer, hvis nyhed ofte er sløret af en streng, kortfattet præsentationsform.

"Skaberen af ​​Pskovityanka og den gyldne hane var ikke en retrograd. Han var en innovator, men en, der stræbte efter klassisk fuldstændighed og proportionalitet af musikalske elementer ”(Zuckerman VA). Ifølge Rimsky-Korsakov er alt nyt muligt på ethvert område under betingelserne for en genetisk forbindelse med fortiden, logik, semantisk konditionalitet og arkitektonisk organisation. Sådan er hans doktrin om harmoniens funktionalitet, hvor logiske funktioner kan repræsenteres ved konsonanser af forskellige strukturer; sådan er hans doktrin om instrumentering, som åbner med sætningen: "Der er ingen dårlige klangligheder i orkestret." Det musikalske uddannelsessystem, som han foreslår, er usædvanligt progressivt, hvor læringsmåden primært er forbundet med arten af ​​den studerendes begavelse og tilgængeligheden af ​​visse metoder til at lave levende musik.

Epigrafen til hans bog om læreren MF Gnesin satte sætningen fra Rimsky-Korsakovs brev til sin mor: "Se på stjernerne, men se ikke og fald ikke." Denne tilsyneladende tilfældige sætning af en ung kadet fra flådekorpset karakteriserer bemærkelsesværdigt Rimsky-Korsakovs position som kunstner i fremtiden. Måske passer evangeliets lignelse om to budbringere til hans personlighed, hvoraf den ene straks sagde "Jeg vil gå" - og ikke gik, og den anden først sagde "Jeg vil ikke gå" - og gik (Matt., XXI, 28- 31).

Faktisk er der i løbet af Rimsky-Korsakovs karriere mange modsætninger mellem "ord" og "gerninger". For eksempel var der ingen, der så voldsomt skældte Kuchkismen og dens mangler ud (det er tilstrækkeligt til at huske udråbet fra et brev til Krutikov: "Åh, russisk kompositt.оry – Stasovs fremhævelse – de skylder sig selv deres manglende uddannelse! ”, En hel række stødende udtalelser i Krøniken om Mussorgskij, om Balakirev osv.) – og ingen var så konsekvente i at opretholde, forsvare de grundlæggende æstetiske principper i Kuchkismen og alle hans kreative bedrifter: i 1907, et par måneder før sin død kaldte Rimsky-Korsakov sig selv "den mest overbeviste Kuchkist." Få mennesker var så kritiske over for de "nye tider" generelt og grundlæggende nye fænomener i musikkulturen ved århundredeskiftet og begyndelsen af ​​det 80. århundrede – og svarede samtidig så dybt og fuldt ud de åndelige krav fra ny æra ("Kashchey", "Kitezh", "The Golden Cockerel" og andre i komponistens senere værker). Rimsky-Korsakov i 90'erne – tidlige XNUMX. talte nogle gange meget hårdt om Tjajkovskij og hans retning – og han lærte konstant af sin antipode: Rimskij-Korsakovs arbejde, hans pædagogiske aktivitet var utvivlsomt hovedforbindelsen mellem Skt. Petersborg og Moskva skoler. Korsakovs kritik af Wagner og hans operatiske reformer er endnu mere ødelæggende, og i mellemtiden accepterede han blandt russiske musikere Wagners ideer og reagerede kreativt på dem. Endelig understregede ingen af ​​de russiske musikere så konsekvent deres religiøse agnosticisme i ord, og få formåede at skabe så dybe billeder af folketro i deres arbejde.

De dominerende i Rimsky-Korsakovs kunstneriske verdenssyn var den "universelle følelse" (hans eget udtryk) og tænkningens bredt forståede mytologi. I kapitlet fra Chronicle dedikeret til The Snow Maiden formulerede han sin kreative proces som følger: "Jeg lyttede til naturens og folkekunstens og naturens stemmer og tog det, de sang og foreslog, som grundlag for mit arbejde." Kunstnerens opmærksomhed var mest fokuseret på de store fænomener i kosmos – himlen, havet, solen, stjernerne og på de store fænomener i menneskers liv – fødsel, kærlighed, død. Dette svarer til al den æstetiske terminologi af Rimsky-Korsakov, især hans yndlingsord - "overvejelse“. Hans notater om æstetik åbner med påstanden om kunst som en "sfære for kontemplativ aktivitet", hvor objektet for kontemplation er "menneskets ånds og naturs liv, udtrykt i deres indbyrdes relationer". Sammen med den menneskelige ånds og naturens enhed bekræfter kunstneren enhed i indholdet af alle typer kunst (i denne forstand er hans eget værk bestemt synkretisk, om end på andre grunde end f.eks. Mussorgskys værk, som også argumenterede for, at kunstarterne kun adskiller sig i materiale, men ikke i opgaver og formål). Rimsky-Korsakovs egne ord kunne sættes som et motto for alt Rimsky-Korsakovs arbejde: "Repræsentationen af ​​det smukke er repræsentationen af ​​uendelig kompleksitet." Samtidig var han ikke fremmed for den tidlige Kuchkismes foretrukne udtryk - "kunstnerisk sandhed", han protesterede kun mod den indsnævrede, dogmatiske forståelse af den.

Træk i Rimsky-Korsakovs æstetik førte til uoverensstemmelsen mellem hans arbejde og den offentlige smag. I forhold til ham er det lige så legitimt at tale om uforståelighed, som i forhold til Mussorgsky. Mussorgsky svarede mere end Rimsky-Korsakov til sin æra med hensyn til typen af ​​talent, i retning af interesser (generelt set, folkets historie og individets psykologi), men radikalismen i hans beslutninger viste sig. at være uden for sine samtidiges evner. I Rimsky-Korsakovs misforståelse var ikke så akut, men ikke mindre dyb.

Hans liv så ud til at være meget lykkeligt: ​​en vidunderlig familie, fremragende uddannelse, en spændende rejse rundt i verden, den strålende succes med hans første kompositioner, et usædvanligt vellykket personligt liv, muligheden for at hellige sig musik, efterfølgende universel respekt og glæde at se væksten af ​​talentfulde elever omkring ham. Ikke desto mindre blev Rimsky-Korsakov fra den anden opera og frem til slutningen af ​​90'erne konstant konfronteret med en misforståelse af både "hans" og "dem". Kuchkisterne betragtede ham som en ikke-operakomponist, ikke dygtig til dramaturgi og vokalskrivning. I lang tid var der en mening om manglen på original melodi i ham. Rimsky-Korsakov blev anerkendt for sin dygtighed, især inden for orkestret, men intet mere. Denne langvarige misforståelse var faktisk hovedårsagen til den alvorlige krise, som komponisten oplevede i perioden efter Borodins død og den Mægtige Håndfulds endelige sammenbrud som kreativ retning. Og først fra slutningen af ​​90'erne blev Rimsky-Korsakovs kunst mere og mere i harmoni med æraen og mødte anerkendelse og forståelse blandt den nye russiske intelligentsia.

Denne proces med at mestre kunstnerens ideer af den offentlige bevidsthed blev afbrudt af efterfølgende begivenheder i Ruslands historie. I årtier blev Rimsky-Korsakovs kunst fortolket (og legemliggjort, hvis vi taler om scenerealiseringerne af hans operaer) på en meget forenklet måde. Det mest værdifulde i det - filosofien om menneskets og kosmos' enhed, ideen om at tilbede verdens skønhed og mysterium forblev begravet under de fejlagtigt fortolkede kategorier "nationalitet" og "realisme". Skæbnen for Rimsky-Korsakovs arv i denne forstand er naturligvis ikke enestående: For eksempel blev Mussorgskys operaer udsat for endnu større fordrejninger. Men hvis der i nyere tid har været stridigheder omkring Mussorgskijs skikkelse og arbejde, har arven efter Rimsky-Korsakov været i ærefuld glemsel i de seneste årtier. Det blev anerkendt for alle fordelene ved en akademisk orden, men det så ud til at falde ud af den offentlige bevidsthed. Rimsky-Korsakovs musik spilles sjældent; i de tilfælde, hvor hans operaer kommer på scenen, vidner de fleste dramatiseringer – rent dekorative, bladrige eller populær-fabulerende – om en afgørende misforståelse af komponistens ideer.

Det er væsentligt, at hvis der findes en enorm moderne litteratur om Mussorgsky på alle større europæiske sprog, så er seriøse værker om Rimsky-Korsakov meget få. Ud over de gamle bøger af I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, populære biografier samt adskillige interessante artikler af amerikanske og engelske musikforskere om særlige emner af komponistens arbejde, kan man kun nævne en række af værker af den vigtigste vestlige specialist om Rimsky-Korsakov, Gerald Abraham. Resultatet af hans mangeårige studier var tilsyneladende en artikel om komponisten til den nye udgave af Grove's Encyclopedic Dictionary (1980). Dens vigtigste bestemmelser er som følger: Som operakomponist led Rimsky-Korsakov af en fuldstændig mangel på dramatisk flair, en manglende evne til at skabe karakterer; i stedet for musikdramaer skrev han dejlige musical- og sceneeventyr; i stedet for karakterer optræder charmerende fantastiske dukker i dem; hans symfoniske værker er intet andet end "meget farvestrålende mosaikker", mens han slet ikke mestrede vokalskrivning.

I sin monografi om Glinka bemærker OE Levasheva det samme fænomen af ​​uforståelse i forhold til Glinkas musik, klassisk harmonisk, samlet og fuld af ædel tilbageholdenhed, meget langt fra primitive ideer om "russisk eksotisme" og tilsyneladende "ikke nok national" for udenlandske kritikere . Indenlandske tanker om musik, med nogle få undtagelser, kæmper ikke kun ikke imod et sådant synspunkt vedrørende Rimsky-Korsakov – også ret almindeligt i Rusland – men forværrer det ofte, understreger Rimsky-Korsakovs imaginære akademiske og dyrker en falsk modstand mod Mussorgskys innovation.

Måske er tiden for verdensanerkendelse for Rimsky-Korsakovs kunst stadig forude, og æraen vil komme, hvor kunstnerens værker, der skabte et integreret, omfattende billede af verden arrangeret i overensstemmelse med lovene om rationalitet, harmoni og skønhed , vil finde deres egen, russiske Bayreuth, som Rimsky-Korsakovs samtidige drømte om på tærsklen til 1917.

M. Rakhmanova

• Symfonisk kreativitet →
• Instrumentel kreativitet →
• Korkunst →
• Romancer →